Monday, March 9, 2026

Taipei - Nadine Sierra - National Concert Hall - 9 Mar 2026

 

On a luminous evening in Taipei, the celebrated American soprano Nadine Sierra made her long-awaited debut for Taiwanese audiences in the Powerchip Bel Canto Series, joining the distinguished National Symphony Orchestra Taiwan under the baton of Yao-Yu Wu. The concert unfolded in the magnificent National Concert Hall Taipei, a cultural jewel standing proudly beside the skyline dominated by the soaring Taipei 101—one of the tallest buildings in the world.

From the very first notes, the evening radiated elegance and theatrical brilliance. Sierra’s voice—renowned for its crystalline clarity, golden upper register, and lyrical warmth—floated effortlessly through the hall. Her artistry combined impeccable technique with a deeply expressive musical sensibility, reminding listeners why she is widely regarded as one of the most dazzling sopranos of our time.

The program itself was a sumptuous journey through the heart of the operatic repertoire. The orchestra opened with the tender Intermezzo from Manon Lescaut by Giacomo Puccini, setting a mood of refined lyricism. Sierra then charmed the audience with the sparkling waltz aria “Je veux vivre” from Charles Gounod’s Roméo et Juliette, capturing the youthful exhilaration of Juliette with effortless agility and radiant high notes.

The evening continued with beloved arias such as “Chi il bel sogno di Doretta” from La Rondine, again by Giacomo Puccini, and the sensuous “Depuis le jour” from Louise by Gustave Charpentier, each shaped with exquisite phrasing and luminous tone.

A particularly thrilling moment arrived with the music of Giuseppe Verdi. Following the evocative Prelude to La Traviata, Sierra delivered the opera’s celebrated scene—“E strano… Ah, forse è lui… Sempre libera”—with breathtaking dramatic intensity, culminating in brilliant coloratura flights that electrified the hall.

After intermission, the orchestral splendor continued with the famous overture to William Tell by Gioachino Rossini. Sierra then delighted the audience with Norina’s playful aria from Don Pasquale by Gaetano Donizetti and the graceful charm of Amina’s music from La Sonnambula by Vincenzo Bellini.

The program moved through moments of orchestral poetry—such as the poignant intermezzo from Cavalleria Rusticana by Pietro Mascagni—before reaching the dramatic atmosphere of Lucia’s haunting aria “Regnava nel silenzio” from Donizetti’s Lucia di Lammermoor. Here Sierra revealed the full emotional range of her artistry, weaving fragility, mystery, and brilliance into a mesmerizing musical narrative.

And then came the unforgettable final crown of the evening: “Casta Diva” from Norma by Vincenzo Bellini. In this sublime bel canto prayer, Sierra’s voice seemed to suspend time itself. The long arching phrases unfolded with serenity and nobility, each note glowing with purity, until the hall dissolved into a moment of reverent silence before erupting in thunderous applause.

It was an evening where vocal artistry, orchestral elegance, and architectural grandeur met in perfect harmony. Beneath the glittering skyline of Taipei, Nadine Sierra transformed the concert hall into a temple of bel canto—an unforgettable celebration of opera’s beauty, passion, and timeless magic. 

Barcelona - Aida - Carolina Casanova de Cepeda - 1877

 



The First Aida of the Liceu: Carolina Casanova de Cepeda

In the long and brilliant history of the Gran Teatre del Liceu of Barcelona, few operas have achieved the legendary status of Aida. Since the nineteenth century it has been the most frequently performed opera in the great theatre of La Rambla and one of the works most beloved by the Barcelona public. Yet every tradition has a beginning. For Aida at the Liceu, that beginning arrived on a winter evening in 1877, when a Galician soprano from Ferrol stepped onto the stage and made history. Her name was Carolina Casanova de Cepeda.

Today her name is remembered mainly by specialists and historians, but in her own time she was an international star whose voice was heard across Europe and the Americas. In Barcelona she became immortalized as the first Aida ever performed at the Liceu, inaugurating a tradition that would captivate generations of audiences.


The Opera That Conquered the World

When Giuseppe Verdi composed Aida, he created a work that would soon conquer opera houses across the globe. Commissioned for the inauguration of the Khedivial Opera House in Egypt, the opera received its world premiere in Cairo in 1871 during the era of the Opening of the Khedivial Opera House.

The opera quickly spread across Europe. One of its earliest European triumphs occurred at the famed Teatro alla Scala in Milan, where the role of Aida was immortalized by the great soprano Teresa Stolz, closely associated with Verdi himself.

Barcelona already knew the opera when it first appeared there, having been introduced earlier at the historic Teatre Principal. Yet the true symbolic moment for the city came when Aida entered the repertory of its most prestigious operatic temple: the Gran Teatre del Liceu.

That historic debut took place on 25 February 1877, only six years after the opera’s world premiere. On that night, the role of the Ethiopian princess was sung by Carolina Casanova, alongside the powerful Italian tenor Francesco Tamagno—who would later become famous as Verdi’s first Otello.


A Galician Voice Begins Its Journey

Carolina Casanova de Cepeda was born on 10 January 1847 in Ferrol, in Galicia, a naval city in northwestern Spain. From humble beginnings she showed exceptional musical promise. Her earliest studies took place in her hometown, where she began to develop the vocal technique that would eventually carry her across continents.

As a young singer she joined a touring company and travelled to Madrid. There she appeared at the celebrated Teatro de la Zarzuela, where her talent quickly attracted attention. Her voice possessed unusual qualities: sweetness, flexibility, and dramatic strength. Critics praised not only her tone but also her expressive acting, which allowed her to embody the emotional depth required by the great operatic heroines.

