Moscow - The Firebird - Anastasia Smirnova - Klim Efimov - Feb 2026

Moscow lived a night of pure ballet magic at the Bolshoi. Klim Efimov and Anastasia Smirnova achieved a truly grand triumph in The Firebird, offering a performance that will be remembered for a long time.

Anastasia Smirnova was extraordinary: a ballerina of rare technical brilliance, with exquisite lines, vertiginous jumps, and dazzling footwork. Her épaulement was flawless, her musicality refined, and her presence luminous. She did not simply dance the Firebird — she became it, unforgettable in every movement.

Alongside her, Klim Efimov was equally magnificent: powerful, elegant, and deeply expressive, partnering with strength and sensitivity. Together they formed a superb couple, perfectly united in style and spirit, elevating each other throughout the ballet.

The audience was ecstatic, responding with overwhelming enthusiasm to this inspired interpretation. Supported by the wonderful music, the entire theatre seemed to breathe with the dancers. Moscow witnessed an evening of exquisite ballet, a celebration of artistry, beauty, and emotion — a true night of wonder at the Bolshoi.

Few works in the history of ballet possess the same mythical aura, revolutionary power, and enduring enchantment as The Firebird by Igor Stravinsky. Born from the visionary genius of impresario Sergei Diaghilev and his legendary company, the Ballets Russes, this ballet marked a turning point not only in Stravinsky’s life but in the entire evolution of modern music and dance. Its premiere in Paris in 1910 electrified audiences, unveiling a completely new musical language—bold, luminous, and daring—and establishing Stravinsky as one of the most transformative composers of all time. From that moment forward, he would shape the future with masterpieces like Petrushka and The Rite of Spring.

The ballet itself tells a story of magic, courage, and transcendence. Prince Ivan encounters the mysterious Firebird, a supernatural being of radiant beauty and immense power. With her help, he defeats the immortal sorcerer Koschei and restores harmony to the world. Stravinsky’s score mirrors this journey with astonishing brilliance: shimmering strings evoke the Firebird’s iridescent feathers, thunderous brass conjures terror and confrontation, and the triumphant finale rises like a blazing sunrise. Even more than a century later, the music remains astonishingly modern, its colors and emotional depth still capable of overwhelming audiences.

Yet ballet is not only music—it is flesh, breath, spirit, and presence. And on a recent unforgettable evening at the magnificent Bolshoi Theatre in Moscow, this immortal masterpiece was reborn in a performance of truly historic magnitude. It was not merely a performance—it was an event of rare artistic transcendence.

At the center of this magical night stood the incomparable Anastasia Smirnova, a ballerina of staggering brilliance and breathtaking authority. Her Firebird was not simply danced—it was embodied. Every movement radiated intelligence, intention, and supernatural magnetism. Her technique is nothing short of phenomenal: her jumps explode into the air with effortless elevation, her turns unfold with flawless control, and her musicality is so refined that she seems to breathe with the orchestra itself. But beyond technique, what sets Smirnova apart is her artistry—her ability to create mystery, tension, and poetry in every gesture. She is hypnotic, spellbinding, divine. She does not imitate the Firebird—she becomes it.

Her presence on stage commands absolute attention. The audience cannot look away. She is charismatic in the purest sense of the word, a rare artist whose aura fills the vast theatre effortlessly. Her interpretation was deeply expressive, fiercely powerful, and profoundly moving. This was not merely excellence. This was greatness.

Alongside her, Klim Efimov proved himself the ideal partner—an extraordinary dancer of immense refinement and astonishing technical mastery. His jumps are majestic and fearless, his lines elegant and noble, and his partnering is secure, sensitive, and flawless. He dances with intelligence, musical precision, and a deep understanding of dramatic nuance. Every lift, every transition, every moment was executed with breathtaking clarity and assurance. Together, Smirnova and Efimov form a partnership of rare harmony, beauty, and artistic unity. They are not only individually exceptional—they elevate one another to even greater heights.

They are young—remarkably young—and yet they already possess the maturity, authority, and depth of legendary artists. Their future is not merely promising—it is inevitable. They are already writing their names into the living history of the Bolshoi.

For me personally, Anastasia Smirnova holds an even deeper place in my heart. I saw her on October 29, 2025, in the role of Kitri, dancing alongside the fabulous and extraordinary Alexei Putintsev. That night remains unforgettable—an evening of pure magic. Her Kitri was radiant, vibrant, and electrifying. She danced with dazzling virtuosity, fearless energy, and irresistible charm. Every variation sparkled with joy, every turn was immaculate, every leap defied gravity. It was not simply a performance—it was a revelation.That couple had magic, I still remember it, what an unforgettable night, they were like two stars together giving off sparks, in the perfect ballet, everything was perfect¡¡¡ 

Since then, it has become clear that we are not witnessing the rise of a star.

We are witnessing a star.

Anastasia Smirnova is an artist of the highest order, a ballerina of rare genius whose performances are never routine, never predictable, but always unique, alive, and unforgettable. She possesses that mysterious quality that cannot be taught—the ability to transform an evening into something eternal.

This performance of The Firebird was more than a ballet. It was a triumph of human expression, a celebration of beauty, and a glimpse into the future of dance. With artists like Anastasia Smirnova and Klim Efimov, the future of the Bolshoi—and of ballet itself—is not merely secure.

It is glorious.

Немногие произведения в истории балета обладают такой же мифической аурой, революционной силой и непреходящим очарованием, как «Жар-птица» Игоря Стравинского. Созданный благодаря гениальному видению импресарио Сергея Дягилева и его легендарной труппы «Русские балеты», этот балет стал поворотным моментом не только в жизни Стравинского, но и во всей эволюции современной музыки и танца. Его премьера в Париже в 1910 году потрясла публику, открыв совершенно новый музыкальный язык — смелый, сияющий и дерзкий — и утвердив Стравинского как одного из самых влиятельных композиторов всех времен. С этого момента он будет формировать будущее такими шедеврами, как «Петрушка» и «Весна священная».

Сам балет рассказывает историю волшебства, мужества и трансцендентности. Князь Иван встречает таинственную Жар-птицу, сверхъестественное существо сияющей красоты и огромной силы. С её помощью он побеждает бессмертного колдуна Кощея и восстанавливает гармонию в мире. Музыка Стравинского отражает это путешествие с поразительным блеском: мерцающие струнные передают переливающиеся перья Жар-птицы, громогласные медные духовые вызывают ужас и противостояние, а триумфальный финал возвышается подобно ослепительному восходу солнца. Даже спустя более века музыка остается удивительно современной, ее краски и эмоциональная глубина по-прежнему способны поразить публику.

Однако балет — это не только музыка, это плоть, дыхание, дух и присутствие. И в недавний незабываемый вечер в великолепном Большом театре в Москве этот бессмертный шедевр возродился в представлении поистине исторического масштаба. Это было не просто представление — это было событие редкого художественного превосходства.

В центре этой волшебной ночи стояла несравненная Анастасия Смирнова, балерина ошеломляющего блеска и захватывающей дух силы. Ее Жар-птица была не просто исполнена — она была воплощена. Каждое движение излучало интеллект, намерение и сверхъестественный магнетизм. Её техника просто феноменальна: её прыжки взлетают в воздух с невероятной лёгкостью, повороты разворачиваются с безупречным контролем, а её музыкальность настолько утонченна, что кажется, будто она дышит вместе с самим оркестром. Но помимо техники, Смирнову отличает её артистизм — её способность создавать тайну, напряжение и поэзию в каждом жесте. Она гипнотична, завораживает, божественна. Она не подражает Жар-птице — она становится ею.

Её присутствие на сцене приковывает абсолютное внимание. Зрители не могут отвести взгляд. Она харизматична в самом чистом смысле этого слова, редкая артистка, чья аура без усилий заполняет огромный театр. Её интерпретация была глубоко выразительной, невероятно мощной и глубоко трогательной. Это было не просто совершенство. Это было величие.

Рядом с ней Клим Ефимов оказался идеальным партнёром — выдающимся танцором невероятной утонченности и поразительного технического мастерства. Его прыжки величественны и бесстрашны, его линии элегантны и благородны, а его партнёрство — уверенное, чуткое и безупречное. Он танцует с интеллектом, музыкальной точностью и глубоким пониманием драматических нюансов. Каждая поддержка, каждый переход, каждый момент исполнены с захватывающей дух ясностью и уверенностью. Вместе Смирнова и Ефимов образуют партнерство редкой гармонии, красоты и художественного единства. Они не только исключительны по отдельности — они поднимают друг друга на еще большие высоты.

Они молоды — удивительно молоды — и все же уже обладают зрелостью, авторитетом и глубиной легендарных артистов. Их будущее не просто многообещающее — оно неизбежно. Они уже вписывают свои имена в живую историю Большого театра.

