Dallas - Bank of America Plaza

Il magnifico grattacielo è illuminato di notte da brillanti luci a LED ed è visibile da grande distanza nel centro di Dallas, rappresentando una vera meraviglia sia per i residenti che per i visitatori. Svettando sopra gli edifici circostanti, è una delle strutture più alte dello stato del Texas e l'edificio più alto di Dallas, dominando lo skyline con la sua presenza imponente.

La torre è stata progettata pensando all'efficienza e alla praticità, con ascensori diretti ad alta velocità che collegano il piano terra ai piani superiori dell'edificio. In particolare, uno di questi ascensori serve i piani dal 57° al 69° senza interruzioni. A differenza di molti grattacieli, non è presente uno skylobby per il trasferimento tra le file di ascensori, poiché tutti i piani sono accessibili direttamente dal piano terra: un'impressionante conquista ingegneristica che contribuisce all'unicità dell'edificio.

Di notte, il grattacielo prende davvero vita. Il suo famoso spettacolo di luci a LED trasforma la torre in un punto di riferimento luminoso, rendendola uno degli spettacoli notturni più riconoscibili degli Stati Uniti. Le dinamiche esposizioni luminose sono diventate un simbolo della città stessa, cambiando frequentemente colore per celebrare festività, eventi importanti e momenti culturali. Un tempo, il pubblico poteva persino influenzare i colori dell'edificio attraverso un concorso ampiamente pubblicizzato, un evento che catturò l'attenzione nazionale e fece notizia in tutto il mondo.

Questa iconica torre si trova a Dallas, una città vivace e splendida, nota per la sua architettura audace, l'energia moderna e la ricca identità culturale. Dallas vanta uno skyline costellato di grattacieli straordinari e distintivi, ognuno dei quali contribuisce a creare un paesaggio urbano che trasmette al tempo stesso potenza ed eleganza. Dalle eleganti torri di vetro ai monumenti dalle forme uniche, l'architettura della città riflette la sua storia e il suo spirito lungimirante.

Oltre al suo skyline, Dallas è celebre per i suoi quartieri artistici, i quartieri eterogenei, il fiorente ambiente imprenditoriale e la calorosa ospitalità texana. Insieme, la città e i suoi imponenti monumenti creano un'impressione indimenticabile, soprattutto dopo il tramonto, quando gli edifici illuminati trasformano il centro di Dallas in un panorama luminoso che continua a suscitare stupore in chiunque lo osservi.

Ce magnifique gratte-ciel s'illumine la nuit grâce à de brillantes lumières LED et se distingue de loin dans le centre-ville de Dallas, véritable merveille pour les habitants et les visiteurs. Dominant les bâtiments environnants, il est l'une des plus hautes structures du Texas et le plus haut édifice de Dallas, imposant sa silhouette majestueuse qui imprègne l'horizon.

Conçue pour un confort et une efficacité optimaux, la tour est équipée d'ascenseurs directs à grande vitesse reliant le rez-de-chaussée aux étages supérieurs. L'un de ces ascenseurs dessert notamment les étages 57 à 69 sans interruption. Contrairement à de nombreux gratte-ciel, il n'y a pas de hall de correspondance entre les ascenseurs : tous les étages sont directement accessibles depuis le rez-de-chaussée – une prouesse technique impressionnante qui contribue à l'originalité du bâtiment.

La nuit, le gratte-ciel s'anime véritablement. Son célèbre spectacle de lumières LED transforme la tour en un point de repère lumineux, faisant d'elle l'un des sites nocturnes les plus reconnaissables des États-Unis. Ces illuminations dynamiques sont devenues un symbole de la ville, changeant régulièrement de couleurs pour célébrer les fêtes, les événements majeurs et les moments culturels. À une époque, le public pouvait même influencer les couleurs de l'édifice grâce à un concours largement médiatisé, un événement qui a captivé l'attention nationale et fait les gros titres dans le monde entier.

Cette tour emblématique se dresse au cœur de Dallas, une ville dynamique et magnifique, réputée pour son architecture audacieuse, son énergie moderne et sa riche identité culturelle. Dallas offre un panorama urbain composé de gratte-ciel remarquables et distinctifs, contribuant chacun à une atmosphère à la fois puissante et élégante. Des tours de verre épurées aux monuments aux formes uniques, l'architecture de la ville reflète son histoire autant que son esprit tourné vers l'avenir.