After marrying, she continued her studies abroad. She travelled to Rome, refining her technique within the great Italian vocal tradition. Later she spent time in Paris, further polishing her style and gaining exposure to the cosmopolitan operatic world of the late nineteenth century.

By the early 1870s, Casanova had begun performing professionally across Spain, appearing in cities such as Palma de Mallorca and Valencia. Her repertoire included works by Verdi and the French grand opera composer Giacomo Meyerbeer.


Triumph in the Americas

In the nineteenth century, many European opera companies toured extensively in Latin America, where enthusiastic audiences filled theatres in growing cosmopolitan capitals. Carolina Casanova joined one such company and embarked on a remarkable tour across the continent.

Between April and September 1872 she sang in Peru, Chile, Argentina, Uruguay, and Brazil. Her repertoire included some of the greatest works of the bel canto and early Romantic traditions:

  • Il barbiere di Siviglia

  • La traviata

  • Rigoletto

  • Un ballo in maschera

  • Norma

  • La sonnambula

  • Linda di Chamounix

  • Poliuto

During this period she worked alongside the legendary soprano Adelina Patti, the most famous opera singer in the world at the time. Years later they would meet again on the stage of the Royal Opera House.


The Path to Aida

Returning to Europe, Casanova continued her ascent. She performed at the Teatro Real, where she sang roles such as Norma and Violetta in La traviata. Her voice—capable of both delicate lyricism and dramatic power—made her ideal for Verdi’s heroines.

A crucial step in her career came in Warsaw. At the Teatr Wielki—then one of the major theatres of Eastern Europe—she sang Aida, becoming the first soprano to perform the role in Poland after the opera’s debut in Cairo.

The theatre itself would later be destroyed during the World War II, but Casanova’s triumph there marked the beginning of her association with the role that would define her legacy.












Warsaw Opera House 

Barcelona, 1877: A Historic Night

Soon after her Warsaw success, Casanova arrived in Barcelona. The city’s opera lovers eagerly awaited the Liceu premiere of Verdi’s Egyptian masterpiece.

On 25 February 1877, the curtain rose at the Gran Teatre del Liceu for the theatre’s first performance of Aida. Carolina Casanova took the stage as the Ethiopian princess, while Francesco Tamagno sang the heroic Radamès.

The performance was a triumph.

Barcelona audiences were already passionate opera lovers, but the spectacle of Verdi’s drama—its massive choruses, exotic setting, and deeply emotional music—captivated them completely. Casanova’s portrayal of Aida combined vocal beauty with intense dramatic expression. Her performance left a profound impression, establishing the opera as one of the Liceu’s most beloved works.

From that moment onward, Aida would become a cornerstone of the theatre’s repertoire.


Conquering Europe

After Barcelona, Casanova continued performing the role across Europe. She sang Aida in Lisbon and other major cities, gaining a reputation as one of the finest interpreters of the part.

Her fame soon reached the Russian Empire, one of the great cultural centers of the nineteenth century. At the prestigious Mariinsky Theatre she performed Aida before an enthusiastic audience.

The success was overwhelming. According to contemporary accounts, the soprano was called back to the stage more than twenty times to acknowledge the applause. Critics praised her as the finest Aida of her generation.

Among the audience was the great composer Pyotr Ilyich Tchaikovsky, along with members of the Russian aristocracy. Such recognition placed the Spanish soprano among the elite of the operatic world.

She also performed in Naples at the historic Teatro di San Carlo, another of Europe’s most illustrious opera houses.


Honoured in Imperial Russia


Russia became one of the great stages of Casanova’s career. In Saint Petersburg she achieved immense success not only in Aida but also in another of her signature roles: Donizetti’s Lucrezia Borgia.

After a particularly triumphant performance around 1880, she was invited to the imperial box by Alexander II of Russia and Maria Alexandrovna—a remarkable honour.

Russian critics were captivated by her dramatic talent. Some compared her with the legendary nineteenth-century soprano Giuditta Pasta, famous for her extraordinary expressive acting. In Saint Petersburg newspapers, Casanova’s interpretation of Norma was described as one of the greatest heard in the Russian capital.











Emperor of Russia Zar Alexander II


    Mariinsky Theater Saint Petersburg













The winter Palace (North facade) in St. Petersburg in the 19th century lithograph after a drawing by Charlemagne


What made Carolina Casanova so admired?

Contemporary critics frequently mentioned three qualities:

Beauty of tone. Her voice was described as pure, warm, and flexible.

Technical mastery. Years of study in Italy and France had given her superb control of dynamics and phrasing.

Dramatic intelligence. She was not merely a singer but a convincing actress, capable of embodying complex characters.

This combination allowed her to move effortlessly between different emotional worlds: the fragile Violetta in La traviata, the heroic priestess in Norma, the tormented Ethiopian princess in Aida, or the dark drama of Lucrezia Borgia.

For this reason critics sometimes compared her with great dramatic singers of other eras. In modern terms, one might say she possessed the kind of global celebrity later associated with stars such as Anna Netrebko.


The Final Years on Stage

Casanova remained active into the late nineteenth century. One of her final notable performances took place in 1891 in Porto, where she sang Norma once again.

By then she had travelled the world: Europe, the Americas, and Russia had all applauded her artistry. Few Spanish singers of her generation enjoyed such international recognition.

Eventually she retired from the stage, leaving behind a legacy that would gradually fade from public memory—but not from the history of opera.


