Prague - Don Giovanni - 29th October 1787

Don Giovanni: The Opera of Operas

Few works in the history of music have attained the mythical stature of Don Giovanni, often hailed as the opera of operas—a summit of dramatic genius where comedy and tragedy, light and darkness, seduction and damnation intertwine with unmatched brilliance.

Its premiere took place on 29 October 1787 at the Estates Theatre in Prague, a city that had already embraced Mozart with extraordinary enthusiasm after the triumph of Le nozze di Figaro. The Bohemian capital, eager for another masterpiece, commissioned a new opera from the composer, who accepted the challenge with both ambition and delight.

Mozart composed the score in Vienna, where he lived with his wife Constanze, working with remarkable speed and intensity during the summer of 1787. In early October he set out for Prague, carrying with him a completed opera and a heart full of expectation. The journey—lasting nearly three days by carriage—was long, uncomfortable, and exhausting, yet the promise of artistic glory surely sustained his spirits.

Rehearsals began upon his arrival, and the premiere was initially scheduled for 28 October. Fate—or perhaps theatrical superstition—delayed it by one day, forever inscribing 29 October 1787 into musical history. Legend tells us that Mozart composed the overture during the night before the premiere, racing against time while copyists waited anxiously, the ink barely dry when the musicians opened their parts. Whether myth or truth, the story perfectly captures the electrifying urgency of that moment—and it may well be true, for such miracles were entirely within Mozart’s nature.

Imagine the scene: the candlelit theatre filled with anticipation, Prague’s aristocracy and music lovers leaning forward in their seats, the orchestra poised, and Mozart himself stepping to the podium. With a gesture—confident, animated, almost theatrical—the first ominous D-minor chords rang out, announcing a drama unlike any the world had known. The audience was captivated from the first notes. By the final curtain, Don Giovanni had secured an immediate and resounding triumph.

The libretto, crafted by Lorenzo Da Ponte, reimagined the ancient legend of Don Juan with extraordinary psychological depth. Da Ponte would later travel to New York and witness Mozart’s opera performed there, recalling with pride in his memoirs how his creation had crossed oceans and generations.

Following its Prague success, Don Giovanni was presented in Vienna on 7 May 1788, slightly revised for local tastes. From there, the opera began its majestic journey across Europe: Frankfurt, Hamburg, Warsaw, Berlin, Munich, Florence—and in 1805, Paris, where it appeared in a French adaptation. By 1826, it reached New York, and in 1849, Covent Garden in London, confirming its place in the international repertory.

The autograph manuscript of the opera—one of music history’s most precious treasures—eventually found its home in the Bibliothèque nationale de France, where it remains preserved as a testament to Mozart’s genius.

Across the centuries, Don Giovanni has inspired legendary interpretations by the greatest singers and conductors. Among the most celebrated recordings are those featuring Edita Gruberová, Thomas Hampson, László Polgár, Hans Peter Blochwitz, Barbara Bonney, and Nikolaus Harnoncourt. Maria Callas never recorded the complete opera, yet her surviving arias offer unforgettable glimpses of her dramatic vision.

More than two centuries after its birth, Don Giovanni remains alive—dangerous, seductive, and profoundly human. It is theatre in its purest form: laughter shadowed by terror, beauty touched by doom, and music that seems forever new. One can still imagine Mozart, smiling slightly, baton raised, drawing from the orchestra the sound of eternity—while the legend of that Prague night continues to echo, as fresh and luminous as the ink on those hurriedly copied pages.

Rares sont les œuvres musicales à avoir atteint le statut mythique de Don Giovanni, souvent salué comme l'opéra des opéras – un sommet de génie dramatique où comédie et tragédie, lumière et ténèbres, séduction et damnation s'entremêlent avec une brillance inégalée.

Sa première eut lieu le 29 octobre 1787 au Théâtre des États de Prague, ville qui avait déjà accueilli Mozart avec un enthousiasme extraordinaire après le triomphe des Noces de Figaro. La capitale de Bohême, avide d'un nouveau chef-d'œuvre, commanda un nouvel opéra au compositeur, qui releva le défi avec ambition et enthousiasme.

Mozart composa la partition à Vienne, où il vivait avec son épouse Constanze, travaillant avec une rapidité et une intensité remarquables durant l'été 1787. Début octobre, il partit pour Prague, emportant avec lui un opéra achevé et le cœur empli d'espoir. Le voyage – qui dura près de trois jours en diligence – fut long, inconfortable et épuisant, mais la promesse de gloire artistique soutint sans aucun doute son courage.

Les répétitions commencèrent dès son arrivée, et la première était initialement prévue pour le 28 octobre. Le destin – ou peut-être une superstition théâtrale – la retarda d'un jour, inscrivant à jamais le 29 octobre 1787 dans l'histoire de la musique. La légende raconte que Mozart composa l'ouverture la nuit précédant la première, dans une course contre la montre tandis que les copistes attendaient avec impatience, l'encre à peine sèche lorsque les musiciens dévoilèrent leurs partitions. Mythe ou réalité, cette histoire saisit parfaitement l'urgence électrisante de ce moment – ​​et elle est fort probablement vraie, car de tels miracles étaient tout à fait dans la nature de Mozart.

Imaginez la scène : le théâtre éclairé aux chandelles, empli d'anticipation, l'aristocratie pragoise et les mélomanes penchés en avant sur leurs sièges, l'orchestre prêt à jouer, et Mozart lui-même s'avançant vers le podium. D'un geste – assuré, animé, presque théâtral –, les premiers accords menaçants de ré mineur retentirent, annonçant un drame sans précédent. Le public fut captivé dès les premières notes. Au lever de rideau final, Don Giovanni remporta un triomphe immédiat et retentissant.

Le livret, signé Lorenzo Da Ponte, réinventait la légende antique de Don Juan avec une profondeur psychologique extraordinaire. Da Ponte se rendit plus tard à New York pour assister à la représentation de l'opéra de Mozart, et évoqua avec fierté dans ses mémoires comment son œuvre avait traversé les océans et les générations.

Après son succès à Prague, Don Giovanni fut présenté à Vienne le 7 mai 1788, légèrement remanié pour s'adapter au goût local. De là, l'opéra entama son majestueux périple à travers l'Europe : Francfort, Hambourg, Varsovie, Berlin, Munich, Florence – et en 1805, Paris, où il fut joué dans une adaptation française. En 1826, il atteignit New York, et en 1849, Covent Garden à Londres, confirmant ainsi sa place dans le répertoire international.

Le manuscrit autographe de l'opéra – l'un des trésors les plus précieux de l'histoire de la musique – a finalement trouvé sa place à la Bibliothèque nationale de France, où il est conservé comme un témoignage du génie de Mozart.

À travers les siècles, Don Giovanni a inspiré des interprétations légendaires par les plus grands chanteurs et chefs d'orchestre. Parmi les enregistrements les plus célèbres figurent ceux d'Edita Gruberová, Thomas Hampson, László Polgár, Hans Peter Blochwitz, Barbara Bonney et Nikolaus Harnoncourt. Maria Callas n'a jamais enregistré l'opéra complet, mais ses airs qui nous sont parvenus offrent des aperçus inoubliables de sa vision dramatique.

Plus de deux siècles après sa création, Don Giovanni demeure vivant – dangereux, séduisant et profondément humain. C'est du théâtre à l'état pur : un rire teinté de terreur, une beauté empreinte de fatalité et une musique qui semble toujours nouvelle. On peut encore imaginer Mozart, esquissant un sourire, baguette levée, tirant de l'orchestre le son de l'éternité, tandis que la légende de cette nuit pragoise continue de résonner, aussi fraîche et lumineuse que l'encre de ces pages recopiées à la hâte.

Poche opere nella storia della musica hanno raggiunto la statura mitica del Don Giovanni, spesso acclamato come l'opera delle opere, un'apice del genio drammatico in cui commedia e tragedia, luce e tenebre, seduzione e dannazione si intrecciano con ineguagliabile brillantezza.

La sua prima ebbe luogo il 29 ottobre 1787 al Teatro degli Stati di Praga, una città che aveva già accolto Mozart con straordinario entusiasmo dopo il trionfo de Le nozze di Figaro. La capitale boema, desiderosa di un altro capolavoro, commissionò una nuova opera al compositore, che accettò la sfida con ambizione e gioia.

Mozart compose la partitura a Vienna, dove visse con la moglie Constanze, lavorando con notevole rapidità e intensità durante l'estate del 1787. All'inizio di ottobre partì per Praga, portando con sé un'opera completata e un cuore colmo di aspettative. Il viaggio, durato quasi tre giorni in carrozza, fu lungo, scomodo ed estenuante, eppure la promessa di gloria artistica sicuramente sostenne il suo spirito.

Le prove iniziarono al suo arrivo e la prima era inizialmente prevista per il 28 ottobre. Il destino – o forse una superstizione teatrale – la ritardò di un giorno, iscrivendo per sempre il 29 ottobre 1787 nella storia della musica. La leggenda narra che Mozart compose l'ouverture la notte prima della prima, in una corsa contro il tempo mentre i copisti attendevano con ansia, con l'inchiostro appena asciutto quando i musicisti iniziarono le loro parti. Che si tratti di mito o di verità, la storia cattura perfettamente l'elettrizzante urgenza di quel momento – e potrebbe anche essere vera, perché simili miracoli erano pienamente nella natura di Mozart.

Immaginate la scena: il teatro illuminato dalle candele pieno di trepidazione, l'aristocrazia praghese e gli amanti della musica protesi in avanti sulle poltrone, l'orchestra in assetto e Mozart stesso che sale sul podio. Con un gesto – sicuro, animato, quasi teatrale – risuonarono i primi minacciosi accordi di Re minore, annunciando un dramma diverso da qualsiasi altro il mondo avesse mai conosciuto. Il pubblico fu catturato fin dalle prime note. Al termine della rappresentazione, Don Giovanni si era assicurato un immediato e clamoroso trionfo.