Au-delà de son horizon urbain, Dallas est célèbre pour ses quartiers artistiques, la diversité de ses quartiers, son environnement commercial florissant et la chaleureuse hospitalité texane. Ensemble, la ville et ses monuments imposants créent une impression inoubliable, surtout après le coucher du soleil, lorsque les bâtiments illuminés transforment le centre-ville de Dallas en un panorama lumineux qui ne cesse d'inspirer l'admiration chez tous ceux qui le contemplent.

The magnificent skyscraper is illuminated at night with brilliant LED lights and can be seen from a great distance across downtown Dallas, standing as a true marvel for both city residents and visitors. Rising high above the surrounding buildings, it is one of the tallest structures in the state of Texas and the tallest building in Dallas, dominating the skyline with its striking presence.

The tower is designed with efficiency and convenience in mind, featuring direct high-speed elevators that travel from the ground floor to the upper levels of the building. Notably, one of these elevators serves floors 57 through 69 without interruption. Unlike many supertall buildings, there is no skylobby for transferring between elevator banks, as all floors are directly accessible from the ground level—an impressive engineering achievement that adds to the building’s uniqueness.

At night, the skyscraper truly comes alive. Its famous LED light show transforms the tower into a glowing landmark, making it one of the most recognizable nighttime sights in the United States. The dynamic lighting displays have become a symbol of the city itself, frequently changing colors to celebrate holidays, major events, and cultural moments. At one point, the public could even influence the building’s colors through a widely publicized contest, an event that captured national attention and made headlines around the world.

This iconic tower is set within Dallas, a vibrant and beautiful city known for its bold architecture, modern energy, and rich cultural identity. Dallas boasts a skyline filled with remarkable and distinctive skyscrapers, each contributing to a cityscape that feels both powerful and elegant. From sleek glass towers to uniquely shaped landmarks, the city’s architecture reflects its history as well as its forward-looking spirit.

Beyond its skyline, Dallas is celebrated for its arts districts, diverse neighborhoods, thriving business environment, and warm Texas hospitality. Together, the city and its towering landmarks create an unforgettable impression, especially after sunset, when the illuminated buildings turn downtown Dallas into a glowing panorama that continues to inspire awe in everyone who sees it.

Величественный небоскреб ночью подсвечивается яркими светодиодными огнями и виден издалека через весь центр Далласа, являясь настоящим чудом для жителей города и гостей. Возвышаясь над окружающими зданиями, он является одним из самых высоких сооружений в штате Техас и самым высоким зданием в Далласе, доминируя над горизонтом своим впечатляющим видом.

Башня спроектирована с учетом эффективности и удобства: здесь установлены высокоскоростные лифты, которые доставляют пассажиров с первого этажа на верхние уровни здания. Примечательно, что один из этих лифтов обслуживает этажи с 57 по 69 без перерыва. В отличие от многих сверхвысоких зданий, здесь нет отдельного вестибюля для пересадки между лифтовыми блоками, поскольку все этажи доступны непосредственно с первого этажа — впечатляющее инженерное достижение, которое добавляет зданию уникальности.

Ночью небоскреб по-настоящему оживает. Его знаменитое светодиодное шоу превращает башню в светящуюся достопримечательность, делая ее одним из самых узнаваемых ночных зрелищ в Соединенных Штатах. Динамичные световые инсталляции стали символом самого города, часто меняя цвета в честь праздников, важных событий и культурных моментов. В какой-то момент жители даже могли влиять на цвета здания посредством широко разрекламированного конкурса, который привлек внимание всей страны и попал в заголовки мировых новостей.

Эта культовая башня расположена в Далласе, ярком и красивом городе, известном своей смелой архитектурой, современной энергией и богатой культурной самобытностью. Даллас может похвастаться горизонтом, заполненным замечательными и самобытными небоскребами, каждый из которых вносит свой вклад в городской пейзаж, одновременно мощный и элегантный. От изящных стеклянных башен до уникальных по форме достопримечательностей, архитектура города отражает его историю, а также его прогрессивный дух.

Помимо своего горизонта, Даллас славится своими художественными кварталами, разнообразными районами, процветающей деловой средой и теплым техасским гостеприимством. Вместе город и его возвышающиеся достопримечательности создают незабываемое впечатление, особенно после захода солнца, когда освещенные здания превращают центр Далласа в сияющую панораму, которая продолжает вызывать восхищение у всех, кто ее видит.