Legacy: The First Aida of the Liceu

Today the Gran Teatre del Liceu continues to present Aida, and the opera remains one of the theatre’s most frequently performed works. Each new soprano who steps onto that stage to sing the Ethiopian princess follows a tradition that began in 1877.

At the origin of that tradition stands Carolina Casanova de Cepeda.

Though time has obscured her name, her achievement remains significant. A young woman from Ferrol carried Spanish artistry to the great theatres of the world, sang before emperors and composers, and became the first Aida ever heard at Barcelona’s most famous opera house.

For opera lovers in Barcelona—and for anyone interested in the global history of the art—her story is a reminder that the golden age of opera was shaped not only by composers like Verdi but also by extraordinary voices that brought their music to life.

And among those voices, the first Aida of the Liceu still deserves to be remembered. 

La Primera Aída del Liceu: Carolina Casanova de Cepeda

En la larga y brillante historia del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, ​​pocas óperas han alcanzado el estatus de leyenda de Aída. Desde el siglo XIX, ha sido la ópera más representada en el gran teatro de La Rambla y una de las obras más queridas por el público barcelonés. Sin embargo, toda tradición tiene un comienzo. Para Aída en el Liceu, ese comienzo llegó una noche de invierno de 1877, cuando una soprano gallega de Ferrol subió al escenario e hizo historia. Su nombre era Carolina Casanova de Cepeda.

Hoy en día, su nombre es recordado principalmente por especialistas e historiadores, pero en su época fue una estrella internacional cuya voz se escuchó en toda Europa y América. En Barcelona, ​​fue inmortalizada como la primera Aída representada en el Liceu, inaugurando una tradición que cautivaría a generaciones de público.

La ópera que conquistó el mundo

Cuando Giuseppe Verdi compuso Aida, creó una obra que pronto conquistaría los teatros de ópera de todo el mundo. Encargada para la inauguración de la Ópera Khedivial en Egipto, la ópera tuvo su estreno mundial en El Cairo en 1871, durante la inauguración de la Ópera Khedivial.

La ópera se difundió rápidamente por toda Europa. Uno de sus primeros triunfos europeos tuvo lugar en el famoso Teatro alla Scala de Milán, donde el papel de Aida fue inmortalizado por la gran soprano Teresa Stolz, estrechamente vinculada al propio Verdi.

Barcelona ya conocía la ópera cuando se estrenó allí, habiéndose presentado anteriormente en el histórico Teatre Principal. Sin embargo, el verdadero momento simbólico para la ciudad llegó cuando Aida entró en el repertorio de su templo operístico más prestigioso: el Gran Teatre del Liceu.

Ese histórico debut tuvo lugar el 25 de febrero de 1877, tan solo seis años después del estreno mundial de la ópera. Esa noche, Carolina Casanova interpretó el papel de la princesa etíope, junto al poderoso tenor italiano Francesco Tamagno, quien más tarde se haría famoso como el primer Otelo de Verdi.

Una voz gallega comienza su camino

Carolina Casanova de Cepeda nació el 10 de enero de 1847 en Ferrol, Galicia, ciudad naval del noroeste de España. De origen humilde, demostró una excepcional promesa musical. Realizó sus primeros estudios en su ciudad natal, donde comenzó a desarrollar la técnica vocal que la llevaría a recorrer continentes.

De joven cantante, se unió a una compañía de gira y viajó a Madrid. Allí actuó en el célebre Teatro de la Zarzuela, donde su talento llamó rápidamente la atención. Su voz poseía cualidades inusuales: dulzura, flexibilidad y fuerza dramática. La crítica elogió no solo su tono, sino también su expresividad interpretativa, que le permitió encarnar la profundidad emocional que requerían las grandes heroínas de la ópera.

Tras casarse, continuó sus estudios en el extranjero. Viajó a Roma, donde perfeccionó su técnica dentro de la gran tradición vocal italiana. Posteriormente, pasó un tiempo en París, donde perfeccionó aún más su estilo y se familiarizó con el cosmopolita mundo operístico de finales del siglo XIX.

A principios de la década de 1870, Casanova comenzó a actuar profesionalmente por toda España, presentándose en ciudades como Palma de Mallorca y Valencia. Su repertorio incluía obras de Verdi y del compositor francés de grandes óperas Giacomo Meyerbeer.

Triunfo en América

En el siglo XIX, muchas compañías de ópera europeas realizaron extensas giras por Latinoamérica, donde el público entusiasta llenó los teatros de las capitales cosmopolitas en expansión. Carolina Casanova se unió a una de estas compañías y emprendió una notable gira por todo el continente.

Entre abril y septiembre de 1872, cantó en Perú, Chile, Argentina, Uruguay y Brasil. Su repertorio incluía algunas de las obras más importantes del bel canto y las primeras tradiciones románticas:


El barbero de Sevilla 

La traviata

Rigoletto

Un baile de máscaras

Norma

La sonámbula

Linda de Chamounix

Poliuto

Durante este período trabajó junto a la legendaria soprano Adelina Patti, la cantante de ópera más famosa del mundo en aquel momento. Años más tarde se reencontrarían en el escenario de la Royal Opera House.

El camino a Aida

De regreso a Europa, Casanova continuó su ascenso. Actuó en el Teatro Real, donde interpretó papeles como Norma y Violetta en La traviata. Su voz, capaz de un lirismo delicado y una gran fuerza dramática, la convirtió en la ideal para las heroínas de Verdi.