Il libretto, scritto da Lorenzo Da Ponte, reinterpretava l'antica leggenda di Don Giovanni con straordinaria profondità psicologica. Da Ponte si sarebbe poi recato a New York e avrebbe assistito all'opera di Mozart rappresentata lì, ricordando con orgoglio nelle sue memorie come la sua creazione avesse attraversato oceani e generazioni.

Dopo il successo di Praga, Don Giovanni fu presentato a Vienna il 7 maggio 1788, leggermente rivisto per i gusti locali. Da lì, l'opera iniziò il suo maestoso viaggio attraverso l'Europa: Francoforte, Amburgo, Varsavia, Berlino, Monaco, Firenze e, nel 1805, Parigi, dove apparve in un adattamento francese. Nel 1826 raggiunse New York e, nel 1849, il Covent Garden di Londra, confermando il suo posto nel repertorio internazionale.

Il manoscritto autografo dell'opera, uno dei tesori più preziosi della storia della musica, trovò infine dimora nella Bibliothèque nationale de France, dove è tuttora conservato come testimonianza del genio di Mozart.

Nel corso dei secoli, Don Giovanni ha ispirato interpretazioni leggendarie da parte dei più grandi cantanti e direttori d'orchestra. Tra le registrazioni più celebri ci sono quelle con Edita Gruberová, Thomas Hampson, László Polgár, Hans Peter Blochwitz, Barbara Bonney e Nikolaus Harnoncourt. Maria Callas non registrò mai l'opera completa, eppure le sue arie sopravvissute offrono scorci indimenticabili della sua visione drammatica.

A più di due secoli dalla sua nascita, Don Giovanni rimane vivo: pericoloso, seducente e profondamente umano. È teatro nella sua forma più pura: risate offuscate dal terrore, bellezza sfiorata dalla rovina e musica che sembra sempre nuova. Si può ancora immaginare Mozart, con un leggero sorriso, la bacchetta alzata, che trae dall'orchestra il suono dell'eternità, mentre la leggenda di quella notte di Praga continua a echeggiare, fresca e luminosa come l'inchiostro su quelle pagine copiate in fretta.

New York - Turandot 1961

Giacomo Puccini composed Turandot, his final and most monumental opera, in the last years of his life. Fate intervened before he could complete the score, and Puccini died in 1924, leaving the opera unfinished. The task of completing Turandot fell to Franco Alfano, who brought Puccini’s vision to its conclusion, allowing the work to enter the repertoire as one of the towering achievements of twentieth-century opera.

The name Turandot is derived from Turandokht, a figure of Central Asian origin, historically linked to a Persian princess. The name itself is connected to Turan, a region of Central Asia that in antiquity formed part of the Persian Empire. Although its roots are Persian and Central Asian, the legend was transformed through literary tradition into the story of a Chinese princess, and it is in this Chinese setting that Puccini placed his opera. The tale of the cruel princess, the riddles, and the unknown prince has since become one of the most universally recognized stories in operatic literature.

This account focuses not on the plot—so well known to opera lovers—but on the extraordinary international history of Turandot on the world’s great stages.

The opera was premiered on April 25, 1926, at La Scala in Milan, the most prestigious opera house in the world. The first Turandot in history was the dramatic soprano Rosa Raisa, while the role of Calaf was entrusted to the great Spanish tenor Miguel Fleta. Fleta’s success was immediate and overwhelming, marking yet another moment when a Spanish tenor triumphed at a historic world premiere.

This moment recalls an earlier chapter in operatic history. La Gioconda by Amilcare Ponchielli is inseparably linked with the Spanish tenor Julián Gayarre, who created the role of Enzo Grimaldo at its world premiere at La Scala in 1876. Thus, these two Spanish tenors—Gayarre and Fleta—are forever united in history as the first Enzo and the first Calaf, immortalized at the same legendary theater.

Following its Milan triumph, Turandot enjoyed an immediate and spectacular international expansion. It was performed in Rome, then traveled across the Atlantic to Buenos Aires and Rio de Janeiro, before reaching Dresden, where it was presented in German. In September 1926, La Fenice in Venice staged the opera, confirming its rapid assimilation into Italy’s major theaters.

In November 1926, Turandot was presented in Berlin, conducted by Bruno Walter, sung in Italian, with the soprano Mafalda Salvatini in the title role. From there, the opera reached Vienna and returned again to Berlin, before making its way to the Metropolitan Opera in New York.

In Manhattan, Turandot was conducted by the great Tullio Serafin, with the celebrated soprano Maria Jeritza as Turandot and Giacomo Lauri-Volpi as Calaf. These performances firmly established the opera in the American repertoire. Turandot was soon seen at Covent Garden in London, and in 1928, it reached Paris, completing its conquest of Europe’s principal capitals.

Among the great sopranos who later interpreted the role, Maria Callas stands out as a powerful and dramatic Turandot, performing the role in Buenos Aires, Rome, Venice, and Verona. Joan Sutherland recorded a magnificent studio version, celebrated for its vocal splendor. Montserrat Caballé sang Turandot in many theaters, achieving particular acclaim in San Francisco, where her performances alongside Luciano Pavarotti were greeted with immense enthusiasm.

Despite its early triumphs, Turandot was not staged frequently in the years immediately following its premiere, even after its success in Manhattan. However, the opera’s fortunes changed decisively in 1958, when Birgit Nilsson and Franco Corelli appeared together in Turandot at La Scala in Milan. From that moment onward, it was inevitable that this legendary pairing would soon electrify New York—and so it did, most memorably during the 1961 Metropolitan Opera season.

Earlier productions of Turandot included performances at the Teatro San Carlo in Naples, with Bianca Scacciati as Turandot. The opera was also staged in Parma, Bern, Turin, and in Baltimore, at the Lyric Theatre, where Tullio Serafin conducted and Florence Easton sang Turandot. Easton was a remarkable soprano who had begun her musical life as a pianist and once said, “I never thought I would be a singer, and certainly not an opera singer.” Yet she became one of the most important Turandots in American operatic history. Before Turandot, she had already sung Madama Butterfly, La Gioconda, Andrea Chénier, and even Gilda in Rigoletto.

In 1927, Turandot was performed in Florence, Atlanta (again with Florence Easton), Cleveland, San Francisco, Bologna, Budapest, Baku, Paris, and Verona. The opera reached Australia for the first time on June 9, 1928, and was later performed in Kyiv. In Barcelona, Turandot was first staged on December 30, 1928, with the Italian soprano Iva Pacetti, celebrated for her Aida. In Russia, the opera was first presented at the Bolshoi Theatre in Moscow in December 1931.

In a profoundly symbolic moment, Turandot was eventually performed in China itself, in the Forbidden City of Beijing, with one of the finest Turandots of recent decades, the Italian soprano Giovanna Casolla.

Turandot is now one of the most frequently recorded operas in history. Among the great interpreters of the title role who have left definitive recordings are Gina Cigna, Inge Borkh, Maria Callas, Birgit Nilsson, Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Katia Ricciarelli, Eva Marton, Ghena Dimitrova, Giovanna Casolla, and Sondra Radvanovsky.

Yet above all these illustrious names rises one partnership of truly legendary stature: Birgit Nilsson and Franco Corelli.

La Scala holds the singular distinction of being the Italian stage where Birgit Nilsson, already a world-famous superstar, sang Turandot for the first time in Italy. This occurred at the Prima della Scala in 1958. Milan was transformed into a feverish epicenter of operatic anticipation, filled with journalists, critics, and devotees from around the globe. Puccini inaugurated the season of the world’s most famous opera house with Turandot, and at its heart stood the most formidable Turandot of the age: Birgit Nilsson. She became the first non-Italian soprano ever to sing at a Prima della Scala, and her success was nothing less than historic.

In December 1959, Nilsson made her Metropolitan Opera debut in Manhattan as Isolde in Tristan und Isolde. The effect was seismic. That production at the old Metropolitan Opera House—like the one seen in the image above—entered legend almost instantly. For years, New York’s musical society spoke of nothing else. Nilsson emerged unequivocally as the great Wagnerian soprano of her time, becoming a pillar of the Met alongside Renata Tebaldi, Joan Sutherland, and Maria Callas.

Nilsson then traveled to Vienna, where she sang Turandot with yet another overwhelming triumph. By then, Franco Corelli was universally acknowledged as the most famous tenor in the world. He was engaged as Calaf at the Metropolitan Opera, opposite Nilsson’s blazing, imperious Turandot. The conductor was Leopold Stokowski, the legendary maestro, who made his only operatic appearances at the Met with this production. Stokowski conducted an astonishing twelve performances of Turandot—a feat almost unimaginable, and one never equaled for the role by any soprano before or since.

The 1961 Manhattan performances were monumental, incandescent evenings of operatic glory. Corelli’s Calaf was heroic, thrilling, and vocally incandescent; Nilsson’s Turandot was a towering force of steel and fire, combining icy authority with overwhelming vocal power. Stokowski’s conducting was visionary and electrifying. Yet despite this triumph, Stokowski never returned to conduct another opera at the Metropolitan Opera.

Nilsson and Corelli, however, continued to sing Turandot together for many years at the Met. They became inseparable in the collective imagination—the definitive embodiment of the cruel princess and the unknown prince. Their voices, their dramatic intensity, and their unmatched charisma defined Turandot for an entire era.

Thus, Birgit Nilsson and Franco Corelli passed into history as the greatest Turandot and the greatest Calaf, a partnership of almost mythical stature, forever etched into the legacy of Puccini’s final masterpiece.