Лично для меня Анастасия Смирнова занимает еще более глубокое место в моем сердце. Я видела ее 29 октября 2025 года в роли Китри, танцующей рядом с Алексеем Путинцевым. Тот вечер остается незабываемым — вечер чистой магии. Ее Китри была сияющей, живой и электризующей. Она танцевала с ослепительной виртуозностью, бесстрашной энергией и неотразимым обаянием. Каждая вариация сияла радостью, каждый поворот был безупречен, каждый прыжок бросал вызов гравитации. Это было не просто выступление — это было откровение.

С тех пор стало ясно, что мы наблюдаем не восхождение звезды.

Мы наблюдаем звезду.

Анастасия Смирнова — артистка высочайшего уровня, балерина редкого гения, чьи выступления никогда не бывают рутинными, непредсказуемыми, но всегда уникальными, живыми и незабываемыми. Она обладает тем таинственным качеством, которому нельзя научить — способностью превратить вечер в нечто вечное.

Это выступление «Жар-птицы» было больше, чем просто балетом. Это был триумф человеческого самовыражения, торжество красоты и взгляд в будущее танца. С такими артистами, как Анастасия Смирнова и Клим Ефимов, будущее Большого театра — и балета в целом — не просто обеспечено.

Оно великолепно.

Moscow - Carmen Suite - Bolshoi - Anastasia Smirnova - Dmitry Vyskubenko - Mark Orlov - Feb 2026

The evening proved once again that the art of ballet remains alive when performers emerge who can transform a stage into an unforgettable emotional experience. At the Bolshoi Ballet, where history carries as much weight as expectation, a new generation of artists is writing memorable chapters, and among them, Anastasia Smirnova shone with particular brilliance.

Many of us still remember that evening of October 29, 2025, when Smirnova appeared as Kitri in Don Quixote alongside Alexei Putintsev as Basilio. It was a performance that combined technical virtuosity with infectious stage presence. From her very first entrance, Smirnova radiated that rare blend of precision, musicality, and character that distinguishes true stars. Putintsev, for his part, brought an elegant and brilliant masculine energy, with powerful leaps and a perfect theatricality for Basilio. Together they formed an ideal couple, the kind that audiences remember for years to come.

That chemistry reignited in the explosive *The Flames of Paris*, where the same couple once again captivated the Bolshoi audience. In that ballet, brimming with revolutionary fervor and technically demanding passages, Putintsev displayed his athletic prowess while Smirnova unfolded a luminous virtuosity. It was clear that both not only mastered technique but also knew how to communicate emotion.

Later came another memorable evening with Marco Spada. There, the stage brought together an extraordinary cast: Smirnova, Putintsev, Yaroslavna Kuprina, and Makar Mikhalkin. Kuprina, a recent revelation for many viewers, demonstrated a refined elegance and delicate musicality that captivated from the very first moment. Her stage presence possesses a natural nobility, and every movement seems carefully sculpted in the air. Mikhalkin contributed strength and technical clarity, creating a perfect balance within the ensemble.

However, the star of that evening was undoubtedly Dmitry Vyskubenko, who portrayed the prince with extraordinary distinction. His style is admirably pure: long lines, impeccable turns, and a natural elegance reminiscent of the great princes of the classical repertoire. Vyskubenko possesses that rare quality of dancing with authority without losing sensitivity, and his stage presence illuminates any scene.

And now, just a few hours ago, another unforgettable chapter unfolded with the new performance of Carmen Suite as part of a mixed program. In this passionate and dramatic work, Smirnova took on the role of Carmen, the young Sevillian woman whose freedom and passion lead her to a tragic fate.

From her very first appearance, it was clear that this was not merely a technical performance. Smirnova was Carmen. Every gesture, every glance, every musical accent conveyed the character's fire. Her technique—already renowned for its clarity and precision—was transformed here into a dramatic instrument. Her movements were sharp, full of character, sensual, and also vulnerable. She was not only a great dancer; She was a consummate actress who lived the character in every moment.

Alongside her, Vyskubenko portrayed Don José with powerful intensity. If in Marco Spada he had displayed princely nobility, here he revealed a darker, more human side. His Don José was passionate, obsessive, tragic. The duet between Smirnova and Vyskubenko was one of those breathtaking moments: tension, desire, conflict, all expressed through movement.

The third point of this dramatic triangle was the magnificent Mark Orlov as Escamillo. Orlov brought a magnetic and confident presence, with a proud and seductive energy perfect for the famous bullfighter. His duet with Smirnova was electrifying: full of sensuality, challenge, and stage complicity. Every encounter between Escamillo and Carmen seemed charged with sparks.

The final scenes, in which Carmen's fate is sealed between Don José and Escamillo, had an almost palpable intensity. The chemistry between the three artists created an atmosphere of passion and tragedy that held the audience completely captivated until the very last moment.

Performances like this are the ones that become etched in a theater's collective memory.

And at the heart of it all, for many spectators, Anastasia Smirnova shone with ever-increasing brilliance. There are technically extraordinary dancers, and then there are performers capable of winning over the audience's soul. Smirnova clearly belongs to this second category. When she smiles on stage, the theater lights up; when the character suffers, the audience suffers with her.

That's why many are beginning to see her as a figure destined to become a great star of the Bolshoi, heir to the stage fire of super stars like Alla Mikhalchenko. That blend of charisma, dramatic intensity, and magnetic presence is something that can't be learned: it's a gift.

Now, the dream of many admirers is to see her tackle the great classical repertoire. Imagining Smirnova in Swan Lake as Odette and Odile is fascinating. Her dramatic ability could lend a poignant depth to the tragic Odette, while her stage presence promises a dazzling and dangerous Odile.

And that's not all. Thinking about her future Raymonda or a luminous Aurora in The Sleeping Beauty opens up an exciting horizon for the Bolshoi audience.

If the last few seasons have proven anything, it's that we are witnessing the rise of an exceptional artist within a company brimming with talent: Smirnova, alongside brilliant performers like Vyskubenko, Putintsev, Kuprina, Orlov, and Mikhalkin, is part of a generation that is renewing the splendor of the Bolshoi.

And for those who love ballet, following that rise—performance after performance—is a privilege.

Because nights like this remind us why ballet remains one of the most exciting and human art forms in existence.

La soirée a prouvé une fois de plus que l'art du ballet reste vivant grâce à l'émergence d'artistes capables de transformer une scène en une expérience émotionnelle inoubliable. Au Ballet du Bolchoï, où l'histoire compte autant que les attentes, une nouvelle génération d'artistes écrit des chapitres mémorables, et parmi eux, Anastasia Smirnova a brillé d'un éclat particulier.

Nombreux sont ceux qui se souviennent encore de cette soirée du 29 octobre 2025, où Smirnova incarnait Kitri dans Don Quichotte aux côtés d'Alexei Putintsev dans le rôle de Basilio. Ce fut une performance qui alliait virtuosité technique et présence scénique captivante. Dès son entrée en scène, Smirnova a rayonné de ce rare mélange de précision, de musicalité et de caractère qui distingue les véritables étoiles. Putintsev, quant à lui, a insufflé à Basilio une énergie masculine élégante et brillante, avec des sauts puissants et une théâtralité parfaite. Ensemble, ils formaient un couple idéal, de ceux dont le public se souvient longtemps.

Cette alchimie s'est ravivée dans l'explosif *Les Flammes de Paris*, où le même couple a une fois de plus captivé le public du Bolchoï. Dans ce ballet, débordant de ferveur révolutionnaire et de passages d'une grande exigence technique, Putintsev a fait étalage de sa prouesse athlétique tandis que Smirnova déployait une virtuosité lumineuse. Il était clair que tous deux maîtrisaient non seulement la technique, mais savaient aussi communiquer l'émotion.

Plus tard, une autre soirée mémorable a eu lieu avec Marco Spada. La scène réunissait alors une distribution extraordinaire : Smirnova, Putintsev, Yaroslavna Kuprina et Makar Mikhalkin. Kuprina, une révélation récente pour de nombreux spectateurs, a fait preuve d'une élégance raffinée et d'une musicalité délicate qui ont captivé dès le premier instant. Sa présence scénique est empreinte d'une noblesse naturelle, et chacun de ses mouvements semble sculpté avec précision dans l'air. Mikhalkin a apporté force et clarté technique, créant un équilibre parfait au sein de l'ensemble.

Cependant, la véritable star de cette soirée était sans conteste Dmitry Vyskubenko, qui a incarné le prince avec une distinction extraordinaire. Son style est d'une pureté admirable : des lignes élancées, des pirouettes impeccables et une élégance naturelle qui rappelle les grands princes du répertoire classique. Vyskubenko possède cette rare qualité de danser avec autorité sans perdre en sensibilité, et sa présence scénique illumine chaque scène.

Et maintenant, il y a quelques heures à peine, un autre chapitre inoubliable s'est ouvert avec la nouvelle représentation de la Suite Carmen dans le cadre d'un programme mixte. Dans cette œuvre passionnée et dramatique, Smirnova incarnait Carmen, la jeune Sévillane dont la liberté et la passion la mènent à un destin tragique.