Un paso crucial en su carrera llegó en Varsovia. En el Teatr Wielki, entonces uno de los principales teatros de Europa del Este, cantó Aida, convirtiéndose en la primera soprano en interpretar el papel en Polonia tras el estreno de la ópera en El Cairo.

El teatro mismo sería destruido posteriormente durante la Segunda Guerra Mundial, pero el triunfo de Casanova allí marcó el inicio de su asociación con el papel que definiría su legado.

Barcelona, ​​1877: Una noche histórica

Poco después de su éxito en Varsovia, Casanova llegó a Barcelona. Los amantes de la ópera de la ciudad esperaban con impaciencia el estreno en el Liceu de la obra maestra egipcia de Verdi.

El 25 de febrero de 1877, se levantó el telón en el Gran Teatre del Liceu para el estreno de Aida. Carolina Casanova subió al escenario como la princesa etíope, mientras que Francesco Tamagno cantó el heroico Radamés.

La función fue un éxito rotundo.

El público barcelonés ya era un apasionado de la ópera, pero el espectáculo del drama de Verdi —sus coros masivos, su ambientación exótica y su música profundamente conmovedora— lo cautivó por completo. La interpretación de Aida por parte de Casanova combinó belleza vocal con una intensa expresión dramática. Su actuación dejó una huella imborrable, consolidando la ópera como una de las obras más queridas del Liceu.

A partir de ese momento, Aida se convertiría en una pieza clave del repertorio del teatro.

Conquistando Europa

Tras Barcelona, ​​Casanova continuó interpretando el papel por toda Europa. Cantó Aida en Lisboa y otras ciudades importantes, labrándose una reputación como una de las mejores intérpretes del personaje.

Su fama pronto llegó al Imperio Ruso, uno de los grandes centros culturales del siglo XIX. En el prestigioso Teatro Mariinsky, interpretó Aida ante un público entusiasta.

El éxito fue abrumador. Según relatos de la época, la soprano fue llamada de nuevo al escenario más de veinte veces para agradecer los aplausos. La crítica la aclamó como la mejor Aida de su generación.

Entre el público se encontraba el gran compositor Piotr Ilich Chaikovski, junto con miembros de la aristocracia rusa. Este reconocimiento situó a la soprano española entre la élite del mundo operístico.

También actuó en Nápoles, en el histórico Teatro di San Carlo, otro de los teatros de ópera más ilustres de Europa.

Homenajeada en la Rusia Imperial

Rusia se convirtió en uno de los grandes escenarios de la carrera de Casanova. En San Petersburgo, alcanzó un éxito rotundo no solo con Aida, sino también con otro de sus papeles emblemáticos: Lucrecia Borgia de Donizetti.

Tras una actuación particularmente triunfal alrededor de 1880, fue invitada al Palco Imperial por el Emperador Alejandro II de Rusia y la Emperatriz María Alexandrovna, un honor extraordinario para una cantante que había comenzado su carrera en los modestos teatros de España.

La crítica rusa quedó cautivada por su talento dramático. Algunos la compararon con la legendaria soprano del siglo XIX Giuditta Pasta, famosa por su extraordinaria expresividad interpretativa. En los periódicos de San Petersburgo, la interpretación de Norma por parte de Casanova fue descrita como una de las más destacadas de la capital rusa.

Una voz y una actriz

¿Qué hizo que Carolina Casanova fuera tan admirada?

La crítica contemporánea mencionó con frecuencia tres cualidades:

Belleza de tono. Su voz fue descrita como pura, cálida y flexible.

Dominio técnico. Años de estudio en Italia y Francia le habían proporcionado un magnífico control de la dinámica y el fraseo.

Inteligencia dramática. No solo era cantante, sino también una actriz cautivadora, capaz de encarnar personajes complejos.

Esta combinación le permitió moverse con soltura entre diferentes mundos emocionales: la frágil Violetta en La traviata, la heroica sacerdotisa en Norma, la atormentada princesa etíope en Aida o el oscuro drama de Lucrecia Borgia.

Por esta razón, la crítica a veces la comparaba con grandes cantantes dramáticas de otras épocas. En términos modernos, se podría decir que poseía la fama mundial que más tarde se asociaría con estrellas como Anna Netrebko.

Los últimos años en el escenario

Casanova se mantuvo activa hasta finales del siglo XIX. Una de sus últimas actuaciones notables tuvo lugar en 1891 en Oporto, donde repitió su papel de Norma.

Para entonces, ya había viajado por todo el mundo: Europa, América y Rusia habían aplaudido su arte. Pocas cantantes españolas de su generación gozaron de tal reconocimiento internacional.

Finalmente se retiró de los escenarios, dejando un legado que gradualmente se desvanecería de la memoria pública, pero no de la historia de la ópera.

Legado: La primera Aida en el Liceu

Hoy en día, el Gran Teatre del Liceu sigue presentando Aida, y la ópera sigue siendo una de las obras más representadas del teatro. Cada nueva soprano que sube al escenario para interpretar el papel de la princesa etíope sigue una tradición que comenzó en 1877.

En el origen de esta tradición se encuentra Carolina Casanova de Cepeda.

Aunque el tiempo ha eclipsado su nombre, su logro sigue siendo significativo. Una joven ferrolana llevó el arte español a los grandes teatros del mundo, cantó ante emperadores y compositores, y se convirtió en la primera Aida que se escuchó en el teatro de ópera más famoso de Barcelona.

Para los amantes de la ópera en Barcelona, ​​y para cualquiera interesado en la historia global del arte, su historia es un recordatorio de que la época dorada de la ópera estuvo marcada no solo por compositores como Verdi, sino también por voces extraordinarias que dieron vida a su música.