Giacomo Puccini compuso Turandot, su última y más monumental ópera, en los últimos años de su vida. El destino intervino antes de que pudiera completar la partitura, y Puccini falleció en 1924, dejándola inconclusa. La tarea de completar Turandot recayó en Franco Alfano, quien culminó la visión de Puccini, permitiendo que la obra entrara en el repertorio como uno de los logros más destacados de la ópera del siglo XX.

El nombre Turandot deriva de Turandokht, una figura de origen centroasiático, históricamente vinculada a una princesa persa. El nombre en sí está vinculado a Turan, una región de Asia Central que en la antigüedad formó parte del Imperio Persa. Aunque sus raíces son persas y centroasiáticas, la leyenda se transformó a través de la tradición literaria en la historia de una princesa china, y es en este contexto chino donde Puccini situó su ópera. La historia de la princesa cruel, los enigmas y el príncipe desconocido se ha convertido desde entonces en una de las historias más reconocidas universalmente en la literatura operística.

Este relato no se centra en la trama, tan conocida por los amantes de la ópera, sino en la extraordinaria historia internacional de Turandot en los grandes escenarios del mundo.

La ópera se estrenó el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán, el teatro de ópera más prestigioso del mundo. La primera Turandot de la historia fue la soprano dramática Rosa Raisa, mientras que el papel de Calaf fue confiado al gran tenor español Miguel Fleta. El éxito de Fleta fue inmediato y abrumador, marcando otro momento en el que un tenor español triunfaba en un estreno mundial histórico.

Este momento evoca un capítulo anterior en la historia de la ópera. La Gioconda de Amilcare Ponchielli está inseparablemente ligada al tenor español Julián Gayarre, quien creó el papel de Enzo Grimaldo en su estreno mundial en La Scala en 1876. Así, estos dos tenores españoles —Gayarre y Fleta— estarán unidos para siempre en la historia como el primer Enzo y el primer Calaf, inmortalizados en el mismo y legendario teatro.

Tras su triunfo en Milán, Turandot disfrutó de una inmediata y espectacular expansión internacional. Se representó en Roma, luego cruzó el Atlántico hasta Buenos Aires y Río de Janeiro, antes de llegar a Dresde, donde se presentó en Alemania. En septiembre de 1926, La Fenice de Venecia estrenó la ópera, confirmando su rápida integración en los principales teatros italianos.

En noviembre de 1926, Turandot se presentó en Berlín, dirigida por Bruno Walter, cantada en italiano, con la soprano Mafalda Salvatini en el papel principal. De allí, la ópera llegó a Viena y regresó de nuevo a Berlín, antes de llegar a la Metropolitan Opera de Nueva York.

En Manhattan, Turandot fue dirigida por el gran Tullio Serafin, con la célebre soprano Maria Jeritza como Turandot y Giacomo Lauri-Volpi como Calaf. Estas interpretaciones están firmemente consolidadas en el repertorio estadounidense. Turandot se presentó pronto en el Covent Garden de Londres y, en 1928, llegó a París, culminando su conquista de las principales capitales europeas.

Entre las grandes sopranos que interpretaron posteriormente el papel, Maria Callas destaca por su poderosa y dramática interpretación de Turandot, presentándolo en Buenos Aires, Roma, Venecia y Verona. Joan Sutherland grabó una magnífica versión de estudio, destacando por su esplendor vocal. Montserrat Caballé cantó Turandot en numerosos teatros, alcanzando especial reconocimiento en San Francisco, donde sus actuaciones junto a Luciano Pavarotti fueron recibidas con inmenso entusiasmo.

A pesar de sus primeros triunfos, Turandot no se representó con frecuencia en los años posteriores a su estreno, incluso después de su éxito en Manhattan. Sin embargo, la fortuna de la ópera cambió decisivamente en 1958, cuando Birgit Nilsson y Franco Corelli actuaron juntos en Turandot en La Scala de Milán. A partir de ese momento, era inevitable que esta legendaria pareja electrizara Nueva York, y así fue, de forma memorable durante la temporada de la Ópera Metropolitana de 1961.

Producciones anteriores de Turandot incluyeron funciones en el Teatro San Carlo de Nápoles, con Bianca Scacciati como Turandot. La ópera también se representó en Parma, Berna, Turín y en Baltimore, en el Teatro Lírico, donde Tullio Serafin dirigió y Florence Easton cantó Turandot. Easton era una soprano notable que comenzó su carrera musical como pianista y dijo en una ocasión: «Nunca pensé que sería cantante, y mucho menos cantante de ópera». Sin embargo, se convirtió en una de las Turandot más importantes de la historia operativa estadounidense. Antes de Turandot, ya había cantado Madama Butterfly, La Gioconda, Andrea Chénier e incluso Gilda en Rigoletto.

En 1927, Turandot se representó en Florencia, Atlanta (de nuevo con Florence Easton), Cleveland, San Francisco, Bolonia, Budapest, Bakú, París y Verona. La ópera llegó a Australia por primera vez el 9 de junio de 1928 y posteriormente se representó en Kiev. En Barcelona, ​​Turandot se estrenó el 30 de diciembre de 1928, con la soprano italiana Iva Pacetti, célebre por su Aida. En Rusia, la ópera se estrenó en el Teatro Bolshoi de Moscú en diciembre de 1931.

En un momento profundamente simbólico, Turandot finalmente se representó en China, en la Ciudad Prohibida de Pekín, con una de las mejores Turandot de las últimas décadas, la soprano italiana Giovanna Casolla.

Turandot es actualmente una de las óperas más grabadas de la historia. Entre las grandes intérpretes del papel principal que han dejado grabaciones definitivas se encuentran Gina Cigna, Inge Borkh, Maria Callas, Birgit Nilsson, Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Katia Ricciarelli, Eva Marton, Ghena Dimitrova, Giovanna Casolla y Sondra Radvanovsky.

Sin embargo, por encima de todos estos ilustres nombres se alza una dupla de talla verdaderamente legendaria: Birgit Nilsson y Franco Corelli.

La Scala tiene la singular distinción de ser el escenario italiano donde Birgit Nilsson, ya una superestrella mundialmente famosa, cantó Turandot por primera vez en Italia. Esto ocurrió en la Prima della Scala en 1958. Milán se transformó en un febril epicentro de la expectación operística, repleto de periodistas, críticos y devotos de todo el mundo. Puccini inauguró la temporada del teatro de ópera más famoso del mundo con Turandot, y en el centro de la misma se encontraba la Turandot más formidable de la época: Birgit Nilsson. Se convirtió en la primera soprano no italiana en cantar en una Prima della Scala, y su éxito fue nada menos que histórico.

En diciembre de 1959, Nilsson debutó en la Metropolitan Opera House de Manhattan como Isolda en Tristán e Isolda. El efecto fue tremendo. Esa producción en la antigua Metropolitan Opera House, como la que se ve en la imagen superior, se convirtió en leyenda casi al instante. Durante años, la sociedad musical neoyorquina no habló de otra cosa. Nilsson se erigió inequívocamente como la gran soprano wagneriana de su tiempo, convirtiéndose en un pilar del Met junto a Renata Tebaldi, Joan Sutherland y Maria Callas.

Nilsson viajó entonces a Viena, donde cantó Turandot con otro triunfo arrollador. Para entonces, Franco Corelli era reconocido universalmente como el tenor más famoso del mundo. Fue contratado como Calaf en la Ópera Metropolitana, frente a la deslumbrante e imperiosa Turandot de Nilsson. El director fue Leopold Stokowski, el legendario maestro, quien realizó sus únicas apariciones operísticas en el Met con esta producción. Stokowski dirigió la asombrosa cifra de doce representaciones de Turandot, una hazaña casi inimaginable, jamás igualada por ninguna soprano antes ni después.

Las representaciones en Manhattan de 1961 fueron veladas monumentales y vibrantes de gloria operística. El Calaf de Corelli fue heroico, emocionante y vocalmente incandescente; la Turandot de Nilsson fue una imponente fuerza de acero y fuego, que combinaba una autoridad gélida con una potencia vocal abrumadora. La dirección de Stokowski fue visionaria y electrizante. Sin embargo, a pesar de este triunfo, Stokowski nunca volvió a dirigir otra ópera en la Ópera Metropolitana.

Nilsson y Corelli, sin embargo, continuaron cantando Turandot juntos durante muchos años en el Met. Se volvieron inseparables en el imaginario colectivo: la encarnación definitiva de la princesa cruel y el príncipe desconocido. Sus voces, su intensidad dramática y su carisma inigualable definieron a Turandot durante toda una era.

Así, Birgit Nilsson y Franco Corelli pasaron a la historia como la mayor Turandot y el mayor Calaf, una dupla de estatura casi mítica, grabada para siempre en el legado de la última obra maestra de Puccini.

Giacomo Puccini composa Turandot, son dernier opéra, le plus monumental, dans les dernières années de sa vie. Le destin en décida autrement avant qu'il ne puisse achever la partition, et Puccini mourut en 1924, laissant l'œuvre inachevée. La tâche de terminer Turandot revint à Franco Alfano, qui concrétisa la vision de Puccini, permettant ainsi à l'œuvre d'intégrer le répertoire comme l'une des réalisations les plus remarquables de l'opéra du XXe siècle.

Le nom Turandot dérive de Turandokht, un personnage d'origine centre-asiatique, historiquement lié à une princesse perse. Ce nom est lui-même lié au Turan, une région d'Asie centrale qui faisait autrefois partie de l'empire perse. Bien que ses racines soient perses et centre-asiatiques, la légende fut transformée par la tradition littéraire en l'histoire d'une princesse chinoise, et c'est dans ce contexte chinois que Puccini situa son opéra. L'histoire de la princesse cruelle, des énigmes et du prince inconnu est depuis devenue l'un des récits les plus universellement connus du répertoire lyrique.

Ce récit ne s'attarde pas sur l'intrigue, si familière aux amateurs d'opéra, mais sur l'extraordinaire histoire internationale de Turandot sur les plus grandes scènes du monde.