Paris - Notre-Dame de Paris - 06 / 31 December 2025

 ✨ Roland Petit’s Notre-Dame de Paris: A December to Remember at the Opéra Bastille ✨

This December, the immense stage of the Opéra Bastille will once again glow with the vivid colors, dramatic tension, and irresistible theatricality of Roland Petit’s Notre-Dame de Paris. Created in 1965 for the Paris Opera Ballet, this masterpiece remains one of Petit’s most iconic works, blending neoclassical precision with the irresistible flair of music-hall — a signature only he could invent.

Inspired by Victor Hugo’s monumental novel, Petit transforms the medieval world of Paris into a living fresco: Esmeralda’s radiant innocence, Quasimodo’s heartbreaking devotion, Frollo’s torment, and Phoebus’s seduction unfold against a chorus of crowds that shift from joy to cruelty in a heartbeat. With Maurice Jarre’s powerful score, René Allio’s evocative sets, and Yves Saint Laurent’s legendary costumes — shimmering like the stained-glass windows of a cathedral — this ballet is a feast for both heart and eyes.

But what makes this revival truly thrilling are the exceptional étoiles bringing these characters to life.

✨ Amandine Albisson, with her luminous presence and impeccable French classical line, will bring a deeply poetic and noble Esmeralda.

✨ Roxane Stojanov, so expressive and magnetic, promises an Esmeralda of fire, vulnerability, and emotional truth — a role she embodies with rare sincerity.

✨ Sae Eun Park, ethereal yet powerfully grounded, will offer a breathtaking interpretation full of purity, refinement, and dramatic nuance.

Three extraordinary ballerinas. Three unforgettable interpretations.

Alongside them, stars such as Hugo Marchand, Francesco Mura, Jérémy-Loup Quer, Florent Melac, Pablo Legasa, Milo Avêque and many others will shape a series of performances that are sure to become part of the ballet’s living history. And with the December 17 performance featuring yet another dazzling cast — plus the mystery still surrounding the Esmeraldas for December 25 and 30 — anticipation grows even more.

The Opéra Bastille is expected to be completely full, as it is for every ballet presented in this grand theatre. And rightly so: Notre-Dame de Paris is not just a ballet — it is an event, a celebration of Roland Petit’s genius, and a testament to the incomparable artistry of today’s Paris Opera dancers.

If you are traveling to Paris this December, you are in for an unforgettable journey.

A ballet, a masterpiece, and a constellation of stars — all under one roof. ✨🩰🇫🇷

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✨ Roland Petit’s Notre-Dame de Paris: A December of Pure Ballet Magic at the Opéra Bastille ✨

A celebration of genius, beauty, and the extraordinary étoiles who will bring Paris to life.

This December, Paris prepares for one of the most anticipated ballet events of the season: the return of Roland Petit’s Notre-Dame de Paris to the stage of the Opéra Bastille. More than a revival, it is a tribute — to a choreographer whose imagination reshaped 20th-century ballet, to a literary masterpiece that continues to move us, and to the modern stars of the Paris Opera Ballet who inherit this legacy with brilliance and depth.

🌟 The Genius of Roland Petit

Roland Petit was never just a choreographer — he was a storyteller, a sculptor of emotion, a master of theatrical instinct. His creations defied convention: sensual yet refined, dramatic yet balanced, always infused with a cinematic sense of beauty. Works such as Carmen, Le Jeune Homme et la Mort, La Rose Malade, and Notre-Dame de Paris have become pillars of the international ballet repertoire.

In Notre-Dame de Paris, premiered in 1965 at the Paris Opera, Petit achieves a rare alchemy:

• Neoclassical lines that honor tradition

• Expressionistic drama that heightens emotion

• Music-hall flair that gives the ballet its unmistakable color

Every movement reveals his signature: sharp épaulements, sculptural poses, breathtaking lifts, and storytelling that grips the viewer from the first step to the last.

🎨 A Masterpiece of Collaboration

Petit surrounded himself with an extraordinary creative team — artists whose names are now legendary.

• Maurice Jarre’s powerful, haunting score propels the drama with rhythmic urgency and lyrical tenderness.

• René Allio’s sets evoke the weight and mystery of medieval Paris, with shadows echoing across towering cathedral arches.

• Yves Saint Laurent’s iconic costumes shimmer like the stained-glass windows that inspired them, full of vivid color, elegance, and theatrical poetry.

The ballet is a moving fresco, a living painting, a story that feels at once medieval and timeless.