Dès sa première apparition, il était clair qu'il ne s'agissait pas d'une simple performance technique. Smirnova était Carmen. Chaque geste, chaque regard, chaque accent musical traduisait la fougue du personnage. Sa technique, déjà reconnue pour sa clarté et sa précision, se transformait ici en un instrument dramatique. Ses mouvements étaient vifs, expressifs, sensuels et vulnérables. Elle n'était pas seulement une grande danseuse ; elle était une actrice accomplie qui vivait le personnage à chaque instant.

À ses côtés, Vyskubenko incarnait Don José avec une intensité bouleversante. S'il avait affiché une noblesse princière dans le rôle de Marco Spada, il révélait ici une facette plus sombre et plus humaine. Son Don José était passionné, obsessionnel, tragique. Le duo entre Smirnova et Vyskubenko fut un moment à couper le souffle : tension, désir, conflit, tout s'exprimait par le mouvement.

Le troisième pilier de ce triangle dramatique était le magnifique Mark Orlov dans le rôle d'Escamillo. Orlov dégageait une présence magnétique et assurée, une énergie fière et séductrice, parfaite pour le célèbre torero. Son duo avec Smirnova était électrisant : plein de sensualité, de défi et de complicité scénique. Chaque rencontre entre Escamillo et Carmen semblait chargée d'étincelles.

Les scènes finales, où le destin de Carmen se scelle entre Don José et Escamillo, étaient d'une intensité presque palpable. L'alchimie entre les trois artistes créa une atmosphère de passion et de tragédie qui captiva le public jusqu'au dernier instant.

Des performances comme celle-ci restent gravées dans la mémoire collective d'un théâtre.

Et au cœur de tout cela, pour de nombreux spectateurs, Anastasia Smirnova a brillé d'un éclat toujours plus intense. Il y a des danseurs techniquement extraordinaires, et puis il y a des interprètes capables de toucher l'âme du public. Smirnova appartient sans conteste à cette seconde catégorie. Lorsqu'elle sourit sur scène, le théâtre s'illumine ; lorsque le personnage souffre, le public souffre avec elle.

C’est pourquoi beaucoup la voient déjà comme une étoile promise à un brillant avenir au Bolchoï, héritière de la fougue scénique de légendes telles que Maïa Plisetskaïa ou Alla Mikhalchenko. Ce mélange de charisme, d’intensité dramatique et de présence magnétique est inné : c’est un don.

Désormais, le rêve de nombreux admirateurs est de la voir s’attaquer aux grands classiques. L’imaginer dans le Lac des cygnes, incarnant Odette et Odile, est fascinant. Son talent dramatique pourrait conférer une profondeur poignante à la tragique Odette, tandis que sa présence scénique promet une Odile éblouissante et envoûtante.

Et ce n’est pas tout. L’envisager dans le rôle de Raymonda ou dans celui d’une Aurore lumineuse dans La Belle au bois dormant ouvre des perspectives passionnantes pour le public du Bolchoï.

Si les dernières saisons ont prouvé une chose, c'est bien l'émergence d'une artiste exceptionnelle au sein d'une compagnie foisonnante de talents : Smirnova, aux côtés d'interprètes brillants comme Vyskubenko, Putintsev, Kuprina, Orlov et Mikhalkin, appartient à une génération qui renouvelle la splendeur du Bolchoï.

Et pour les amoureux du ballet, suivre cette ascension, représentation après représentation, est un privilège.

Car des soirées comme celle-ci nous rappellent pourquoi le ballet demeure l'une des formes d'art les plus passionnantes et les plus humaines qui soient.

Вечер еще раз доказал, что искусство балета остается живым, когда появляются исполнители, способные превратить сцену в незабываемое эмоциональное переживание. В Большом балете, где история имеет такое же значение, как и ожидания, новое поколение артистов пишет запоминающиеся главы, и среди них Анастасия Смирнова блистала особенно ярко.

Многие из нас до сих пор помнят тот вечер 29 октября 2025 года, когда Смирнова исполнила партию Китри в «Дон Кихоте» вместе с Алексеем Путинцевым в роли Базилио. Это было выступление, сочетающее техническое мастерство с заразительным сценическим обаянием. С самого первого выхода на сцену Смирнова излучала редкое сочетание точности, музыкальности и характера, которое отличает настоящих звезд. Путинцев, в свою очередь, привнес элегантную и блестящую мужскую энергию, мощные прыжки и безупречную театральность в образ Базилио. Вместе они образовали идеальную пару, которую зрители будут помнить долгие годы.

Эта химия вновь вспыхнула в взрывном балете «Пламя Парижа», где та же пара вновь покорила публику Большого театра. В этом балете, наполненном революционным пылом и технически сложными пассажами, Путинцев продемонстрировал свое атлетическое мастерство, а Смирнова — блистательную виртуозность. Было ясно, что оба не только в совершенстве владеют техникой, но и умеют передавать эмоции.

Позже состоялся еще один незабываемый вечер с Марко Спадой. На сцене собрался выдающийся состав: Смирнова, Путинцев, Ярославна Куприна и Макар Михалкин. Куприна, недавно открывшаяся для многих зрителей, продемонстрировала утонченную элегантность и тонкую музыкальность, которые очаровали с первого же момента. Ее сценическое присутствие обладает естественным благородством, и каждое движение кажется тщательно выточенным в воздухе. Михалкин внес силу и техническую ясность, создав идеальный баланс в ансамбле.

Однако звездой того вечера, несомненно, стал Дмитрий Выскубенко, который с необычайным мастерством исполнил роль князя. Его стиль поражает своей чистотой: длинные линии, безупречные повороты и естественная элегантность, напоминающая великих князей классического репертуара. Выскубенко обладает редким качеством — танцевать с уверенностью, не теряя при этом чувствительности, а его сценическое присутствие озаряет любую сцену.

И вот, всего несколько часов назад, развернулась еще одна незабываемая глава с новым исполнением «Сюиты Кармен» в рамках смешанной программы. В этом страстном и драматическом произведении Смирнова исполнила роль Кармен, молодой севильской женщины, чья свобода и страсть приводят ее к трагической судьбе.

С самого первого появления стало ясно, что это не просто техническое исполнение. Смирнова была Кармен. Каждый жест, каждый взгляд, каждый музыкальный акцент передавали огонь характера. Ее техника, уже известная своей ясностью и точностью, здесь превратилась в драматический инструмент. Ее движения были резкими, полными характера, чувственными, а также уязвимыми. Она была не просто великой танцовщицей; она была непревзойденной актрисой, которая проживала персонажа в каждом моменте.

Наряду с ней, Выскубенко с невероятной интенсивностью изобразил Дона Хосе. Если в «Марко Спаде» он демонстрировал княжеское благородство, то здесь он раскрыл более темную, человечную сторону. Его Дон Хосе был страстным, одержимым, трагичным. Дуэт Смирновой и Выскубенко был одним из тех захватывающих моментов: напряжение, желание, конфликт — все выражено через движение.

Третьим звеном этого драматического треугольника был великолепный Марк Орлов в роли Эскамильо. Орлов привнес магнетическую и уверенную харизму, гордую и соблазнительную энергию, идеально подходящую для знаменитого тореадора. Его дуэт со Смирновой был электризующим: полным чувственности, вызова и сценического соучастия. Каждая встреча Эскамильо и Кармен казалась наполненной искрами.

Финальные сцены, в которых судьба Кармен решается между Доном Хосе и Эскамильо, отличались почти осязаемой интенсивностью. Химия между тремя артистами создала атмосферу страсти и трагедии, которая полностью захватила внимание зрителей до самого последнего момента.

Подобные спектакли навсегда остаются в коллективной памяти театра.

И в основе всего этого для многих зрителей Анастасия Смирнова сияла все более блестящим великолепием. Есть технически выдающиеся танцовщицы, а есть исполнительницы, способные покорить душу зрителя. Смирнова, безусловно, принадлежит ко второй категории. Когда она улыбается на сцене, театр озаряется светом; когда страдает героиня, зрители страдают вместе с ней.

Вот почему многие начинают видеть в ней фигуру, которой суждено стать великой звездой Большого театра, наследницей сценического огня таких легенд, как Майя Плисецкая , Алла Михальченко. Это сочетание харизмы, драматической интенсивности и магнетического присутствия — это то, чему нельзя научиться: это дар.

Сейчас мечта многих поклонников — увидеть её в исполнении великого классического репертуара. Представлять Смирнову в «Лебедином озере» в роли Одетты и Одиль — завораживает. Её драматический талант мог бы придать трагической Одетте пронзительную глубину, а её сценическое обаяние обещало бы ослепительную и опасную Одиль.

И это ещё не всё. Мысли о её будущей Раймонде или сияющей Авроре в «Спящей красавице» открывают захватывающие горизонты для публики Большого театра.