L'opéra fut créé le 25 avril 1926 à La Scala de Milan, le plus prestigieux opéra du monde. La première Turandot de l'histoire fut la soprano dramatique Rosa Raisa, tandis que le rôle de Calaf fut confié au grand ténor espagnol Miguel Fleta. Le succès de Fleta fut immédiat et retentissant, marquant un nouveau triomphe pour un ténor espagnol lors d'une création mondiale historique.

Ce moment évoque un chapitre antérieur de l'histoire de l'opéra. La Gioconda d'Amilcare Ponchielli est indissociable du ténor espagnol Julián Gayarre, qui créa le rôle d'Enzo Grimaldo pour sa première mondiale à La Scala en 1876. Ainsi, ces deux ténors espagnols – Gayarre et Fleta – resteront à jamais unis dans l'histoire comme le premier Enzo et le premier Calaf, immortalisés dans ce même théâtre légendaire. Après son triomphe à Milan, Turandot connut un succès international immédiat et spectaculaire. Représentée à Rome, elle traversa l'Atlantique pour se produire à Buenos Aires et à Rio de Janeiro, avant d'arriver à Dresde, où elle fut présentée en Allemagne. En septembre 1926, La Fenice de Venise créa l'opéra, confirmant son intégration rapide au répertoire des grands théâtres italiens.

En novembre 1926, Turandot fut présentée à Berlin, sous la direction de Bruno Walter, chantée en italien, avec la soprano Mafalda Salvatini dans le rôle-titre. De là, l'opéra partit pour Vienne, puis retourna à Berlin avant d'arriver au Metropolitan Opera de New York.

À Manhattan, Turandot fut dirigée par le grand Tullio Serafin, avec la célèbre soprano Maria Jeritza dans le rôle de Turandot et Giacomo Lauri-Volpi dans celui de Calaf. Ces représentations sont aujourd'hui des classiques du répertoire américain. Turandot fut rapidement créée à Covent Garden, à Londres, et, en 1928, parvint à Paris, achevant ainsi sa conquête des principales capitales européennes.

Parmi les grandes sopranos qui interprétèrent ensuite ce rôle, Maria Callas se distingue par son interprétation puissante et dramatique de Turandot, chantée à Buenos Aires, Rome, Venise et Vérone. Joan Sutherland enregistra une magnifique version studio, remarquable par la splendeur de sa voix. Montserrat Caballé chanta Turandot dans de nombreux théâtres, rencontrant un succès particulier à San Francisco, où ses prestations aux côtés de Luciano Pavarotti furent accueillies avec un immense enthousiasme.

Malgré ses premiers triomphes, Turandot fut peu jouée dans les années qui suivirent sa création, même après son succès à Manhattan. Cependant, le destin de l'opéra changea radicalement en 1958 lorsque Birgit Nilsson et Franco Corelli chantèrent ensemble dans Turandot à la Scala de Milan. Dès lors, il était inévitable que ce duo légendaire électrise New York, et ils le firent de façon mémorable lors de la saison 1961 du Metropolitan Opera.

Parmi les précédentes productions de Turandot, on compte des représentations au Teatro San Carlo de Naples, avec Bianca Scacciati dans le rôle de Turandot. L'opéra fut également joué à Parme, Berne, Turin et à Baltimore au Teatro Lirico, sous la direction de Tullio Serafin, avec Florence Easton dans le rôle-titre. Cette soprano remarquable avait débuté sa carrière musicale comme pianiste et avait déclaré : « Je n'aurais jamais imaginé devenir chanteuse, et encore moins chanteuse d'opéra. » Pourtant, elle devint l'une des plus grandes interprètes de Turandot dans l'histoire de l'opéra américain. Avant Turandot, elle avait déjà chanté Madama Butterfly, La Gioconda, Andrea Chénier et même Gilda dans Rigoletto.

En 1927, Turandot fut jouée à Florence, Atlanta (de nouveau avec Florence Easton dans le rôle-titre), Cleveland, San Francisco, Bologne, Budapest, Bakou, Paris et Vérone. L'opéra arriva en Australie pour la première fois le 9 juin 1928, puis fut joué à Kiev. À Barcelone, Turandot fut créée le 30 décembre 1928, avec la soprano italienne Iva Pacetti, célèbre pour son interprétation d'Aida. En Russie, l'opéra fut créé au Théâtre Bolchoï de Moscou en décembre 1931.

Dans un moment profondément symbolique, Turandot fut enfin jouée en Chine, dans la Cité interdite de Pékin, avec l'une des plus grandes Turandot de ces dernières décennies, la soprano italienne Giovanna Casolla.

Turandot est actuellement l'un des opéras les plus enregistrés de l'histoire. Parmi les grandes interprètes du rôle-titre ayant laissé des enregistrements de référence, on compte Gina Cigna, Inge Borkh, Maria Callas, Birgit Nilsson, Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Katia Ricciarelli, Eva Marton, Ghena Dimitrova, Giovanna Casolla et Sondra Radvanovsky.

Cependant, au-dessus de tous ces noms illustres se distingue un duo véritablement légendaire : Birgit Nilsson et Franco Corelli.

La Scala a la particularité d'être la scène italienne où Birgit Nilsson, déjà une superstar de renommée mondiale, a chanté Turandot pour la première fois en Italie. C'était lors de la soirée d'ouverture de La Scala en 1958. Milan était alors en pleine effervescence, un véritable épicentre d'attente lyrique, grouillant de journalistes, de critiques et de mélomanes venus du monde entier. Puccini inaugurait la saison dans le plus célèbre opéra du monde avec Turandot, et au cœur de cette interprétation se trouvait la Turandot la plus formidable de son époque : Birgit Nilsson. Elle devint la première soprano non italienne à chanter une Prima della Scala, et son succès fut tout simplement historique.

En décembre 1959, Nilsson fit ses débuts au Metropolitan Opera House de Manhattan dans le rôle d'Isolde de Tristan et Isolde. L'effet fut retentissant. Cette production dans l'ancien Metropolitan Opera House, semblable à celle illustrée ci-dessus, devint légendaire presque instantanément. Pendant des années, le milieu musical new-yorkais ne parla que d'elle. Nilsson s'imposa incontestablement comme la plus grande soprano wagnérienne de son temps, devenant une figure emblématique du Met aux côtés de Renata Tebaldi, Joan Sutherland et Maria Callas.

Nilsson se rendit ensuite à Vienne, où elle chanta Turandot avec un autre triomphe éclatant. À cette époque, Franco Corelli était universellement reconnu comme le ténor le plus célèbre au monde. Il fut engagé pour le rôle de Calaf au Metropolitan Opera, face à la Turandot éblouissante et impérieuse de Nilsson. Le chef d'orchestre était Leopold Stokowski, le légendaire maestro, qui fit ses seules apparitions à l'opéra au Met avec cette production. Stokowski dirigea douze représentations de Turandot, un exploit presque inimaginable, jamais égalé par aucune soprano avant ou après lui.

Les représentations de 1961 à Manhattan furent des soirées monumentales et vibrantes de gloire lyrique. Le Calaf de Corelli était héroïque, bouleversant et d'une brillance vocale incandescente ; la Turandot de Nilsson était une force imposante, à la fois d'acier et de feu, alliant une autorité glaciale à une puissance vocale extraordinaire. La direction de Stokowski était visionnaire et électrisante. Pourtant, malgré ce triomphe, Stokowski ne dirigea plus jamais d'opéra au Metropolitan Opera.

Nilsson et Corelli, cependant, continuèrent à chanter Turandot ensemble pendant de nombreuses années au Met. Ils devinrent indissociables dans l'imaginaire collectif : l'incarnation même de la princesse cruelle et du prince inconnu. Leurs voix, leur intensité dramatique et leur charisme incomparable ont marqué toute une époque.

Ainsi, Birgit Nilsson et Franco Corelli sont entrés dans la légende comme les grands Turandot et Calaf, un duo quasi mythique, à jamais inscrit dans l'héritage du dernier chef-d'œuvre de Puccini.

Santiago de Chile - Swan Lake

Few works in the history of classical dance possess the universal resonance, poetic power, and emotional depth of Swan Lake. Considered the classical ballet par excellence, this immortal masterpiece by Pyotr Ilyich Tchaikovsky has once again conquered the hearts of audiences in Santiago de Chile, where it was presented in a series of unforgettable performances at the Teatro Municipal de Santiago, one of the most beautiful and historically significant opera houses in the world.

This summer season, Swan Lake returned as the undisputed favorite of the public and as a cornerstone of the great classical repertory. Every single performance was sold out, with not one empty seat in the entire theater throughout the run. The extraordinary demand was hardly surprising: in addition to the enduring popularity of the ballet itself, the production featured two exceptional guest artists from the Paris Opera Ballet, Première Danseuse Inès McIntosh and rising étoile Shale Wagman, whose appearances transformed these performances into a major cultural event.

The Poetry and Drama of Swan Lake

At its essence, Swan Lake is a story about the pursuit of ideal love—a love that transcends the boundaries of reality and confronts the eternal struggle between good and evil. It is a tale of longing, deception, transformation, and sacrifice, culminating in a love so powerful that it achieves fulfillment beyond life itself. Tchaikovsky’s incomparable score, filled with haunting lyricism and dramatic force, continues to speak directly to the human soul, captivating audiences of all ages.

The choreographic version by Ivan Nagy and Marilyn Burr presented in Santiago is a refined and poetic interpretation that seeks beauty in every movement while preserving the intensity of the drama. In this staging, the real world and the world of fantasy intertwine seamlessly, creating a symbolic universe charged with psychological depth. The choreography highlights the contrast between light and darkness, innocence and corruption, reality and illusion, offering a reading of Swan Lake that is both timeless and deeply human.