Y entre esas voces, la primera Aida del Liceu aún merece ser recordada.

Carolina Casanova de Cepeda — испанская оперная певица (сопрано), родившаяся 10 января 1847 года в городе Ferrol, в Галисии. В конце XIX века она стала одной из самых известных испанских певиц своего времени и выступала на крупнейших сценах Европы и Америки. Однако особенно яркую страницу её карьеры составили триумфы в России, где публика и критика принимали её с исключительным восторгом.

Начав своё музыкальное образование в родном городе, Каролина рано проявила выдающиеся вокальные способности. Позже она продолжила обучение в Италии и Франции, а первые значительные успехи пришли к ней в Испании — на сцене мадридского Teatro de la Zarzuela. Постепенно её карьера приобрела международный характер: певица выступала в Италии, Франции, Польше и в странах Латинской Америки, где исполняла ведущие партии в операх Верди, Беллини, Доницетти и Россини.

К концу 1870-х годов её имя уже было хорошо известно в европейском оперном мире. Среди её самых знаменитых ролей были героини из опер Giuseppe Verdi — особенно партия Аиды в опере Aida, которая принесла ей международную славу.

Настоящим событием стали гастроли певицы в России. Она выступала на сцене знаменитого Mariinsky Theatre в Санкт-Петербурге, одном из важнейших музыкальных центров Европы того времени. Её исполнение роли Аиды вызвало огромный успех: после спектакля публика вызывала певицу на сцену более двадцати раз. Русская пресса писала о необыкновенной красоте её голоса, соединявшей мягкость, силу и драматическую выразительность.

Среди слушателей её выступлений находился великий русский композитор Pyotr Ilyich Tchaikovsky, а также представители высшего общества столицы. После одного из триумфальных спектаклей певица была приглашена в императорскую ложу, где её лично приняли российский император Alexander II of Russia и императрица Maria Alexandrovna. Для молодой артистки из Испании это стало огромной честью и свидетельством её высокого международного признания.

Не меньший успех ожидал Каролину и в Москве, где она также выступала с итальянской оперной труппой. Московская публика принимала её с таким же восторгом, как и петербургская. Особенное восхищение вызывали её драматические роли — прежде всего Аида и Норма из оперы Norma. Критики отмечали не только вокальное мастерство певицы, но и её редкий актёрский талант.

В русской прессе того времени Каролину Касанову нередко сравнивали с легендарной певицей Giuditta Pasta, прославившейся глубиной драматической интерпретации. Такое сравнение считалось высшей похвалой для оперной артистки XIX века.

Таким образом, гастроли Каролины Касановы в России стали одним из самых ярких эпизодов её международной карьеры. Её выступления в Санкт-Петербурге и Москве укрепили её славу как одной из выдающихся сопрано своего времени. Испанская певица из далёкого Ферроля сумела покорить русскую публику и войти в историю как одна из иностранных оперных звёзд, которых Россия принимала с особым восхищением.





Sunday, March 8, 2026

New York - 2 WTC - American Express



















The long-awaited 2 World Trade Center, the missing piece to complete the renovated World Trade Center complex, has finally begun to rise. In a few months, we will begin to see this new giant of Lower Manhattan grow, floor by floor, destined to become one of the most admired silhouettes on the New York skyline.

Designed by the prestigious British architect Norman Foster, the building will reach an impressive height of 373 meters, placing it just below its majestic neighbor, One World Trade Center, and also in dialogue with the elegant towers of 3 World Trade Center and 4 World Trade Center. Together, they already form one of the most symbolic and contemporary architectural ensembles in the world.

But the new 2 WTC will not simply be another glass skyscraper. Its design introduces a profoundly human and natural element: a series of terraced rooftop gardens, veritable green balconies suspended in the Manhattan sky. These terraces, brimming with vegetation and life, bring a festive, luminous, and hopeful atmosphere to the complex. By day, they will offer a fresh and vibrant image; by night, illuminated, they will transform the tower into an elegant and almost magical presence on the skyline.

The idea is especially meaningful in this location. Just steps away are the fountains of the National September 11 Memorial & Museum, surrounded by trees that symbolize memory and rebirth. In a way, the green terraces of the new skyscraper seem to extend that forest into the sky, as if the memorial's trees were still growing, raising a message of hope and life to the heavens.

The building will also rise next to the spectacular station designed by Santiago Calatrava, the iconic World Trade Center Transportation Hub, making it a perfectly connected location for the thousands of workers who will commute there every day. Among them, American Express is expected to establish its global headquarters there.

As with many large contemporary skyscrapers, the lower levels will likely house shops, restaurants, and public spaces, bringing even more life to Lower Manhattan, not only during the workday but also in the evenings and on weekends.

For years it was the missing tower. Now, finally, 2 World Trade Center is beginning to take shape. And as its structure rises month by month toward the New York skyline, the world will witness the birth of a new symbol: an architecture that looks to the future, but also remembers, honors, and celebrates life.

Долгожданный 2-й Всемирный торговый центр, недостающий элемент для завершения реконструкции комплекса Всемирного торгового центра, наконец-то начал возводиться. Через несколько месяцев мы начнем наблюдать, как этот новый гигант Нижнего Манхэттена растет этаж за этажом, и ему суждено стать одним из самых восхитительных силуэтов на горизонте Нью-Йорка.