Если последние несколько сезонов что-то и доказали, так это то, что мы являемся свидетелями восхождения исключительной артистки в труппе, переполненной талантами: Смирнова, наряду с такими блестящими исполнителями, как Выскубенко, Путинцев, Куприна, Орлов и Михалкин, принадлежит к поколению, которое возрождает великолепие Большого театра.

И для тех, кто любит балет, следить за этим восхождением — спектакль за спектаклем — большая привилегия.

Потому что такие вечера напоминают нам, почему балет остается одним из самых захватывающих и человечных видов искусства.

La noche volvió a demostrar que el arte del ballet sigue vivo cuando aparecen intérpretes capaces de transformar un escenario en una experiencia emocional inolvidable. En el Bolshoi Ballet, donde la historia pesa tanto como la expectativa, una nueva generación de artistas está escribiendo páginas memorables, y entre ellos brilló con intensidad especial Anastasia Smirnova.

Muchos recordamos todavía aquella velada del 29 de octubre de 2025 cuando Smirnova apareció como Kitri en Don Quixote junto a Alexei Putintsev como Basilio. Fue una interpretación que combinaba virtuosismo técnico con una alegría escénica contagiosa. Desde su primera entrada, Smirnova irradiaba esa mezcla rara de precisión, musicalidad y carácter que distingue a las verdaderas estrellas. Putintsev, por su parte, aportó una energía masculina elegante y brillante, con saltos poderosos y un sentido teatral perfecto para Basilio. Juntos formaron una pareja ideal, de esas que el público recuerda durante años.

Aquella química volvió a encenderse en el explosivo The Flames of Paris, donde la misma pareja conquistó nuevamente al público del Bolshoi. En ese ballet, lleno de fervor revolucionario y pasajes técnicamente exigentes, Putintsev mostró su potencia atlética mientras Smirnova desplegaba un virtuosismo luminoso. Era evidente que ambos no solo dominaban la técnica, sino que sabían comunicar emoción.

Más tarde llegó otra velada memorable con Marco Spada. Allí el escenario reunió a un reparto extraordinario: Smirnova, Putintsev, Yaroslavna Kuprina y Makar Mikhalkin. Kuprina, una revelación reciente para muchos espectadores, demostró una elegancia refinada y una musicalidad delicada que cautivó desde el primer momento. Su presencia escénica es de una nobleza natural, y cada movimiento parece cuidadosamente esculpido en el aire. Mikhalkin aportó fuerza y claridad técnica, creando un equilibrio perfecto dentro del conjunto.

Sin embargo, la estrella de aquella noche fue sin duda Dmitry Vyskubenko, quien interpretó al príncipe con una distinción extraordinaria. Su estilo es de una pureza admirable: líneas largas, giros impecables y una elegancia natural que recuerda a los grandes príncipes del repertorio clásico. Vyskubenko posee esa rara cualidad de bailar con autoridad sin perder sensibilidad, y su presencia escénica ilumina cualquier escena.

Y ahora, apenas unas horas atrás, llegó otro capítulo inolvidable con la nueva representación de Carmen Suite dentro de un programa mixto. En esta obra apasionada y dramática, Smirnova asumió el papel de Carmen, la joven sevillana cuya libertad y pasión la conducen a un destino trágico.

Desde su primera aparición quedó claro que no se trataba solo de una interpretación técnica. Smirnova era Carmen. Cada gesto, cada mirada, cada acento musical transmitía el fuego del personaje. Su técnica —ya famosa por su limpieza y precisión— se transformó aquí en un instrumento dramático. Sus movimientos tenían filo, carácter, sensualidad y también vulnerabilidad. No era únicamente una gran bailarina; era una actriz completa que vivía el personaje en cada instante.

A su lado, Vyskubenko interpretó a Don José con una intensidad poderosa. Si en Marco Spada había mostrado nobleza principesca, aquí reveló un lado más oscuro y humano. Su Don José era apasionado, obsesivo, trágico. El dúo entre Smirnova y Vyskubenko fue uno de esos momentos que dejan al público sin aliento: tensión, deseo, conflicto, todo expresado a través del movimiento.

El tercer vértice de este triángulo dramático fue el magnífico Mark Orlov como Escamillo. Orlov aportó una presencia magnética y segura, con una energía orgullosa y seductora perfecta para el famoso torero. Su dúo con Smirnova fue electrizante: lleno de sensualidad, desafío y complicidad escénica. Cada encuentro entre Escamillo y Carmen parecía cargado de chispas.

Las escenas finales, en las que el destino de Carmen se sella entre Don José y Escamillo, tuvieron una intensidad casi palpable. La química entre los tres artistas creó un clima de pasión y tragedia que mantuvo al público completamente cautivo hasta el último momento.

Funciones como esta son las que quedan grabadas en la memoria colectiva de un teatro.

Y en el centro de todo, para muchos espectadores, brilló con fuerza creciente Anastasia Smirnova. Hay bailarinas técnicamente extraordinarias, y hay intérpretes capaces de conquistar el alma del público. Smirnova pertenece claramente a esta segunda categoría. Cuando sonríe en escena, el teatro se ilumina; cuando el personaje sufre, el público sufre con ella.

Por eso muchos empiezan a verla como una figura destinada a convertirse en una gran estrella del Bolshoi, heredera del fuego escénico de leyendas como Maya Plisetskaya o Алла Михальченко. Esa mezcla de carisma, intensidad dramática y presencia magnética es algo que no se aprende: es un don.

Ahora el sueño de muchos admiradores es verla abordar el gran repertorio clásico. Imaginar a Smirnova en Swan Lake como Odette y Odile resulta fascinante. Su capacidad dramática podría dar una profundidad conmovedora a la trágica Odette, mientras que su fuego escénico promete una Odile deslumbrante y peligrosa.

Y no solo eso. Pensar en su futura Raymonda o en una luminosa Aurora de The Sleeping Beauty abre un horizonte emocionante para el público del Bolshoi.

Si las últimas temporadas han demostrado algo, es que estamos presenciando el ascenso de una artista excepcional dentro de una compañía llena de talento: Smirnova, junto a intérpretes brillantes como Vyskubenko, Putintsev, Kuprina, Orlov y Mikhalkin, forma parte de una generación que está renovando el esplendor del Bolshoi.

Y para quienes aman el ballet, seguir ese ascenso —función tras función— es un privilegio.

Porque noches como esta nos recuerdan por qué el ballet sigue siendo una de las formas de arte más emocionantes y humanas que existen. 

Munich - Onegin - 28 Feb 2026 - Premiere

Tonight, in the luminous heart of Munich, an extraordinary artistic journey begins. The curtain rises on the first performance in a highly anticipated series of John Cranko’s masterpiece, brought to life by the incomparable artists of the Bayerisches Staatsballett at the majestic Bayerische Staatsoper. This evening promises not merely a performance, but an experience of rare emotional depth, poetic beauty, and unforgettable theatrical intensity.

At the center of this premiere stands the radiant Laurretta Summerscales, who will embody Tatjana for the first time in this run. Summerscales, already beloved for her deeply moving interpretation of Giselle, brings to Tatjana a rare combination of vulnerability, lyrical purity, and dramatic intelligence. Her artistry is uniquely suited to this role—one of ballet’s most psychologically complex heroines. Tatjana’s transformation from shy, dreaming girl to poised and emotionally scarred woman demands not only flawless technique, but profound emotional truth. Few artists possess Summerscales’ ability to make every gesture speak, every silence resonate.

Opposite her stands the magnificent Osiel Gouneo as Onegin, a role that requires commanding presence, aristocratic refinement, and devastating dramatic power. Gouneo, the Cuban-born international star and principal dancer of the company since 2016, brings extraordinary charisma and depth to the role. His Onegin is not merely cold or aloof, but deeply human—a man trapped by his own emotional limitations. His noble line, powerful elevation, and expressive subtlety make him one of the most compelling interpreters of this role on the international stage today.

The emotional world of the ballet is enriched further by the presence of the celebrated Julian MacKay, dancing the role of Onegin’s friend. MacKay, a true global ballet phenomenon, brings his signature elegance, technical brilliance, and dramatic refinement. His presence alone elevates the evening into something exceptional—a rare opportunity to witness one of ballet’s brightest stars in this profound dramatic work.

Tonight’s Olga will be danced by Violetta Keller, whose vitality and warmth provide the perfect contrast to Tatjana’s introspective nature. Olga’s youthful joy and emotional spontaneity are essential to the story’s tragic unfolding, and Keller’s interpretation promises freshness, musicality, and charm.

Guiding the entire performance is conductor Marc Leroy-Calatayud, leading the magnificent Bayerisches Staatsorchester. The score, drawn from the soul-stirring music of Pyotr Ilyich Tchaikovsky, becomes under his direction a living emotional landscape—by turns tender, passionate, melancholic, and overwhelming. Each note breathes with the emotional life of the characters, enveloping the audience in an atmosphere of irresistible beauty.