Inès McIntosh: A Ballerina of Exceptional Versatility

As Odette and Odile, Inès McIntosh, Première Danseuse of the Paris Opera Ballet, delivered a performance of remarkable artistry, musical sensitivity, and emotional nuance. Her interpretation was defined by crystalline technique, expressive arms, and an extraordinary ability to embody two opposing characters with total conviction: the fragile, poetic Odette and the seductive, commanding Odile.

Already acclaimed on the world’s great stages, McIntosh’s repertoire includes some of the most demanding roles in classical ballet: Giselle, Odette/Odile, Aurora, Kitri, Paquita, Sylvia, and Princess Florine, as well as leading roles in neoclassical and contemporary works. This rare versatility has made her one of the most sought-after dancers of her generation and a frequent guest at prestigious international galas. Many critics and ballet lovers now see in her the natural successor to legendary figures such as Sylvie Guillem, a comparison that reflects both her technical brilliance and her fearless artistic individuality.

Shale Wagman: A Prince for a New Generation

Alongside her, Shale Wagman offered a Prince Siegfried of impressive nobility, power, and dramatic depth. Widely regarded as a future leading star of the Paris Opera Ballet, Wagman captivated audiences with his soaring jumps, impeccable classical line, and strong stage presence. His portrayal of Siegfried was not merely virtuosic but deeply human, marked by sincerity, inner conflict, and emotional engagement.

Together, McIntosh and Wagman formed an ideal partnership, their chemistry and artistic unity elevating the drama of Swan Lake to extraordinary heights. Their performances left the Santiago audience profoundly moved, earning them overwhelming acclaim and confirming the historic nature of this production.

Artistic Excellence and Musical Splendor

This production was brought to life by the Ballet de Santiago and the Orquesta Filarmónica de Santiago, under the musical direction of Pedro Pablo Prudencio, whose interpretation of Tchaikovsky’s score was both expansive and emotionally precise. The visual world of the ballet was shaped by Enrique Campuzano’s evocative set design, Pablo Núñez’s elegant costumes, and Ricardo Castro’s atmospheric lighting, all contributing to a cohesive and immersive theatrical experience.

The Teatro Municipal de Santiago: An Architectural and Cultural Jewel

The setting for this triumph could not have been more fitting. The Teatro Municipal de Santiago, located in the historic center of the Chilean capital, is a masterpiece of French neoclassical architecture. Designed by François Brunet de Baines, construction began in 1853, and the theater was inaugurated on September 17, 1857, with a performance of Verdi’s Ernani. With a capacity of 1,466 seats, the theater is celebrated for its elegant proportions, sumptuous interior, and exceptional acoustics.

Throughout its history, the Municipal has endured several devastating fires. Each time, the city of Santiago responded with unwavering determination, rebuilding the theater with great care and fidelity to its original design. As a result, the theater stands today not only as a National Historic Monument of Chile, but also as a powerful symbol of cultural resilience and civic pride. It is considered the second-oldest opera house in South America, surpassed in age only by the Teatro Solís in Montevideo.

A Stage Graced by Legends

Few theaters in the world can boast a legacy as rich as that of the Teatro Municipal de Santiago. Over the decades, its stage has welcomed an extraordinary constellation of international legends. Among them are dancers such as Anna Pavlova, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, and Alicia Alonso; opera singers including Ramón Vinay, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, and Leo Nucci; instrumentalists of the highest stature such as Claudio Arrau, Arthur Rubinstein, Yevgeny Kissin, Yehudi Menuhin, and Isaac Stern; and legendary actresses like Sarah Bernhardt and Adelaide Ristori.

These walls have witnessed historic performances that form part of the collective memory of world culture—moments that continue to resonate across generations.

A Swan Lake to Be Remembered for Decades

The Swan Lake performances starring Inès McIntosh and Shale Wagman now take their place within this extraordinary lineage. Their appearances at the Teatro Municipal de Santiago marked the beginning of the year with an artistic event of rare magnitude—an interpretation of Swan Lake that combined classical purity, emotional truth, and overwhelming public success.

In this true temple of opera, ballet, and the performing arts, the Chilean public experienced a Swan Lake that will be remembered for decades: a triumph of dance, music, architecture, and artistic legacy, and a powerful reminder of why this ballet—and this theater—continue to inspire profound devotion around the world.

El Lago de los Cisnes triunfa en el histórico Teatro Municipal de Santiago

El Lago de los Cisnes, el ballet clásico por excelencia, ha vuelto a iluminar el escenario del magnífico Teatro Municipal de Santiago, reafirmando su estatus como una de las obras más queridas de la historia de la danza. Este verano, la capital chilena fue testigo de un evento artístico de una intensidad y belleza excepcionales: una serie de funciones con entradas agotadas, lideradas por dos excepcionales artistas invitados del Ballet de la Ópera de París: la primera bailarina Inès McIntosh y la estrella emergente Shale Wagman.

No hubo ni una sola butaca vacía en el teatro durante toda la temporada. Cada función agotó sus entradas con mucha antelación, un claro testimonio de la perdurable popularidad del Lago de los Cisnes y del entusiasmo generado por la presencia de una de las bailarinas más admiradas de la actualidad, a quien muchos ya consideran la nueva Sylvie Guillem.

Una obra maestra que sigue cautivando

Compuesto por Piotr Ilich Chaikovski, El Lago de los Cisnes sigue siendo uno de los ballets más célebres y representados del mundo. Su inolvidable partitura, su imaginería poética y su narrativa atemporal siguen cautivando a públicos de todas las edades. En esencia, el ballet narra la búsqueda del amor ideal: un amor que desafía fronteras y se enfrenta a la eterna lucha entre el bien y el mal, trascendiendo finalmente la vida misma.

La versión presentada en Santiago, coreografiada por Ivan Nagy y Marilyn Burr, es una búsqueda constante de la belleza y la poesía sin sacrificar la intensidad dramática. La realidad y la fantasía se entrelazan, creando un universo simbólico rico en profundidad psicológica, marcado por el anhelo, la transformación y un destino trágico.

Inès McIntosh y Shale Wagman: Dos estrellas, un inolvidable Lago de los Cisnes

Como Odette/Odile, Inès McIntosh, primera bailarina del Ballet de la Ópera de París, ofreció una interpretación de excepcional refinamiento, musicalidad y profundidad emocional. Su brillantez técnica y su rango expresivo la confirman como una de las bailarinas más versátiles y cautivadoras de su generación. Su repertorio ya incluye papeles icónicos como Giselle, Odette/Odile, Aurora, Kitri, Paquita, Sylvia y la Princesa Florine, así como papeles protagónicos en obras neoclásicas y contemporáneas. Esta notable versatilidad la ha convertido en una auténtica estrella internacional del ballet, invitada con frecuencia a las galas más prestigiosas del mundo.

Junto a ella, Shale Wagman, ampliamente considerado como una futura figura destacada del Ballet de la Ópera de París, interpretó al Príncipe Sigfrido con un virtuosismo impresionante. Sus potentes saltos, su refinada técnica clásica y su profunda interpretación dramática hicieron de su actuación un deleite para la vista. Juntos, estas dos jóvenes estrellas ofrecieron un Lago de los Cisnes de excepcional unidad e intensidad, que dejó al público santiaguero completamente cautivado.

El Teatro Municipal de Santiago: Un Templo de las Artes

Ubicado en el corazón de Santiago, el Teatro Municipal de Santiago es uno de los grandes referentes culturales de Sudamérica. Diseñado en estilo neoclásico francés por el arquitecto François Brunet de Baines, su construcción comenzó en 1853 y se inauguró el 17 de septiembre de 1857 con la obra Ernani de Verdi. Con un aforo de 1466 butacas, el teatro es reconocido por su elegancia, intimidad y extraordinaria acústica.

A pesar de sufrir varios incendios devastadores a lo largo de su historia, los santiaguinos siempre lo han reconstruido con fidelidad y devoción, preservando su esplendor original. Hoy en día, es Monumento Histórico Nacional de Chile y se considera el segundo teatro de ópera más antiguo de Sudamérica, después del Teatro Solís de Montevideo.

A lo largo de las décadas, el Teatro Municipal ha acogido a una constelación sin igual de artistas legendarios. Entre ellos se encuentran bailarines como Anna Pavlova, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov y Alicia Alonso; cantantes como Ramón Vinay, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti y Leo Nucci; instrumentistas como Claudio Arrau, Arthur Rubinstein, Yevgeny Kissin, Yehudi Menuhin e Isaac Stern; y actrices como Sarah Bernhardt y Adelaide Ristori. Entre estas paredes han tenido lugar muchos momentos inolvidables, momentos que forman parte de la memoria viva de la cultura mundial.

Un Lago de los Cisnes para la Historia

Las representaciones de El Lago de los Cisnes, protagonizadas por Inès McIntosh y Shale Wagman, se unen ahora a este ilustre legado. Sus presentaciones en el Teatro Municipal de Santiago marcaron el comienzo del año con un logro artístico que será recordado durante décadas. En este verdadero templo de la ópera, el ballet y el arte, el público chileno experimentó un Lago de los Cisnes de excepcional belleza, pasión y excelencia: un evento inolvidable.

Anna Pavlova en Amérique du Sud

La trace éternelle d’un destin chorégraphique

Le passage d’Anna Pavlova en Amérique du Sud constitue l’un des chapitres les plus fascinants et les plus poétiques de l’histoire du ballet. Son succès sur le continent fut immense, presque mythique, et demeure aujourd’hui encore abondamment documenté dans tous les grands ouvrages consacrés à l’art chorégraphique. Là où Pavlova dansait, elle ne laissait pas seulement un souvenir : elle semait une graine, parfois invisible sur le moment, mais destinée à éclore bien des années plus tard.