Спроектированное престижным британским архитектором Норманом Фостером, здание достигнет впечатляющей высоты в 373 метра, расположившись чуть ниже своего величественного соседа, 1-го Всемирного торгового центра, а также вступая в диалог с элегантными башнями 3-го и 4-го Всемирного торгового центра. Вместе они уже образуют один из самых символичных и современных архитектурных ансамблей в мире.

Но новый 2-й Всемирный торговый центр будет не просто еще одним стеклянным небоскребом. Его дизайн включает в себя глубоко человеческий и природный элемент: серию террасных садов на крыше, настоящие зеленые балконы, парящие в небе над Манхэттеном. Эти террасы, полные растительности и жизни, привносят в комплекс праздничную, светлую и полную надежды атмосферу. Днём они создадут свежий и яркий образ; ночью, подсвеченные, они превратят башню в элегантное и почти волшебное зрелище на горизонте.

Эта идея особенно актуальна в данном месте. Всего в нескольких шагах находятся фонтаны Национального мемориала и музея 11 сентября, окружённые деревьями, символизирующими память и возрождение. В некотором смысле, зелёные террасы нового небоскрёба словно продолжают этот лес в небо, как будто деревья мемориала всё ещё растут, вознося послание надежды и жизни к небесам.

Здание также будет возвышаться рядом с впечатляющим вокзалом, спроектированным Сантьяго Калатравой, культовым транспортным узлом Всемирного торгового центра, что сделает его идеально связанным местом для тысяч работников, которые будут ежедневно добираться туда на работу. Среди них, как ожидается, American Express разместит там свою глобальную штаб-квартиру.

Как и во многих крупных современных небоскрёбах, на нижних уровнях, вероятно, разместятся магазины, рестораны и общественные пространства, что ещё больше оживит Нижний Манхэттен не только в рабочее время, но и по вечерам и в выходные дни.

Долгие годы это была недостающая башня. Теперь, наконец, 2-й Всемирный торговый центр начинает обретать форму. И по мере того, как его конструкция месяц за месяцем поднимается к горизонту Нью-Йорка, мир станет свидетелем рождения нового символа: архитектуры, которая смотрит в будущее, но также помнит, чтит и прославляет жизнь.

L'attesissimo 2 World Trade Center, il tassello mancante per completare il complesso ristrutturato del World Trade Center, ha finalmente iniziato a sorgere. Tra pochi mesi, inizieremo a vedere questo nuovo gigante di Lower Manhattan crescere, piano dopo piano, destinato a diventare una delle silhouette più ammirate dello skyline di New York.

Progettato dal prestigioso architetto britannico Norman Foster, l'edificio raggiungerà l'impressionante altezza di 373 metri, posizionandosi appena sotto il suo maestoso vicino, il One World Trade Center, e dialogando anche con le eleganti torri del 3 World Trade Center e del 4 World Trade Center. Insieme, formano già uno dei complessi architettonici più simbolici e contemporanei al mondo.

Ma il nuovo 2 WTC non sarà semplicemente un altro grattacielo di vetro. Il suo design introduce un elemento profondamente umano e naturale: una serie di giardini pensili terrazzati, veri e propri balconi verdi sospesi nel cielo di Manhattan. Queste terrazze, ricche di vegetazione e vita, conferiscono al complesso un'atmosfera festosa, luminosa e piena di speranza. Di giorno, offriranno un'immagine fresca e vibrante; Di notte, illuminati, trasformeranno la torre in una presenza elegante e quasi magica nello skyline.

L'idea è particolarmente significativa in questa posizione. A pochi passi si trovano le fontane del National September 11 Memorial & Museum, circondate da alberi che simboleggiano la memoria e la rinascita. In un certo senso, le terrazze verdi del nuovo grattacielo sembrano estendere quella foresta verso il cielo, come se gli alberi del memoriale stessero ancora crescendo, lanciando un messaggio di speranza e vita al cielo.

L'edificio sorgerà anche accanto alla spettacolare stazione progettata da Santiago Calatrava, l'iconico snodo dei trasporti del World Trade Center, rendendolo un luogo perfettamente collegato per le migliaia di lavoratori che vi si recheranno ogni giorno. Tra questi, si prevede che American Express stabilirà lì la sua sede centrale.

Come per molti grandi grattacieli contemporanei, i piani inferiori ospiteranno probabilmente negozi, ristoranti e spazi pubblici, portando ancora più vita a Lower Manhattan, non solo durante la giornata lavorativa, ma anche la sera e nei fine settimana.

Per anni è stata la torre mancante. Ora, finalmente, il World Trade Center 2 sta iniziando a prendere forma. E mentre la sua struttura si eleva mese dopo mese verso lo skyline di New York, il mondo assisterà alla nascita di un nuovo simbolo: un'architettura che guarda al futuro, ma che al tempo stesso ricorda, onora e celebra la vita.


Moscow - The Legend of Love - 8 Mar 2026

The history of The Legend of Love is inseparable from the legacy of its creator, Yuri Grigorovich, one of the towering figures of twentieth-century Russian culture. Born in Saint Petersburg (then Leningrad) in 1927 and passing away in Moscow in 2025 at the remarkable age of ninety-eight, Grigorovich shaped the artistic identity of Soviet and Russian ballet for more than three decades. As artistic director of the legendary Bolshoi Ballet from 1964 to 1995, he created a style that fused classical grandeur with dramatic power, redefining the expressive possibilities of ballet. Alongside his extraordinary career stood his muse and wife, the incomparable ballerina Natalia Bessmertnova, whose ethereal elegance and emotional depth made her one of the most celebrated dancers in ballet history.