This masterpiece bears the unmistakable signature of choreographer John Cranko, whose genius lies in his unparalleled ability to translate psychological complexity into movement. His choreography is both technically demanding and profoundly human, revealing the inner lives of the characters with astonishing clarity. Cranko’s Onegin is widely regarded as one of the greatest narrative ballets ever created—a work of dramatic sophistication and emotional truth that continues to captivate audiences decades after its premiere.

The visual world is completed by the elegant and evocative designs of Jürgen Rose, whose sets and costumes transport the audience into the refined yet emotionally charged world of Pushkin’s Russia. His aesthetic creates an atmosphere of poetic realism, where memory, longing, and destiny seem to inhabit every corner of the stage.

This evening marks only the beginning of a remarkable series of performances. In the coming weeks, audiences will also have the privilege of witnessing other distinguished interpreters of Tatjana, including Maria Baranova, Elisabeth Tonev, and Ksenia Shevtsova. Likewise, the role of Onegin will be shared with the outstanding Jakob Feyferlik, ensuring that each performance brings new emotional colors and artistic perspectives.

But tonight is uniquely special.

Tonight belongs to Summerscales and Gouneo.

Tonight, their artistry will breathe life into one of ballet’s most powerful stories—a story of innocence, rejection, regret, and the irreversible passage of time. The famous mirror pas de deux, the heartbreaking letter scene, the devastating final encounter—these moments will unfold not simply as choreography, but as living emotion.

The anticipation in Munich is palpable. The opera house itself seems to wait in silence, as if aware that something extraordinary is about to happen. Soon, the lights will dim. The orchestra will begin. And in that magical space between music and movement, reality will dissolve into poetry.

An unforgettable evening awaits.

Ce soir, au cœur lumineux de Munich, un voyage artistique extraordinaire commence. Le rideau se lève sur la première représentation d'une série très attendue du chef-d'œuvre de John Cranko, porté à l'écran par les artistes incomparables du Bayerisches Staatsballett dans le majestueux Bayerisches Staatsoper. Cette soirée promet bien plus qu'un simple spectacle : une expérience d'une rare profondeur émotionnelle, d'une beauté poétique et d'une intensité théâtrale inoubliable.

Au centre de cette première se trouve la rayonnante Laurretta Summerscales, qui incarne Tatjana pour la première fois dans cette série de représentations. Déjà admirée pour son interprétation profondément émouvante de Giselle, Summerscales apporte à Tatjana une combinaison rare de vulnérabilité, de pureté lyrique et d'intelligence dramatique. Son art est parfaitement adapté à ce rôle, l'une des héroïnes les plus complexes psychologiquement du ballet. La transformation de Tatjana, de jeune fille timide et rêveuse à femme affirmée et marquée par les épreuves, exige non seulement une technique irréprochable, mais aussi une vérité émotionnelle profonde. Rares sont les artistes qui possèdent la capacité de Summerscales à faire parler chaque geste, à faire résonner chaque silence.

Face à elle se dresse le magnifique Osiel Gouneo dans le rôle d'Onéguine, un rôle qui exige une présence imposante, un raffinement aristocratique et une puissance dramatique bouleversante. Gouneo, étoile internationale d'origine cubaine et danseur principal de la compagnie depuis 2016, confère au personnage un charisme et une profondeur extraordinaires. Son Onéguine n'est pas simplement froid ou distant, mais profondément humain – un homme prisonnier de ses propres limites émotionnelles. Sa ligne noble, son élévation puissante et sa subtilité expressive font de lui l'un des interprètes les plus captivants de ce rôle sur la scène internationale actuelle.

L'univers émotionnel du ballet est encore enrichi par la présence du célèbre Julian MacKay, qui interprète le rôle de l'ami d'Onéguine. MacKay, véritable phénomène mondial du ballet, apporte son élégance caractéristique, sa virtuosité technique et son raffinement dramatique. Sa seule présence élève la soirée au rang d'événement exceptionnel – une occasion rare d'admirer l'une des plus grandes étoiles du ballet dans cette œuvre dramatique profonde.

Ce soir, le rôle d'Olga sera interprété par Violetta Keller, dont la vitalité et la chaleur contrastent à merveille avec la nature introspective de Tatjana. La joie juvénile et la spontanéité émotionnelle d'Olga sont essentielles au déroulement tragique de l'histoire, et l'interprétation de Keller promet fraîcheur, musicalité et charme.

Le chef d'orchestre Marc Leroy-Calatayud dirige le magnifique Orchestre d'État de Bavière. La partition, inspirée des œuvres bouleversantes de Piotr Ilitch Tchaïkovski, se transforme sous sa direction en un paysage émotionnel vivant – tour à tour tendre, passionné, mélancolique et poignant. Chaque note vibre au rythme des émotions des personnages, enveloppant le public d'une beauté irrésistible.

Ce chef-d'œuvre porte la signature inimitable du chorégraphe John Cranko, dont le génie réside dans son talent exceptionnel pour traduire la complexité psychologique en mouvements. Sa chorégraphie, à la fois techniquement exigeante et profondément humaine, révèle avec une clarté saisissante la vie intérieure des personnages. L'Onéguine de Cranko est largement considéré comme l'un des plus grands ballets narratifs jamais créés – une œuvre d'une sophistication dramatique et d'une vérité émotionnelle qui continue de captiver le public des décennies après sa première.

L'univers visuel est complété par les décors élégants et évocateurs de Jürgen Rose, dont les plateaux et les costumes transportent le public dans le monde raffiné et pourtant chargé d'émotion de la Russie de Pouchkine. Son esthétique crée une atmosphère de réalisme poétique, où la mémoire, le désir et le destin semblent habiter chaque recoin de la scène.

Ce soir ne marque que le début d'une remarquable série de représentations. Dans les semaines à venir, le public aura également le privilège d'assister aux performances d'autres interprètes de renom du rôle de Tatjana, notamment Maria Baranova, Elisabeth Tonev et Ksenia Shevtsova. De même, le rôle d'Onéguine sera partagé avec l'exceptionnel Jakob Feyferlik, garantissant ainsi que chaque représentation apporte de nouvelles nuances émotionnelles et de nouvelles perspectives artistiques.

Mais ce soir est un moment unique.

Ce soir appartient à Summerscales et Gouneo.

Ce soir, leur art donnera vie à l'un des récits les plus poignants du ballet : une histoire d'innocence, de rejet, de regret et du passage inexorable du temps. Le célèbre pas de deux du miroir, la scène déchirante de la lettre, la rencontre finale bouleversante : ces moments se déploieront non pas comme une simple chorégraphie, mais comme une émotion vivante.

À Munich, l'attente est palpable. L'opéra lui-même semble retenir son souffle, comme conscient qu'un événement extraordinaire est sur le point de se produire. Bientôt, les lumières s'éteindront. L'orchestre commencera à jouer. Et dans cet espace magique entre musique et mouvement, la réalité se fondra en poésie.

Une soirée inoubliable nous attend.

Munich - Rigoletto - Premiere 7 March 2026

A rare electricity fills the winter air in Munich as the Bavarian capital prepares to unveil one of the most anticipated operatic events of recent years: the premiere of a visionary new production of Rigoletto on 7 March 2026 at the resplendent Bayerische Staatsoper. This new staging, entrusted to the celebrated Polish director Barbara Wysocka, promises not merely a revival of a beloved masterpiece, but a profound re-examination of one of the most psychologically complex and emotionally devastating works ever composed by Giuseppe Verdi.

Verdi and the birth of a masterpiece

When Verdi composed Rigoletto, he stood at a decisive crossroads in his artistic life. By 1850, he had already achieved fame across Italy, yet he had not fully entered the realm of immortality. That transformation would begin with this opera. Based on Le Roi s’amuse, the daring and controversial drama by Victor Hugo, Verdi encountered a story of shocking moral ambiguity: a corrupt ruler, a cynical court jester, and the innocent daughter whose purity becomes the tragic victim of power, cruelty, and fate.

The Austrian censors who governed northern Italy at the time were horrified. The idea of portraying a morally bankrupt monarch on stage was considered politically dangerous. Verdi was forced to relocate the drama from the French court to Renaissance Mantua and transform the king into a duke. Yet these compromises did nothing to diminish the work’s emotional force. When Rigoletto premiered on 11 March 1851 at the illustrious La Fenice, it was an immediate triumph.

Verdi himself later declared that Rigoletto was his most perfect opera. Even when reminded of his late masterpieces, he insisted on its supremacy. Yet he confessed, with touching humility, that if he were merely a spectator, La traviata would be the work closest to his heart. This dual confession reveals much about Verdi: the craftsman admired Rigoletto’s perfection, while the human being cherished the intimate emotional truth of his later creation.

But in Rigoletto, Verdi achieved something revolutionary. He shattered the traditional hierarchy of operatic characters. The protagonist was not a noble hero or romantic lover, but a disfigured court fool—bitter, sarcastic, wounded, and profoundly human. The opera explores themes of paternal love, moral corruption, revenge, innocence, and destiny with unprecedented psychological realism.