Lorsque la légendaire ballerine russe se produisit à Santiago du Chili, sa présence marqua profondément la vie culturelle de la ville. À une époque où le ballet classique était encore un art rare et presque miraculeux pour le public sud-américain, Pavlova apparut comme une révélation absolue. Son art, d’une poésie surnaturelle, semblait transcender la technique pour toucher à l’essence même du mouvement. Ceux qui eurent la chance de la voir danser conservèrent à jamais le souvenir de cette apparition, et son passage dans la capitale chilienne s’inscrivit durablement dans la mémoire artistique du pays.

Mais c’est peut-être à Lima, au Pérou, que le destin se montra le plus audacieux, tissant l’un de ces liens secrets que seule l’histoire de l’art sait créer. Lors de l’une des représentations de Pavlova dans la capitale péruvienne, un enfant se trouvait parmi les spectateurs. Ce jeune garçon, profondément bouleversé par ce qu’il voyait, assistait sans le savoir à une révélation fondatrice. Cet enfant n’était autre que Frederick Ashton, futur chorégraphe et figure majeure du ballet du XXᵉ siècle.

Voir Anna Pavlova danser à Lima fut pour Ashton une expérience déterminante, un choc esthétique et émotionnel qui orienta irrémédiablement sa vocation. À cet instant précis, le fil du destin se mit en mouvement. Des années plus tard, devenu l’un des plus grands chorégraphes britanniques, Ashton allait créer l’un des chefs-d’œuvre du répertoire classique : Sylvia, sur la musique lumineuse de Léo Delibes.

Et comme dans un cercle parfait, ce ballet fut conçu pour une autre légende absolue de la danse : Margot Fonteyn. Inégalable, souveraine, incarnation même de l’élégance et de la musicalité, Fonteyn donna à Sylvia une dimension mythique. Ainsi, l’inspiration née d’une soirée à Lima, devant Pavlova, trouva son accomplissement des décennies plus tard sur les plus grandes scènes du monde, portée par le génie d’Ashton et sublimée par la grâce de Fonteyn.

Cette chaîne miraculeuse — Pavlova, Ashton, Delibes, Fonteyn — illustre à merveille la transmission invisible qui traverse l’histoire du ballet. Une ballerine russe en tournée en Amérique du Sud, un enfant ébloui dans la salle, un chorégraphe en devenir, une étoile britannique appelée à l’éternité : autant de destins unis par la magie de la danse.

Aujourd’hui encore, le passage d’Anna Pavlova à Santiago du Chili et à Lima résonne comme un moment fondateur, non seulement pour l’histoire du ballet en Amérique du Sud, mais pour l’histoire universelle de la danse. Son art, fugace par nature, a pourtant laissé une empreinte indélébile, prouvant que certaines performances ne disparaissent jamais : elles se transforment, se transmettent et renaissent, portées par le souffle du destin et par la mémoire vivante de l’art.

Anna Pavlova en América del Sur

La huella eterna de un destino coreográfico

El pasaje de Anna Pavlova en América del Sur constituye uno de los capítulos les plus fascinants et les plus poétiques de la histoire du ballet. Son succès sur le continente fut inmenso, presque mítico, et demeure aujourd'hui encore abondamment documenté dans tous les grands ouvrages consacrés à l'art chorégraphique. Là où Pavlova dansait, elle ne laissait pas soloment un souvenir: elle semait une graine, parfois invisible sur le moment, mais destinée à éclore bien des années plus tard.

Cuando la legendaria bailarina rusa se produce en Santiago de Chile, en la profundidad de la vida cultural de la ciudad. En una época del ballet clásico también fue un arte raro y casi milagroso para el público sudamericano, Pavlova apareció como una revelación absoluta. Son art, d'une poésie sobrenaturelle, parece trascender la técnica para tocar la esencia misma del movimiento. Ceux qui eurent la chance de la voir danser conservèrent à jamais le souvenir de esta aparición, et son pasaje dans la capitale chilienne s’inscrivit durablement dans la mémoire artisticique du pays.

Mais c'est peut-être à Lima, au Pérou, que le destin se montra le plus audacieux, tissant l'un de ces gravámenes secretos que solo la historia del arte sait créer. Lors de l'une des représentations de Pavlova dans la capitale péruvienne, un niño se trouvait parmi les spectateurs. Ce jeune garçon, profundamente bouleversé par ce qu'il voyait, Assistait sans le savoir à une révélation fondatrice. Este niño no es otro que Frederick Ashton, futuro coreógrafo y figura mayor del ballet del siglo XX.

Voir Anna Pavlova bailarina en Lima para Ashton tiene una experiencia determinante, una choc estética y emocional que orienta irremediablemente su vocación. En este instante, el hijo del destino se encuentra en movimiento. Des années plus tard, devenu l'un des plus grands chorégraphes britanniques, Ashton allait créer l'un des chefs-d'œuvre du répertoire classique: Sylvia, sur la musique lumineuse de Léo Delibes.

Et como en un círculo parfait, este ballet fue diseñado para una otra leyenda absoluta de la danza: Margot Fonteyn. Inégalable, souveraine, encarnación même de l'élégance et de la musicalité, Fonteyn donna à Sylvia una dimensión mítica. Además, la inspiración de una velada en Lima, devant Pavlova, trouva son accomplisment des décennies plus tard sur les plus grandes scènes du monde, portée par le génie d’Ashton et sublime par la grâce de Fonteyn.

Cette chaîne miraculeuse – Pavlova, Ashton, Delibes, Fonteyn – ilustra con merveille la transmisión invisible que atraviesa la historia del ballet. Una bailarina rusa en gira en América del Sur, un niño ébloui dans la salle, un coreógrafo en devenir, una estrella británica apelada a la eternidad: autant de destins unis par la magie de la danse.

Aujourd'hui bis, el pasaje de Anna Pavlova a Santiago du Chili y a Lima resona como un momento fondateur, no solo para la historia del ballet en América del Sur, sino para la historia universal de la danza. Son art, fugace par nature, a pourtant laissé une empreinte indélébile, prouvant que sures performances ne disparaissent jamais: elles se transforment, se transmettent et renaissent, portées par le souffle du destin et par la mémoire vivante de l’art.

Anna Pavlova in South America

The eternal trace of a choreographic destiny

Le passage d'Anna Pavlova en Amérique du Sud constitutes the chapters of the most fascinating and the most poetic of the ballet history. They are succès sur le continent fut immense, presque mythique, et demeure aujourd’hui encore abondamment documenté dans tous les grands ouvrages consacrés à l’art chorégraphique. Là où Pavlova dansait, elle ne laissait pas seulement un souvenir: elle semait une graine, parfois invisible sur le moment, mais destinée à éclore bien des années later.

Lorsque the legendary Russian ballerine was produced in Santiago du Chili, sa présence marqua profondément la vie culturelle de la ville. In an era of the ballet class that encores a rare art and miraculeux for the public in South America, Pavlova appears as an absolute revelation. They are art, d'une poésie surnaturelle, semblait transcender la technique pour toucher à l'essence même du mouvement. Ceux qui eurent la chance de la voir danser conservèrent à ever le souvenir de thiste apparition, et son passage dans la capitale chileenne s’inscribed durament dans la mémoire artistique du countries.

Mais c'est peut-être à Lima, au Pérou, que le destin se montra le most audacieux, tissant l'un de ces liens secrets que seule l'histoire de l'art sait créer. Lors de l'une des présentations de Pavlova dans la capitale péruvienne, un enfant se trouvait parmi les spectateurs. Ce jeune garçon, deeply bouleversé par ce qu’il voyait, assistait sans le savoir à une révélation fondatrice. Cet enfant n’était autre que Frederick Ashton, futur chorégraphe et figure majeure du ballet du XXᵉ siècle.

Watching Anna Pavlova dance in Lima for Ashton has a determining experience, an aesthetic and emotional shock that irremediably guides her vocation. At this instant, the destination file is in motion. In later years, one of the greatest British choreographers, Ashton allait créer l'un des chefs-d'œuvre du répertoire classique: Sylvia, sur la musique lumineuse de Léo Delibes.

And as a close parfait, this ballet is conceived for another absolute legend of dance: Margot Fonteyn. Inégalable, souveraine, incarnation même de l'élégance et de la musicalité, Fonteyn donna à Sylvia une dimension mythique. Ainsi, l'inspiration née d'une soirée à Lima, devant Pavlova, trouva son accomplissement des décennies late sur les grandes scènes du monde, portée par le génie d'Ashton et sublimée par la grace de Fonteyn.

This miraculeuse chain — Pavlova, Ashton, Delibes, Fonteyn — illustre à merveille la transmission invisible qui traverse l’histoire du ballet. A Russian ballerine on tour in South America, an enfant ébloui dans la salle, a chorégraphe en becoming, a British étoile appelée à l’éternité: autant de destins unis par la magie de la danse.

Aujourd'hui encore, le passage d'Anna Pavlova à Santiago du Chili et à Lima résonne comme un moment fondateur, non seulement pour l'histoire du ballet en Amérique du Sud, mais pour l'histoire universelle de la danse. They are art, fugace par nature, a pourtant laissé une empreinte indélébile, prouvant que certaines performances ne disparaissent ever: they are transformed, se transmettent et renaissent, portées par le souffle du destin et par la mémoire vivante de l’art.

Anna Pavlova in Sud America

La traccia eterna di un destino coreografico

Le passaggio d'Anna Pavlova en Amérique du Sud costituisce i capitoli più affascinanti e più poetici della storia del balletto. Sono successi sur le continent fut immenso, presque mitico, et demeure aujourd’hui encore abondamment documenté dans tous les grands ouvrages consacrés à l’art chorégraphique. Là où Pavlova dansait, elle ne laissait pas seulement un souvenir: elle semait une graine, parfois invisibile sur le moment, mais destinée à éclore bien des années later.