Among Grigorovich’s many masterpieces—such as Spartacus, Ivan the Terrible, and his iconic interpretations of Swan Lake and The Nutcracker—few works capture his artistic vision as profoundly as The Legend of Love. Created in 1961 to the evocative score of Azerbaijani composer Arif Melikov, with a libretto inspired by the writings of Turkish poet Nazim Hikmet, the ballet draws upon the ancient Persian legend of Farhad and Shirin. From its very first performances, the work stood apart from traditional romantic ballets. It introduced a new visual language—angular movements, sculptural poses, and an almost cinematic sense of dramatic tension—while retaining the emotional intensity that lies at the heart of classical dance.

The story unfolds as a tragic and noble drama. Queen Mekhmene Banu sacrifices her own beauty to save the life of her beloved younger sister, the princess Shirin. Yet fate brings both women to love the same man: the young court painter Ferkhad. When Ferkhad’s heart belongs to Shirin, the queen—tormented by jealousy and sorrow—assigns him an impossible task: to carve a path through an iron mountain in order to bring water to a suffering people. In the end, Ferkhad chooses duty and sacrifice over personal happiness, transforming the ballet into a profound meditation on love, power, and moral responsibility.

This combination of epic storytelling and daring choreography made the work a cornerstone of the repertoire at the Bolshoi Theatre, where it has continued to captivate audiences for decades.

Over the years, the ballet has been interpreted by some of the greatest dancers of the Russian stage. Legendary artists such as Nikolai Tsiskaridze, Ekaterina Osmolkina, Vladimir Shklyarov, and Viktoria Tereshkina brought extraordinary depth and charisma to its demanding roles. Their performances revealed the powerful blend of athleticism and lyricism that defines Grigorovich’s choreography. In particular, the heroic role of Ferkhad requires exceptional stamina, explosive elevation in jumps, and a dramatic presence capable of conveying the inner conflict between love and duty.

In more recent years, the ballet has also been illuminated by the artistry of one of Russia’s most celebrated ballerinas, Svetlana Zakharova. Her interpretations of the ballet’s leading roles have enchanted audiences with a unique combination of technical purity, musical sensitivity, and poetic refinement. When Zakharova steps onto the stage, the atmosphere of the theatre seems to transform; every gesture becomes expressive, every line sculpted with luminous grace.

Yet the magic of The Legend of Love lies not only in its illustrious past but also in the new generation of dancers who continue to breathe fresh life into this masterpiece. Recent performances at the Bolshoi Theatre have revealed an inspiring constellation of young artists whose interpretations honor the tradition while bringing renewed vitality.

Among them, the elegant Eleonora Sevenard has impressed audiences with her refined musicality and luminous stage presence. Her performances capture both the delicacy and the emotional complexity of the ballet’s heroines. Alongside her, the charismatic Igor Tsvirko has dazzled spectators with powerful jumps, dramatic energy, and an unmistakable theatrical magnetism that draws thunderous applause.

Particularly captivating is the emerging partnership of Yaroslavna Kuprina and Makar Mikhalkin, a duo increasingly admired for their extraordinary harmony on stage. Kuprina possesses long, expressive lines and remarkable flexibility—qualities perfectly suited to the stylized aesthetic of the ballet, inspired by the delicate geometry of Persian miniatures. Mikhalkin, meanwhile, embodies the heroic figure of Ferkhad with impressive physical strength and soaring elevation in his jumps. His ability to combine technical precision with emotional intensity allows him to portray the character’s inner turmoil with compelling authenticity.

Their pas de deux reveal a rare sense of trust and synchrony. The demanding lifts and acrobatic transitions characteristic of Grigorovich’s choreography appear effortless in their hands, creating the illusion that the ballerina floats weightlessly through space. Together they bring a youthful sincerity to the tragic love story, transforming it from a historical legend into a living, breathing drama.

Other remarkable artists—such as Anna Nikulina, Denis Rodkin,  Maria Koshkaryova, Mark Orlov, Vladislav Lantratov, and Elizaveta Kokoreva—continue to enrich the production with their own distinctive interpretations, ensuring that each performance feels unique while remaining faithful to the grand tradition of the Bolshoi.

More than sixty years after its creation, The Legend of Love remains a mesmerizing spectacle—at once monumental, poetic, and profoundly human. Its hypnotic music, its sculptural choreography, and its timeless themes of sacrifice and devotion create an atmosphere that feels almost cinematic in its emotional scope.

Each new generation of dancers inherits this masterpiece and transforms it anew. From the legendary stars of the past to the brilliant young artists who now command the stage, the ballet continues to enchant audiences and to affirm the enduring genius of Yuri Grigorovich—a creator whose vision shaped the soul of Russian ballet and whose works will continue to inspire dream and wonder for generations to come. 

История «Легенды о любви» неразрывно связана с наследием её создателя, Юрия Григоровича, одной из выдающихся фигур русской культуры XX века. Родившийся в Санкт-Петербурге (тогда Ленинграде) в 1927 году и скончавшийся в Москве в 2025 году в почтенном возрасте девяноста восьми лет, Григорович более трёх десятилетий формировал художественную самобытность советского и российского балета. Будучи художественным руководителем легендарного Большого балета с 1964 по 1995 год, он создал стиль, сочетающий классическое величие с драматической силой, переосмыслив выразительные возможности балета. Наряду с его выдающейся карьерой, рядом с ним стояла его муза и жена, несравненная балерина Наталья Бессмертнова, чья неземная элегантность и эмоциональная глубина сделали её одной из самых прославленных танцовщиц в истории балета.