Musically, Verdi created melodies of extraordinary beauty and dramatic precision. The Duke’s cynical aria “La donna è mobile” became instantly famous, its deceptively charming melody masking profound cruelty. Gilda’s music radiates luminous innocence, especially in “Caro nome,” where her fragile hopes shimmer with youthful sincerity. And the great quartet of the third act remains one of the most astonishing ensembles in operatic history, four souls revealing contradictory emotions simultaneously, woven into a single tapestry of breathtaking musical architecture.

With Rigoletto, followed by Il trovatore and La traviata, Verdi entered what would later be called his “popular trilogy”—works that secured his eternal place in the pantheon of artistic genius.

The temple of opera in Munich

This new production unfolds within the magnificent Nationaltheater, the historic home of the Bavarian State Opera. This architectural jewel, rebuilt after the devastation of the Second World War, stands today as one of Europe’s most revered operatic temples. Its grand neoclassical façade conceals an interior of golden elegance, perfect acoustics, and an atmosphere steeped in centuries of musical devotion.

Within these walls have appeared the greatest singers, conductors, and composers in history. Wagner conducted here. Strauss premiered his works here. Generations of artists have transformed this stage into a sanctuary of human expression. To present a new Rigoletto here is not merely to perform an opera—it is to engage in dialogue with history itself.

Barbara Wysocka’s visionary return

The return of Barbara Wysocka to Munich marks a moment of artistic significance. Born in Warsaw, she first trained as a violinist before pursuing directing and acting in Kraków. Her artistic voice has since emerged as one of the most distinctive and intellectually compelling in contemporary European theatre and opera.

Her productions are renowned for their psychological intensity, visual sophistication, and fearless reinterpretation of canonical works. She does not treat opera as a museum artifact, but as a living, breathing form capable of confronting modern audiences with uncomfortable truths.

Her Munich debut in 2012 already caused a sensation, and her return in 2026 with Rigoletto carries enormous expectations. This production promises to explore the opera’s themes of power, abuse, and moral complicity with unsettling clarity. Under her guidance, the story of the court jester becomes not merely a Renaissance tragedy, but a timeless reflection on human vulnerability.

Conducting this new production is the distinguished Italian maestro Maurizio Benini, whose profound understanding of the Italian repertoire ensures musical authenticity of the highest order. His refined sense of phrasing and dramatic pacing will guide the Bavarian State Orchestra through Verdi’s extraordinary score with elegance and intensity.

A constellation of extraordinary voices

At the heart of this production stands an exceptional cast of international stars, each bringing their unique artistry to Verdi’s immortal characters.

Serena Sáenz — a radiant Gilda for the premiere

The honour of opening this new production falls upon the luminous Barcelona-born soprano Serena Sáenz, who will sing Gilda on 7, 11, 14, 17, 19, 22, and 24 March 2026. Her presence lends the premiere a special poetic resonance. A rising star of extraordinary refinement, she combines crystalline vocal purity with deeply expressive emotional intelligence.

Her voice, agile and radiant, seems uniquely suited to Gilda’s innocence and spiritual beauty. Having already triumphed at major houses including Vienna, Berlin, Madrid, and Barcelona, she now assumes one of Verdi’s most beloved heroines in Munich, marking another decisive step in her ascent toward operatic greatness. Her interpretation promises fragility, sincerity, and emotional truth of rare authenticity.

Nadine Sierra — a superlative interpreter of Verdi’s heroine

Later in the summer, on 28 and 31 July 2026, the role of Gilda will be performed by the internationally adored American soprano Nadine Sierra. One of the defining voices of her generation, she has conquered the world’s greatest stages—from Milan to Paris, from Berlin to New York—with her radiant tone, technical brilliance, and magnetic stage presence.

Her Gilda is already legendary, combining vocal perfection with profound dramatic sensitivity. Her recent performances alongside Ludovic Tézier demonstrated an extraordinary artistic chemistry, elevating their partnership into something approaching the sublime. Her arrival in Munich will undoubtedly be one of the highlights of the operatic season.

Ariunbaatar Ganbaatar — the tragic jester

In the title role, the Mongolian baritone Ariunbaatar Ganbaatar will embody Rigoletto on 7, 11, 14, 17, 19, and 24 March 2026. Winner of the Grand Prix at the International Tchaikovsky Competition, he possesses a voice of immense power and velvet richness. His interpretations are marked by emotional depth and dramatic authority.

Rigoletto demands not only vocal strength but profound psychological insight. Ganbaatar brings both in abundance, portraying the jester not as a caricature, but as a father whose love and despair define the opera’s tragic arc.

The Slovak baritone Dalibor Jenis will assume the role on 22 March 2026, offering his own distinguished interpretation shaped by decades of experience in the Verdi repertoire.

And in July, the incomparable French baritone Ludovic Tézier will take on the role. His artistry represents the pinnacle of vocal refinement. With his noble timbre and unparalleled interpretive intelligence, he transforms every role into a profound psychological portrait.

Bekhzod Davronov — the seductive Duke

The role of the Duke of Mantua will be sung by the Uzbek tenor Bekhzod Davronov, whose voice combines brilliance, elegance, and effortless lyricism. Winner of the prestigious Operalia competition prize, he has already appeared at the Bolshoi Theatre, the Vienna State Opera, and the Salzburg Festival.

The Duke is one of Verdi’s most dangerous creations—a charming predator whose beauty conceals moral emptiness. Davronov’s vocal allure will illuminate the character’s seductive cruelty with unsettling clarity.

The prestigious Maurizio Benini will be the conductor of this highly anticipated Verdi production.

A production destined for history

This new Munich Rigoletto represents the convergence of extraordinary artistic forces: a visionary director, a master conductor, a legendary opera house, and a cast of exceptional brilliance.

Yet beyond its artistic excellence lies something even more profound. Rigoletto is not merely a story of revenge. It is a meditation on love, innocence, and the devastating consequences of moral blindness. It confronts audiences with uncomfortable truths about power and vulnerability—truths that remain as relevant today as they were in Verdi’s time.

As the countdown to 7 March 2026 continues, anticipation reaches fever pitch. Opera lovers know they are about to witness not just a performance, but an event—one that will resonate long after the final notes fade into silence.

In the golden auditorium of Munich’s Nationaltheater, beneath its shimmering chandeliers and sacred stillness, Verdi’s masterpiece will live again—reborn through new voices, new vision, and eternal music.

And at the heart of it all, the fragile figure of Gilda—embodied by Serena Sáenz and Nadine Sierra—will remind us why Rigoletto remains, perhaps above all else, the most perfect expression of Verdi’s genius.

Girona - Nadine Sierra - 5th March 2026

A fabulous recital awaits the audience in Girona on the 5th of march 2026  , a carefully crafted musical journey through styles, languages, centuries, and emotional worlds — all unified by the radiant artistry of the wonderful star Nadine Sierra and the refined partnership of pianist Vincenzo Scalera.

This program is not just varied — it is dramaturgically intelligent. It traces a path from youthful innocence to emotional awakening, from bel canto brilliance to verismo lyricism, from French elegance to Broadway exuberance and Latin American sensuality. It is a recital built not only to display vocal mastery, but to tell a story about womanhood, freedom, longing, wit, and transformation.

---

Youth and Radiant Innocence

Gounod – “Ah, je veux vivre” from Roméo et Juliette

The evening begins in a burst of youthful champagne with Charles Gounod’s sparkling waltz aria from Roméo et Juliette. “Ah, je veux vivre” captures Juliette at the very threshold of life — intoxicated by youth, defiant toward imposed marriage, and utterly alive.

Musically, this aria is a masterpiece of French Romantic lyricism. Its triple meter waltz rhythm gives it buoyancy and brilliance, while the coloratura writing demands crystalline agility. The soprano must articulate rapid scales, trills, and leaps with effortless precision while maintaining a girlish freshness of tone.

For Sierra’s lyric coloratura instrument, this aria is ideal. Her voice possesses that rare combination: flexibility without thinness, brilliance without sharpness, and an upper register that blooms rather than pierces. She can spin the florid passages with ease while preserving the character’s innocence. The French diction — delicate and fluid — suits her naturally luminous timbre.

This is not just vocal display; it is character embodied in sound.

---

Dream and Suspended Time

Puccini – “Chi il bel sogno di Doretta” from La rondine

From effervescent youth, the recital moves into the suspended dreamscape of Giacomo Puccini’s aria from La rondine.

“Chi il bel sogno di Doretta” is deceptive. On the surface, it seems simple and lyrical. In reality, it demands supreme control. The soprano must sustain long, arching phrases in seamless legato, culminating in floated high notes sung pianissimo — notes that must shimmer rather than dominate.

Sierra’s breath control and ability to “float” high tones make this repertoire particularly flattering for her. Her upper register does not merely reach the note; it caresses it. In Puccini, this quality is everything. The aria’s final ascent requires not volume but emotional suspension — a sense of time stopping. That quality of poised stillness is one of Sierra’s greatest artistic strengths.