Lorsque, la leggendaria ballerina russa, è stata prodotta a Santiago del Cile, sa présence marqua profondément la vie culturelle de la ville. In un'epoca in cui il balletto rappresenta un'arte rara e miracolosa per il pubblico del Sud America, Pavlova appare come una rivelazione assoluta. Sono arte, d'une poésie surnaturelle, semblait trascender la tecnica pour toucher à l'essence même du mouvement. Ceux qui eurent la chance de la voir danser conservèrent à ever le souvenir de thiste apparizione, et son passaggio dans la capitale chileenne s’inscript durament dans la mémoire artistique du Countries.

Mais c'est peut-être à Lima, au Pérou, que le destin se montra le most audacieux, tissant l'un de ces liens secrets que seule l'histoire de l'art sait créer. Durante una presentazione di Pavlova nella capitale peruviana, un bambino si ritrova tra gli spettatori. Ce jeune garçon, profondamente bouleversé par ce qu’il voyait, assistait sans le savoir à une révélation fondatrice. Cet enfant n'était autre que Frederick Ashton, futuro coreografo e figura maggiore del balletto del XXᵉ siècle.

Vedere Anna Pavlova ballare a Lima per Ashton costituisce un'esperienza determinante, uno shock estetico ed emotivo che orienta irrimediabilmente la sua vocazione. In questo istante, il file di destinazione è in movimento. Negli anni successivi, uno dei più grandi coreografi britannici, Ashton, creò l'un des chefs-d'œuvre du répertoire classique: Sylvia, sur la musique lumineuse de Léo Delibes.

E come un quasi parfait, questo balletto è pensato per un'altra leggenda assoluta della danza: Margot Fonteyn. Inégalable, sovrana, incarnazione stessa dell'eleganza e della musicalità, Fonteyn donna à Sylvia una dimensione mitica. Ainsi, l'inspiration née d'une soirée à Lima, devant Pavlova, trouva son accomplissement des décennies late sur les grandes scènes du monde, portée par le génie d'Ashton et sublimée par la Grace de Fonteyn.

Questa catena di miraculeuse – Pavlova, Ashton, Delibes, Fonteyn – illustre à merveille la trasmissione invisibile qui traverse l’histoire du ballet. Una ballerina russa in tournée in Sud America, un enfant ébloui dans la salle, un chorégraphe en divenire, un’étoile britannica appelée à l’éternité: autant de destins unis par la magie de la danse.

Aujourd'hui encore, il passaggio di Anna Pavlova a Santiago del Cile e a Lima résonne comme un moment fondateur, non seulement pour l'histoire du ballet en Amérique du Sud, mais pour l'histoire Universelle de la danse. Sono arte, fugace par nature, a pourtant laissé une empreinte indélébile, prouvant que certaines performance ne disparaissent ever: sono trasformate, se transmettent et renaissent, portées par le souffle du destin et par la mémoire vivante de l’art.

Анна Павлова в Южной Америке

Вечный след хореографической судьбы

«Пассаж Анны Павловой в Южной Америке» представляет собой главы самой увлекательной и самой поэтичной истории балета. Они добились успеха на огромном континенте, являются мифическими и скромными, а также документально оформленными, среди всех великих сокровенных деяний в хореографическом искусстве. Là où Павлова танцует, она не laissait pas seulement un сувенир: elle semait une grine, parfois invisible sur le moment, но mais destinée à éclore bien des années позже.

Лорск, легендарная русская балерина, была создана в Сантьяго-дю-Чили, в присутствии марки profondément la vieculturallle de la ville. В эпоху балетного класса, который представляет редкое искусство и чудеса для публики Южной Америки, Павлова предстает абсолютным откровением. Это искусство, d'une poésie surnaturelle, semblait Transder La Technique pour Toucher à L'Essence Même du Mouvement. Ceux qui eurent la chance de la voir danser conservèrent à all сувенир этого призрака, и его переход в столицу Чили, записанный в течение долгого времени в художественной памяти стран.

Но больше всего в Лиме, ​​в Перу, где судьба была самой смелой, есть секреты, которые хранят в себе только историю искусства. Лоры-де-l'une des presentations de Павлова в перуанской столице, unfant se trouvait parmi les spectateurs. Ce jeune garçon, deep bouleversé par ce qu'il voyait, помогает без знания в фундаментальном откровении. Cet enfant n’était autre que Frederick Ashton, будущий хореограф и мажорная фигура балета XX века.

Наблюдение за танцем Анны Павловой в Лиме стало для Эштон определяющим опытом, эстетическим и эмоциональным потрясением, которое непоправимо определило ее призвание. В этот момент файл назначения находится в движении. В последующие годы один из величайших британских хореографов Эштон создал шедевр классического репертуара: Сильвию, под светящуюся музыку Лео Делиба.

И как близкое парфе, этот балет задуман для другой абсолютной легенды танца: Марго Фонтейн. Неодолимое, суверенное, воплощение элегантности и музыкальности, Фонтейн донна в Сильвии, мифическое измерение. Айнси, вдохновительница вечера в Лиме, ​​ушедшая Павлова, сын свершений последних десятилетий на великих сценах мира, портье от гени д'Эштон и возвышенное от грации де Фонтейн.

Swan Lake Triumphs at the Historic Teatro Municipal de Santiago

Swan Lake, the quintessential classical ballet, has once again illuminated the stage of the magnificent Teatro Municipal de Santiago, reaffirming its status as one of the most beloved works in the history of dance. This summer season, the Chilean capital witnessed an artistic event of rare intensity and beauty: a series of completely sold-out performances led by two exceptional guest artists from the Paris Opera Ballet, Première Danseuse Inès McIntosh and rising star Shale Wagman.

There was not a single empty seat in the theater throughout the entire run. Every performance was sold out well in advance, a clear testament to the enduring popularity of Swan Lake and to the excitement generated by the presence of one of today’s most admired ballerinas—whom many already consider the new Sylvie Guillem.

A Masterpiece That Continues to Enchant

Composed by Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Swan Lake remains one of the most celebrated and frequently performed ballets in the world. Its unforgettable score, poetic imagery, and timeless narrative continue to captivate audiences of all ages. At its core, the ballet tells the story of the search for ideal love—a love that defies boundaries and confronts the eternal struggle between good and evil, ultimately transcending life itself.

The version presented in Santiago, choreographed by Ivan Nagy and Marilyn Burr, is a constant pursuit of beauty and poetry without sacrificing dramatic intensity. Reality and fantasy intertwine, creating a symbolic universe rich in psychological depth, marked by longing, transformation, and tragic destiny.

Inès McIntosh and Shale Wagman: Two Stars, One Unforgettable Swan Lake

As Odette/Odile, Inès McIntosh, Première Danseuse of the Paris Opera Ballet, delivered an interpretation of rare refinement, musicality, and emotional depth. Her technical brilliance and expressive range confirm her status as one of the most versatile and compelling dancers of her generation. Her repertoire already includes iconic roles such as Giselle, Odette/Odile, Aurora, Kitri, Paquita, Sylvia, and Princess Florine, as well as leading roles in neoclassical and contemporary works. This remarkable versatility has made her a true international ballet star, frequently invited to the world’s most prestigious galas.

Opposite her, Shale Wagman, widely regarded as a future leading figure of the Paris Opera Ballet, portrayed Prince Siegfried with impressive virtuosity. His powerful jumps, refined classical technique, and deeply felt dramatic interpretation made his performance a joy to behold. Together, these two young stars offered a Swan Lake of exceptional unity and intensity, leaving the Santiago audience completely enthralled.

Artistic Team and Performances

Artistic Credits

• Choreography: Ivan Nagy and Marilyn Burr

• Music: Pyotr Ilyich Tchaikovsky

• Musical Director: Pedro Pablo Prudencio

• Set Design: Enrique Campuzano

• Costumes: Pablo Núñez

• Lighting: Ricardo Castro

• Ballet: Ballet de Santiago

• Orchestra: Orquesta Filarmónica de Santiago

• Guest Artists: Inès McIntosh and Shale Wagman (Paris Opera Ballet)

• Production: Teatro Municipal de Santiago

Performance Dates

• Friday, January 9 – 7:00 pm (Sold Out)

• Saturday, January 10 – 7:00 pm (Sold Out)

• Wednesday, January 14 – 7:00 pm (Sold Out)

• Monday, January 19 – 7:00 pm (Sold Out)

• Tuesday, January 20 – 7:00 pm (Sold Out)

Paris Opera Ballet Guest Performances

• Tuesday, January 13 – 7:00 pm (Sold Out)

• Thursday, January 15 – 7:00 pm (Sold Out)

The Teatro Municipal de Santiago: A Temple of the Arts

Located in the heart of Santiago, the Teatro Municipal de Santiago is one of South America’s great cultural landmarks. Designed in a French neoclassical style by architect François Brunet de Baines, its construction began in 1853, and it was inaugurated on September 17, 1857, with Verdi’s Ernani. With a seating capacity of 1,466, the theater is renowned for its elegance, intimacy, and extraordinary acoustics.

Despite suffering several devastating fires throughout its history, the people of Santiago have always rebuilt the theater with fidelity and devotion, preserving its original splendor. Today, it stands as a National Historic Monument of Chile and is considered the second-oldest opera house in South America, after the Teatro Solís in Montevideo.

Over the decades, the Teatro Municipal has welcomed an unparalleled constellation of legendary artists. Among them are dancers such as Anna Pavlova, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, and Alicia Alonso; singers including Ramón Vinay, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, and Leo Nucci; instrumentalists such as Claudio Arrau, Arthur Rubinstein, Yevgeny Kissin, Yehudi Menuhin, and Isaac Stern; and actresses like Sarah Bernhardt and Adelaide Ristori. Many unforgettable moments have taken place within these walls—moments that form part of the living memory of world culture.