Среди многочисленных шедевров Григоровича — таких как «Спартак», «Иван Грозный» и его культовые интерпретации «Лебединого озера» и «Щелкунчика» — немногие произведения так глубоко отражают его художественное видение, как «Легенда о любви». Созданный в 1961 году на проникновенную музыку азербайджанского композитора Арифа Меликова, с либретто, вдохновленным произведениями турецкого поэта Назима Хикмета, балет основан на древней персидской легенде о Фархаде и Ширин. С самых первых представлений произведение отличалось от традиционных романтических балетов. Оно представило новый визуальный язык — угловатые движения, скульптурные позы и почти кинематографическое ощущение драматического напряжения — сохраняя при этом эмоциональную интенсивность, лежащую в основе классического танца.

История разворачивается как трагическая и благородная драма. Царица Мехмене Бану жертвует своей красотой, чтобы спасти жизнь своей любимой младшей сестры, принцессы Ширин. Но судьба сводит обеих женщин с одним и тем же мужчиной: молодым придворным художником Ферхадом. Когда сердце Ферхада принадлежит Ширин, царица, терзаемая ревностью и печалью, поручает ему невыполнимую задачу: проложить путь сквозь железную гору, чтобы доставить воду страдающему народу. В конце концов, Ферхад выбирает долг и жертву вместо личного счастья, превращая балет в глубокое размышление о любви, власти и моральной ответственности.

Это сочетание эпического повествования и смелой хореографии сделало произведение краеугольным камнем репертуара Большого театра, где оно продолжает очаровывать публику на протяжении десятилетий.

За эти годы балет исполняли одни из величайших танцоров русской сцены. Легендарные артисты, такие как Николай Цискаридзе, Екатерина Осмолкина, Владимир Шкляров и Виктория Терешкина, привнесли необычайную глубину и харизму в свои сложные роли. Их выступления раскрыли мощное сочетание атлетизма и лиризма, которое определяет хореографию Григоровича. В частности, героическая роль Ферхада требует исключительной выносливости, взрывной высоты прыжков и драматического присутствия, способного передать внутренний конфликт между любовью и долгом.

В последние годы балет также украсило мастерство одной из самых известных балерин России, Светланы Захаровой. Ее интерпретации ведущих ролей в балете очаровали публику уникальным сочетанием технической чистоты, музыкальной чувствительности и поэтической утонченности. Когда Захарова выходит на сцену, атмосфера театра словно преображается; каждый жест становится выразительным, каждая линия выточена сияющей грацией.

Однако магия «Легенды о любви» заключается не только в ее славном прошлом, но и в новом поколении танцоров, которые продолжают вдыхать новую жизнь в этот шедевр. Недавние выступления в Большом театре показали вдохновляющее созвездие молодых артистов, чьи интерпретации чтят традиции, одновременно наполняя их новой энергией.

Среди них элегантная Элеонора Севенард впечатлила публику своей утонченной музыкальностью и сияющим сценическим обаянием. Ее выступления передают как утонченность, так и эмоциональную сложность героинь балета. Рядом с ней харизматичный Игорь Цвирко поразил зрителей мощными прыжками, драматической энергией и неповторимым театральным магнетизмом, вызывающим бурные аплодисменты.

Особенно привлекателен зарождающийся дуэт Ярославы Куприной и Макара Михалкина, который все больше ценится за свою необыкновенную гармонию на сцене. Куприна обладает длинными, выразительными линиями и замечательной гибкостью — качествами, идеально подходящими для стилизованной эстетики балета, вдохновленной тонкой геометрией персидских миниатюр. Михалкин, в свою очередь, воплощает героический образ Ферхада впечатляющей физической силой и головокружительной высотой прыжков. Его умение сочетать техническую точность с эмоциональной интенсивностью позволяет ему убедительно и достоверно изобразить внутренние переживания персонажа.

Их па-де-де демонстрируют редкое чувство доверия и синхронности. Сложные поддержки и акробатические переходы, характерные для хореографии Григоровича, кажутся в их руках совершенно лёгкими, создавая иллюзию невесомого парения балерины в пространстве. Вместе они привносят юношескую искренность в трагическую историю любви, превращая её из исторической легенды в живую, дышащую драму.

Другие известные артисты — такие как Мария Кошкарёва, Марк Орлов, Владислав Лантратов и Елизавета Кокорева — продолжают обогащать постановку своими собственными, неповторимыми интерпретациями, гарантируя уникальность каждого спектакля, оставаясь при этом верными великим традициям Большого театра.

Спустя более шестидесяти лет после своего создания «Легенда о любви» остаётся завораживающим зрелищем — одновременно монументальным, поэтическим и глубоко человечным. Её гипнотическая музыка, скульптурная хореография и вневременные темы жертвенности и преданности создают атмосферу, которая по своему эмоциональному размаху кажется почти кинематографической.

Каждое новое поколение танцоров наследует этот шедевр и преобразует его заново. От легендарных звезд прошлого до блестящих молодых артистов, которые сегодня покоряют сцену, балет продолжает очаровывать публику и подтверждать непреходящий гений Юрия Григоровича — творца, чье видение сформировало душу русского балета и чьи произведения будут продолжать вдохновлять на мечты и восхищение будущие поколения.


Saint Petersburg - Giuseppe Verdi - La forza del destino - Mariinsky Theatre - 30th April 2026

On Thursday, April 30th, 2026, Mariinsky Theatre will host an event of truly exceptional artistic and historical importance: a rare performa...