---

Wit, Fire, and Bel Canto Precision

Donizetti – “Quel guardo il cavaliere” from Don Pasquale

The mood pivots dramatically with Gaetano Donizetti’s comic tour de force from Don Pasquale.

Here we encounter Norina — playful, intelligent, and deliciously manipulative. The aria begins in mock-romantic sweetness before exploding into brilliant cabaletta fireworks. Trills must sparkle like laughter; runs must snap with precision; character shifts must feel spontaneous.

This repertoire lies squarely within Sierra’s comfort zone. As a bel canto specialist, she commands the technical apparatus required: rapid articulation, perfectly placed staccati, and secure top notes that crown the cabaletta with flair. But beyond technique, she understands the theatrical wit embedded in the music. Her natural stage charisma transforms this aria into living theater, even in recital format.

---

Rossini at the Piano

Danse Sibérienne

Vincenzo Scalera then takes center stage with a solo by Gioachino Rossini, drawn from the composer’s late piano works — the witty and inventive Péchés de vieillesse. “Danse Sibérienne” reveals Rossini’s humor, rhythmic vitality, and unexpected harmonic turns.

These salon pieces were written for Rossini’s famed Saturday gatherings in Paris, attended by luminaries of the era. They combine elegance with subtle irony — qualities that a pianist of Scalera’s refinement can bring to life with nuance and charm.

---

Violetta Valéry - The Defining Role

Verdi – “È strano… Ah, fors’è lui… Sempre libera” from La traviata

The emotional centerpiece of the evening arrives with Violetta’s Act I scena from La traviata by Giuseppe Verdi.

Few roles are as closely associated with Nadine Sierra today as Violetta Valéry. Her performances in major houses have established her as one of the defining interpreters of this role in her generation. The Act I finale is among the most demanding sequences in the soprano repertoire: it combines introspective lyricism (“Ah, fors’è lui”) with dazzling coloratura brilliance (“Sempre libera”).

This duality suits Sierra profoundly. Her lyrical warmth allows her to shape the introspective cantabile with emotional sincerity, while her technical brilliance equips her to conquer the virtuosic cabaletta — including the exposed high notes that crown the piece.

It is not simply a vocal feat. It is psychological transformation in real time: from doubt to defiance, from vulnerability to reckless freedom. In recital format, the drama becomes intensely personal.

In September of this year, Nadine Sierra will once again be La Traviata at none other than the temple of opera, La Scala.

The anticipation surrounding the September and October 2026 performances of La Traviata at La Scala in Milan is immense because it represents the perfect convergence of a voice at its zenith, a historic temple of opera, and a legendary production.

These performances are already considered a historic milestone: Although Nadine Sierra has triumphed at the Metropolitan Opera in America and Europe with this role, singing Violetta Valéry at La Scala is the ultimate test. Sierra is celebrated for a technique that allows her to overcome the three vocal challenges of the role: the light coloratura of the first act, the dramatic lyricism of the second, and the heartbreaking fragility of the third. Her performance is known for being "lively" and emotionally raw, something that the Milanese public (famous for its demanding nature) deeply values ​​when combined with technical rigor.

 Liliana Cavani's Production

The iconic staging by Liliana Cavani, which is part of the theater's DNA, is revived.

It is a cinematic production, rich in detail and deeply poetic, which respects the 19th-century essence of the work but with a modern theatrical sensibility.

This production evokes the great nights of La Scala, a stage where the shadow of Maria Callas and Visconti's legendary 1953 direction still loom over every new Traviata.  

I was lucky enough to see it live in July 2007 with the two sopranos alternating the role, Angela Gheorghiu and Elena Mosuc. Those were unforgettable days in Milan, memories that will always be etched in my mind. It remains one of the best productions of La Traviata I've ever seen. Now we can enjoy this wonderful production again with Nadine Sierra's luminous voice.

---

Spanish Spark and Brazilian Soul

“Me llaman la primorosa” from El barbero de Sevilla (Giménez/Nieto)

This zarzuela showpiece brings Iberian flair and rhythmic bite. Its polonaise-like structure, playful ornamentation, and brilliant high notes demand agility and theatrical sparkle. Sierra’s bright timbre and rhythmic precision make this repertoire shine, while her expressive intelligence avoids caricature.

Villa-Lobos – “Melodia Sentimental”

From the suite Floresta do Amazonas by Heitor Villa-Lobos, this piece shifts into introspective lyricism. Long melodic arcs and subtle harmonic colors evoke vast landscapes and emotional longing. Sierra’s legato and tonal purity make her an ideal interpreter of such intimate repertoire.

---

Crossing into Broadway and Song

Loewe – “I Could Have Danced All Night” from My Fair Lady

From My Fair Lady by Frederick Loewe, this anthem of transformation radiates joy. Though written for musical theater, it demands classical breath support and sustained high phrases.

Sierra’s ease above the staff allows the climactic phrases to soar without strain. Her innate warmth and communicative presence make this piece a bridge between opera aficionados and broader audiences.

Gershwin – “Summertime” from Porgy and Bess

Porgy and Bess by George Gershwin offers velvety lyricism and subtle jazz inflection. Sierra’s ability to soften her timbre and phrase intimately allows this lullaby to unfold with understated beauty.

---

Latin American Lyricism

Manuel Ponce – Intermezzo No. 1 (Piano Solo)

Manuel Ponce – “Estrellita”

Manuel Ponce bridges European romanticism and Mexican lyric tradition. “Estrellita” in particular requires simplicity without sentimentality. Sierra’s refined phrasing ensures sincerity rather than excess.

And to conclude the wonderful recital, a much-anticipated gem that will provide the perfect ending.....The Brazilian jewel of the evening:  Ernani Braga – “Engenho Novo!”

This Brazilian concert piece combines rhythmic vitality and soaring vocal lines. It demands stamina and stylistic flexibility — qualities Sierra possesses in abundance. This is the story of how a melody from the sugar workers' fields traveled to the most prestigious stages in the world, thanks to two key women.

"Engenho Novo" (New Mill) is not an original composition in the strictest sense, but rather a masterful stylization by Ernani Braga. The piece is part of her cycle Cinco Canções Nordestinas do Folclore Brasileiro (Five Northeastern Songs of Brazilian Folklore), where Braga took work songs and popular melodies from northeastern Brazil and elevated them to the format of an "art song" for piano and voice.

Clara Souviron

Although today we almost exclusively associate the song with Bidú Sayão, the technical premiere and official dedication belong to another artist.

Braga's original score is dedicated to Clara Souviron, a Bolivian soprano and pianist who lived in Brazil. Souviron was the first to present these pieces in South American concert circles in the late 1930s. She represented Braga's academic vision, but the song was not yet the global phenomenon it would become.

Bidú Sayão

The turning point came when Bidú Sayão, already established as the "Soprano of Brazil" at the Metropolitan Opera, embraced the piece.

Sayão transformed "Engenho Novo" into her signature encore. Her ability to mimic the mechanical rhythm of the mill with perfect diction and playful charm captivated the New York audience.

In 1947, she recorded the work for Columbia Masterworks (now available in Sony Classical collections). It was this recording that set the standard for performance: a blend of rhythmic virtuosity and lyrical elegance.

Sayão used her fame to "export" Brazilian nationalism. While other singers viewed these pieces as folkloric curiosities, she treated them with the same technical seriousness as an aria by Mozart or Puccini.

Today, Nadine Sierra carries on this legacy. By including "Engenho Novo" in her recitals, she not only pays homage to Braga, but specifically to Sayão's interpretive style. The piece demands the "stamina" mentioned because the rhythm is relentless, and Sierra, like Sayão before her, uses her vocal brilliance to ensure the song sounds not just like a rhythmic exercise, but like a true operatic showcase.

---

A Voice Perfectly Matched to the Program

What makes this recital extraordinary is not only the repertoire but how exquisitely it suits Sierra’s instrument:

• Upper Register: Brilliant yet rounded, capable of both fireworks and floated pianissimi.

• Coloratura Agility: Clean articulation, secure trills, and effortless leaps.

• Legato Line: Particularly radiant in Puccini and Villa-Lobos.

• Stylistic Versatility: French elegance, Italian bel canto, Verdi drama, Spanish sparkle, Broadway warmth.

• Stage Presence: Even in recital, she projects narrative and character.

The public in the city of Girona will not merely hear famous arias. They will experience emotional transformation — from laughter to longing, from brilliance to intimacy. The architecture of the program ensures constant contrast while maintaining coherence.

This is the kind of recital that leaves audiences exhilarated, moved, and deeply grateful. An evening where virtuosity meets heart, and where every stylistic shift reveals another facet of an exceptional artist at the height of her powers.

Ce qui attend le public à Gérone le 5, ce n'est pas un simple récital, mais un voyage musical soigneusement orchestré à travers les styles, les langues, les siècles et les univers émotionnels – le tout unifié par le talent rayonnant de Nadine Sierra et la complicité raffinée du pianiste Vincenzo Scalera.