❤️ A Story of Passion, Darkness, and Humanity

Victor Hugo’s novel is, above all, a story about desire, difference, cruelty, and compassion. Petit distilled these themes masterfully into choreography:

• Esmeralda, radiant and free-spirited

• Quasimodo, tormented yet full of pure love

• Frollo, consumed by forbidden obsession

• Phoebus, emblem of charm, seduction, and fate

The crowd becomes a character in itself — a turbulent chorus shifting from joy to violence, echoing the contradictions of humanity.

⭐ A December Full of Stars: The Dancers Who Will Bring Paris to Life

One of the great joys of this production is the brilliant succession of étoiles who will embody these unforgettable characters.

Amandine Albisson — A luminous and noble Esmeralda

Amandine brings grace, purity, and a classical refinement that enhances every role she dances. Her Esmeralda promises to be deeply musical and beautifully sculpted, blending fragility and inner fire.

Roxane Stojanov — Expressive, magnetic, unforgettable

Few dancers possess Roxane’s emotional honesty on stage. With her radiant presence and dramatic instinct, she gives Esmeralda a humanity that resonates long after the curtain falls. Her December 7 performance will surely be a highlight of the entire run.

Sae Eun Park — Ethereal strength and absolute artistry

The first Korean étoile in the company’s history, Sae Eun Park dances with a purity that feels almost supernatural. Light as a sigh yet anchored by formidable technique, she will bring an Esmeralda of poetry, delicacy, and quiet power.

Three interpretations, three worlds — each a gift for the audience.

And around them, an extraordinary ensemble of partners and stars:

Hugo Marchand, Jérémy-Loup Quer, Francesco Mura, Florent Melac, Pablo Legasa, Milo Avêque, among others. Their dramatic presence and physical artistry will sculpt Quasimodo, Frollo, and Phoebus in ways both powerful and heartbreaking.

🔍 Dates of Special Anticipation

• December 6 — Opening performance with Albisson & Marchand

• December 7 — The poetic combination of Stojanov & Quer

• December 17 — A brilliant cast led by Sae Eun Park & Francesco Mura

• December 25 & 30 — Cast mystery! Who will be Esmeralda? Paris waits in suspense…

And on December 12 & 16, the ballet will be recorded for a 2027 worldwide cinema release — proof of its enduring artistic weight.

🎭 The Opéra Bastille: A Stage Worthy of Legend

Vast, modern, and commanding, the Opéra Bastille is the perfect setting for such a monumental ballet. Every December performance is expected to be sold out, as always when ballet takes over this immense Parisian stage. The atmosphere will be electric, with audiences from all over the world gathering for an unforgettable artistic experience.

✨ A December to Remember

Roland Petit’s Notre-Dame de Paris is more than a ballet — it is a celebration of imagination, passion, and the power of dance to convey the deepest of human truths.

This 2025 revival, danced by the Paris Opera Ballet’s finest artists — including my beloved stars with color, drama, beauty, and emotion.

If you are lucky enough to be in Paris this December, prepare for a magical journey.

The cathedral bells will ring, the stage will blaze with color, and Roland Petit’s genius will live again in every step, every note, every heartbeat.

✨🩰 Paris awaits you.  And if you can't come to Paris, don't worry, it will be recorded and shown in cinemas worldwide, so that the ballet reaches all audiences and every corner of the planet, so that no one misses out on seeing this work of art.

Barcelona - Concert d'Any Nou

Le Gran Teatre del Liceu accueille l'année 2026 avec un concert d'ouverture d'une qualité exceptionnelle, un véritable tour de force qui touchera le cœur des mélomanes. Dès les premières notes, cette soirée promet non seulement une excellence musicale, mais aussi une atmosphère de fête, d'anticipation et de passion partagée pour l'art lyrique. Un programme qui captive immédiatement l'attention : soigneusement conçu, d'une grande richesse et porté par des artistes dont les noms résonnent déjà sur les scènes les plus prestigieuses du monde.

Au cœur de ce concert, un hommage aux grands piliers de la tradition lyrique italienne – Giuseppe Verdi, Gaetano Donizetti et Vincenzo Bellini – compositeurs dont la musique incarne les plus beaux idéaux du bel canto, de la vérité dramatique et de l'invention mélodique. Leurs œuvres exigent non seulement une prouesse vocale, mais aussi une intelligence stylistique, une profondeur émotionnelle et une compréhension instinctive du théâtre. Entendre ce répertoire confié à des voix d'un tel calibre est, tout simplement, un privilège.