A Swan Lake for the Ages

The performances of Swan Lake starring Inès McIntosh and Shale Wagman now join this illustrious legacy. Their appearances at the Teatro Municipal de Santiago marked the beginning of the year with an artistic achievement that will be remembered for decades. In this true temple of opera, ballet, and art, the Chilean public experienced a Swan Lake of exceptional beauty, passion, and excellence—an event impossible to surpass and impossible to forget.

Swan Lake at the Teatro Municipal de Santiago

A Historic Triumph of Ballet, Architecture, and Artistic Legacy

Few works in the history of classical dance possess the universal resonance, poetic power, and emotional depth of Swan Lake. Considered the classical ballet par excellence, this immortal masterpiece by Pyotr Ilyich Tchaikovsky has once again conquered the hearts of audiences in Santiago de Chile, where it was presented in a series of unforgettable performances at the Teatro Municipal de Santiago, one of the most beautiful and historically significant opera houses in the world.

This summer season, Swan Lake returned as the undisputed favorite of the public and as a cornerstone of the great classical repertory. Every single performance was sold out, with not one empty seat in the entire theater throughout the run. The extraordinary demand was hardly surprising: in addition to the enduring popularity of the ballet itself, the production featured two exceptional guest artists from the Paris Opera Ballet, Première Danseuse Inès McIntosh and rising étoile Shale Wagman, whose appearances transformed these performances into a major cultural event.

The Poetry and Drama of Swan Lake

At its essence, Swan Lake is a story about the pursuit of ideal love—a love that transcends the boundaries of reality and confronts the eternal struggle between good and evil. It is a tale of longing, deception, transformation, and sacrifice, culminating in a love so powerful that it achieves fulfillment beyond life itself. Tchaikovsky’s incomparable score, filled with haunting lyricism and dramatic force, continues to speak directly to the human soul, captivating audiences of all ages.

The choreographic version by Ivan Nagy and Marilyn Burr presented in Santiago is a refined and poetic interpretation that seeks beauty in every movement while preserving the intensity of the drama. In this staging, the real world and the world of fantasy intertwine seamlessly, creating a symbolic universe charged with psychological depth. The choreography highlights the contrast between light and darkness, innocence and corruption, reality and illusion, offering a reading of Swan Lake that is both timeless and deeply human.

Inès McIntosh: A Ballerina of Exceptional Versatility

As Odette and Odile, Inès McIntosh, Première Danseuse of the Paris Opera Ballet, delivered a performance of remarkable artistry, musical sensitivity, and emotional nuance. Her interpretation was defined by crystalline technique, expressive arms, and an extraordinary ability to embody two opposing characters with total conviction: the fragile, poetic Odette and the seductive, commanding Odile.

Already acclaimed on the world’s great stages, McIntosh’s repertoire includes some of the most demanding roles in classical ballet: Giselle, Odette/Odile, Aurora, Kitri, Paquita, Sylvia, and Princess Florine, as well as leading roles in neoclassical and contemporary works. This rare versatility has made her one of the most sought-after dancers of her generation and a frequent guest at prestigious international galas. Many critics and ballet lovers now see in her the natural successor to legendary figures such as Sylvie Guillem, a comparison that reflects both her technical brilliance and her fearless artistic individuality.

Shale Wagman: A Prince for a New Generation

Alongside her, Shale Wagman offered a Prince Siegfried of impressive nobility, power, and dramatic depth. Widely regarded as a future leading star of the Paris Opera Ballet, Wagman captivated audiences with his soaring jumps, impeccable classical line, and strong stage presence. His portrayal of Siegfried was not merely virtuosic but deeply human, marked by sincerity, inner conflict, and emotional engagement.

Together, McIntosh and Wagman formed an ideal partnership, their chemistry and artistic unity elevating the drama of Swan Lake to extraordinary heights. Their performances left the Santiago audience profoundly moved, earning them overwhelming acclaim and confirming the historic nature of this production.

Artistic Excellence and Musical Splendor

This production was brought to life by the Ballet de Santiago and the Orquesta Filarmónica de Santiago, under the musical direction of Pedro Pablo Prudencio, whose interpretation of Tchaikovsky’s score was both expansive and emotionally precise. The visual world of the ballet was shaped by Enrique Campuzano’s evocative set design, Pablo Núñez’s elegant costumes, and Ricardo Castro’s atmospheric lighting, all contributing to a cohesive and immersive theatrical experience.

The Teatro Municipal de Santiago: An Architectural and Cultural Jewel

The setting for this triumph could not have been more fitting. The Teatro Municipal de Santiago, located in the historic center of the Chilean capital, is a masterpiece of French neoclassical architecture. Designed by François Brunet de Baines, construction began in 1853, and the theater was inaugurated on September 17, 1857, with a performance of Verdi’s Ernani. With a capacity of 1,466 seats, the theater is celebrated for its elegant proportions, sumptuous interior, and exceptional acoustics.

Throughout its history, the Municipal has endured several devastating fires. Each time, the city of Santiago responded with unwavering determination, rebuilding the theater with great care and fidelity to its original design. As a result, the theater stands today not only as a National Historic Monument of Chile, but also as a powerful symbol of cultural resilience and civic pride. It is considered the second-oldest opera house in South America, surpassed in age only by the Teatro Solís in Montevideo.

A Stage Graced by Legends

Few theaters in the world can boast a legacy as rich as that of the Teatro Municipal de Santiago. Over the decades, its stage has welcomed an extraordinary constellation of international legends. Among them are dancers such as Anna Pavlova, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, and Alicia Alonso; opera singers including Ramón Vinay, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, and Leo Nucci; instrumentalists of the highest stature such as Claudio Arrau, Arthur Rubinstein, Yevgeny Kissin, Yehudi Menuhin, and Isaac Stern; and legendary actresses like Sarah Bernhardt and Adelaide Ristori.

These walls have witnessed historic performances that form part of the collective memory of world culture—moments that continue to resonate across generations.

A Swan Lake to Be Remembered for Decades

The Swan Lake performances starring Inès McIntosh and Shale Wagman now take their place within this extraordinary lineage. Their appearances at the Teatro Municipal de Santiago marked the beginning of the year with an artistic event of rare magnitude—an interpretation of Swan Lake that combined classical purity, emotional truth, and overwhelming public success.

In this true temple of opera, ballet, and the performing arts, the Chilean public experienced a Swan Lake that will be remembered for decades: a triumph of dance, music, architecture, and artistic legacy, and a powerful reminder of why this ballet—and this theater—continue to inspire profound devotion around the world.

Anna Pavlova en Amérique du Sud

La trace éternelle d’un destin chorégraphique

Le passage d’Anna Pavlova en Amérique du Sud constitue l’un des chapitres les plus fascinants et les plus poétiques de l’histoire du ballet. Son succès sur le continent fut immense, presque mythique, et demeure aujourd’hui encore abondamment documenté dans tous les grands ouvrages consacrés à l’art chorégraphique. Là où Pavlova dansait, elle ne laissait pas seulement un souvenir : elle semait une graine, parfois invisible sur le moment, mais destinée à éclore bien des années plus tard.

Lorsque la légendaire ballerine russe se produisit à Santiago du Chili, sa présence marqua profondément la vie culturelle de la ville. À une époque où le ballet classique était encore un art rare et presque miraculeux pour le public sud-américain, Pavlova apparut comme une révélation absolue. Son art, d’une poésie surnaturelle, semblait transcender la technique pour toucher à l’essence même du mouvement. Ceux qui eurent la chance de la voir danser conservèrent à jamais le souvenir de cette apparition, et son passage dans la capitale chilienne s’inscrivit durablement dans la mémoire artistique du pays.

Mais c’est peut-être à Lima, au Pérou, que le destin se montra le plus audacieux, tissant l’un de ces liens secrets que seule l’histoire de l’art sait créer. Lors de l’une des représentations de Pavlova dans la capitale péruvienne, un enfant se trouvait parmi les spectateurs. Ce jeune garçon, profondément bouleversé par ce qu’il voyait, assistait sans le savoir à une révélation fondatrice. Cet enfant n’était autre que Frederick Ashton, futur chorégraphe et figure majeure du ballet du XXᵉ siècle.

Voir Anna Pavlova danser à Lima fut pour Ashton une expérience déterminante, un choc esthétique et émotionnel qui orienta irrémédiablement sa vocation. À cet instant précis, le fil du destin se mit en mouvement. Des années plus tard, devenu l’un des plus grands chorégraphes britanniques, Ashton allait créer l’un des chefs-d’œuvre du répertoire classique : Sylvia, sur la musique lumineuse de Léo Delibes.

Et comme dans un cercle parfait, ce ballet fut conçu pour une autre légende absolue de la danse : Margot Fonteyn. Inégalable, souveraine, incarnation même de l’élégance et de la musicalité, Fonteyn donna à Sylvia une dimension mythique. Ainsi, l’inspiration née d’une soirée à Lima, devant Pavlova, trouva son accomplissement des décennies plus tard sur les plus grandes scènes du monde, portée par le génie d’Ashton et sublimée par la grâce de Fonteyn.

Cette chaîne miraculeuse — Pavlova, Ashton, Delibes, Fonteyn — illustre à merveille la transmission invisible qui traverse l’histoire du ballet. Une ballerine russe en tournée en Amérique du Sud, un enfant ébloui dans la salle, un chorégraphe en devenir, une étoile britannique appelée à l’éternité : autant de destins unis par la magie de la danse.

Aujourd’hui encore, le passage d’Anna Pavlova à Santiago du Chili et à Lima résonne comme un moment fondateur, non seulement pour l’histoire du ballet en Amérique du Sud, mais pour l’histoire universelle de la danse. Son art, fugace par nature, a pourtant laissé une empreinte indélébile, prouvant que certaines performances ne disparaissent jamais : elles se transforment, se transmettent et renaissent, portées par le souffle du destin et par la mémoire vivante de l’art.