Ce programme est non seulement varié, mais aussi d'une grande intelligence dramaturgique. Il retrace un parcours allant de l'innocence de la jeunesse à l'éveil des émotions, de la splendeur du bel canto au lyrisme du vérisme, de l'élégance française à l'exubérance de Broadway et à la sensualité latino-américaine. C'est un récital conçu non seulement pour mettre en valeur la maîtrise vocale, mais aussi pour raconter une histoire de féminité, de liberté, de désir, d'esprit et de transformation.

Jeunesse et Innocence Rayonnante

Gounod – « Ah, je veux vivre » extrait de Roméo et Juliette

La soirée débute en apothéose avec l'air de valse pétillant de Charles Gounod, tiré de Roméo et Juliette. « Ah, je veux vivre » saisit Juliette à l'aube de sa vie – enivrée par la jeunesse, rebelle face au mariage imposé et pleinement vivante.

Musicalement, cet air est un chef-d'œuvre du lyrisme romantique français. Son rythme de valse à trois temps lui confère légèreté et éclat, tandis que l'écriture colorature exige une agilité cristalline. La soprano doit articuler gammes rapides, trilles et sauts avec une précision naturelle, tout en conservant une fraîcheur juvénile.

Pour la voix de colorature lyrique de Sierra, cet air est idéal. Sa voix possède cette rare combinaison : souplesse sans faiblesse, éclat sans agressivité, et un registre aigu qui s'épanouit sans percer. Elle peut déployer les passages fleuris avec aisance tout en préservant l'innocence du personnage. La diction française – délicate et fluide – s'accorde parfaitement à son timbre naturellement lumineux.

Il ne s'agit pas simplement d'une prouesse vocale ; c'est un personnage incarné par le son.

Rêve et Temps Suspendu

Puccini – « Chi il bel sogno di Doretta » extrait de La rondine

Après une jeunesse pétillante, le récital nous transporte dans l’univers onirique et suspendu de l’aria de Giacomo Puccini tirée de La rondine.

« Chi il bel sogno di Doretta » est trompeur. En apparence simple et lyrique, il exige en réalité une maîtrise absolue. La soprano doit soutenir de longues phrases amples et fluides dans un legato impeccable, culminant en notes aiguës aériennes chantées pianissimo – des notes qui doivent scintiller plutôt que dominer.

Le contrôle du souffle de Sierra et sa capacité à faire « flotter » les aigus rendent ce répertoire particulièrement flatteur pour elle. Son registre aigu n’atteint pas simplement la note ; il la caresse. Chez Puccini, cette qualité est essentielle. L’ascension finale de l’aria requiert non pas du volume, mais une suspension émotionnelle – une impression d’arrêt du temps. Cette qualité d’immobilité sereine est l’une des plus grandes forces artistiques de Sierra.

Esprit, fougue et précision du bel canto

Donizetti – « Quel guardo il cavaliere » extrait de Don Pasquale

L’atmosphère change radicalement avec ce tour de force comique de Gaetano Donizetti tiré de Don Pasquale.

Nous y découvrons Norina – espiègle, intelligente et délicieusement manipulatrice. L’aria débute sur une note faussement romantique avant d’exploser en un feu d’artifice de cabalette. Les trilles doivent pétiller comme des rires ; les vocalises, claquer avec précision ; les changements de personnage, paraître spontanés.

Ce répertoire est parfaitement adapté au style de Sierra. Spécialiste du bel canto, elle maîtrise l’appareil technique requis : articulation rapide, staccati parfaitement placés et aigus assurés qui couronnent la cabalette de panache. Mais au-delà de la technique, elle saisit toute la dimension théâtrale de la musique. Son charisme naturel transforme cet air en un véritable spectacle vivant, même en récital.

Rossini au piano

Danse sibérienne

Vincenzo Scalera interprète ensuite un solo de Gioachino Rossini, extrait des dernières œuvres pour piano du compositeur : les spirituels et inventifs Péchés de vieillesse. La « Danse sibérienne » révèle l’humour, la vitalité rythmique et les harmonies inattendues de Rossini.

Ces pièces de salon furent écrites pour les célèbres réunions du samedi de Rossini à Paris, fréquentées par les personnalités de l’époque. Elles allient élégance et ironie subtile, qualités qu’un pianiste du raffinement de Scalera sait faire éclore avec nuance et charme.

Le rôle emblématique

Verdi – « È strano… Ah, fors’è lui… Sempre libera » de La traviata

Le point culminant émotionnel de la soirée arrive avec la scène de Violetta au premier acte de La traviata de Giuseppe Verdi.

Peu de rôles sont aujourd’hui aussi étroitement associés à Nadine Sierra que Violetta Valéry. Ses prestations dans les plus grandes maisons d'opéra l'ont consacrée comme l'une des interprètes les plus marquantes de ce rôle de sa génération. Le finale du premier acte compte parmi les passages les plus exigeants du répertoire pour soprano : il allie un lyrisme introspectif (« Ah, fors’è lui ») à une virtuosité vocale éblouissante (« Sempre libera »).

Cette dualité sied à merveille à Sierra. La chaleur de sa voix lui permet d'incarner le cantabile introspectif avec une sincérité émotionnelle profonde, tandis que sa virtuosité technique lui permet de maîtriser la cabalette virtuose, notamment les aigus exposés qui couronnent l'œuvre.

Il ne s'agit pas simplement d'une prouesse vocale. C'est une transformation psychologique en temps réel : du doute à la rébellion, de la vulnérabilité à une liberté effrénée. En récital, le drame devient intensément personnel.

Étincelle espagnole et âme brésilienne

« Me llaman la primorosa » extrait d'El barbero de Sevilla (Giménez/Nieto)

Cette zarzuela virtuose déploie une élégance ibérique et un rythme mordant. Sa structure proche de la polonaise, ses ornements enjoués et ses aigus brillants exigent agilité et éclat théâtral. Le timbre lumineux et la précision rythmique de Sierra font resplendir ce répertoire, tandis que son intelligence expressive évite toute caricature.

Villa-Lobos – « Melodia Sentimental »

Extrait de la suite Floresta do Amazonas d'Heitor Villa-Lobos, ce morceau bascule dans un lyrisme introspectif. De longs arcs mélodiques et des couleurs harmoniques subtiles évoquent de vastes paysages et une profonde nostalgie. Le legato et la pureté du timbre de Sierra font d'elle une interprète idéale pour ce répertoire intimiste.

Passage à Broadway et à la chanson

Loewe – « I Could Have Danced All Night » extrait de My Fair Lady

Tiré de My Fair Lady de Frederick Loewe, cet hymne à la transformation rayonne de joie. Bien qu'écrit pour la comédie musicale, il exige un soutien respiratoire classique et des phrases aiguës soutenues.

L'aisance de Sierra dans les aigus permet aux phrases culminantes de s'élever sans effort. Sa chaleur naturelle et sa présence communicative font de cette pièce un pont entre les mélomanes et un public plus large.

Gershwin – « Summertime » extrait de Porgy and Bess

Porgy and Bess de George Gershwin offre un lyrisme velouté et une subtile inflexion jazz. La capacité de Sierra à adoucir son timbre et à phraser avec intimité permet à cette berceuse de se déployer avec une beauté discrète.

Lyrisme latino-américain

Manuel Ponce – Intermezzo n° 1 (Piano solo)

Ponce – « Estrellita »

Manuel Ponce fait le lien entre le romantisme européen et la tradition lyrique mexicaine. « Estrellita », en particulier, exige une simplicité sans sentimentalité. Le phrasé raffiné de Sierra garantit la sincérité plutôt que l'excès.

Braga – « Engenho Novo ! »

Cette pièce de concert brésilienne allie vitalité rythmique et envolées vocales. Elle requiert endurance et flexibilité stylistique – qualités que Sierra possède en abondance.

Une voix parfaitement adaptée au programme

Ce qui rend ce récital extraordinaire, ce n'est pas seulement le répertoire, mais aussi l'harmonie exquise avec l'instrument de Sierra :

Registre aigu : Brillant et rond à la fois, capable de prouesses techniques et de pianissimi aériens.

Agilité de colorature : Articulation précise, trilles assurés et sauts d'une grande fluidité.

Ligne legato : Particulièrement rayonnante chez Puccini et Villa-Lobos.

Polyvalence stylistique : Élégance française, bel canto italien, drame verdien, éclat espagnol, chaleur de Broadway.

Présence scénique : Même en récital, elle projette une narration et une personnalité captivantes.

À Gérone, le public ne se contentera pas d'entendre des airs célèbres. Il vivra une véritable transformation émotionnelle, passant du rire à la nostalgie, de la virtuosité à l'intimité. La structure du programme assure un contraste constant tout en préservant sa cohérence.

Ce récital laisse le public exalté, ému et profondément reconnaissant. Une soirée où la virtuosité rencontre l'émotion, et où chaque changement de style révèle une nouvelle facette d'une artiste exceptionnelle au sommet de son art.