La seule présence de Saioa Hernández suffirait à susciter l'enthousiasme. Soprano extraordinaire dotée d'une voix d'une amplitude, d'une brillance et d'une autorité dramatique remarquables, elle a déjà conquis le Liceu par des interprétations inoubliables. Sa Leonora dans La forza del destino a révélé une soprano capable de déployer toute la puissance et l'intensité émotionnelle verdiennes, tandis que sa Madama Butterfly a fait preuve d'une rare sensibilité aux nuances lyriques et à la fragilité tragique de Puccini. Avec La Gioconda à l'affiche en février prochain, son retour au Liceu est à la fois très attendu et tout à fait naturel.

Dans ce concert, Hernández revisite un répertoire qui est au cœur même de son art. Lady Macbeth de Verdi – l'une des créations les plus complexes psychologiquement et les plus exigeantes vocalement du compositeur – lui offre l'occasion de déployer une force dramatique intense, une déclamation incisive et une puissance vocale aux sonorités sombres. C'est un rôle qui captive le public et ne laisse personne indifférent. Son Puccini, quant à lui, promet chaleur, tendresse et cette aura si particulière qui a fait d'elle une véritable spécialiste de ce répertoire.

À ses côtés, Xabier Anduaga, un ténor à l'ascension fulgurante, est tout simplement extraordinaire. À seulement trente ans, il a déjà réalisé le rêve de nombreux chanteurs : la consécration internationale au Metropolitan Opera de New York. Son récent triomphe dans La sonnambula, aux côtés de la rayonnante Nadine Sierra, fut bien plus qu'un succès : un véritable phénomène. La critique fut dithyrambique, les unes des revues spécialisées louèrent son élégance vocale et son raffinement stylistique, et le public répondit avec un enthousiasme débordant.

Pendant des semaines, Manhattan ne parla que de lui. Dans les cafés chics qui entourent le Lincoln Center, dans les restaurants intimistes fréquentés par le gratin new-yorkais, et au sein des cercles lyriques les plus exigeants de la ville, les conversations tournaient inévitablement autour du jeune ténor espagnol qui avait traversé l'Atlantique et conquis l'un des publics les plus exigeants au monde. Les mélomanes ont voyagé depuis les États voisins et au-delà, atterrissant à JFK, LaGuardia ou Newark, pour se rendre au Metropolitan Opera House et assister à la complicité du duo le plus en vue de la saison. Un succès qui propulse une carrière prometteuse sur la scène internationale.

Après cet immense triomphe à Manhattan, Anduaga revient à Barcelone – une ville qui le connaît et l’admire déjà – pour offrir des prestations qui promettent d’être tout aussi brillantes. Lucia di Lammermoor de Donizetti lui permet de déployer l’agilité, la luminosité et l’ardeur juvénile qui sont devenues sa marque de fabrique, tandis que La Bohème offre une intimité lyrique et une chaleur poétique. L’intégration d’airs espagnols ajoute une touche personnelle et affectueuse, nous rappelant ses racines et renforçant le lien émotionnel avec le public. Et, comme souvent lors des soirées de gala de ce calibre, on peut s’attendre à un rappel surprise qui viendra couronner la soirée – ces moments spontanés qui restent gravés dans les mémoires bien après que les derniers applaudissements se soient tus.

La dimension orchestrale de la soirée est tout aussi captivante. Le programme s'enrichit d'une succession d'ouvertures et d'intermèdes qui offrent à la fois contraste et continuité : l'exubérante Semiramide de Rossini, la noble Norma de Bellini, les grandioses Vêpres siciliennes de Verdi, la pétillante Chauve-Souris de Strauss, la profondément expressive Cavalleria rusticana de Mascagni et l'évocateur Le villi de Puccini. Ces œuvres sont bien plus que de simples préludes ; elles sont de véritables démonstrations de la richesse de la palette orchestrale, de la vitalité rythmique et de la profondeur expressive des voix. Elles permettent à l'Orchestre du Gran Teatre del Liceu, en collaboration avec l'Orchestre de Venise, de déployer toute l'étendue de leur art, leur précision et leur puissance sonore.

Si les chanteurs constituent le cœur émotionnel de la soirée, les orchestres en constituent la structure, façonnant le drame, sublimant les voix et nous rappelant la cohésion de l'ensemble.

The Gran Teatre del Liceu welcomes the year 2026 with an opening concert of exceptional distinction, a true tour de force that speaks directly to the hearts of opera lovers. From the very first bars, this evening promises not only musical excellence, but also an atmosphere of celebration, anticipation, and shared devotion to the art of opera. It is the sort of programme that immediately commands attention: carefully curated, richly varied, and crowned by artists whose names already resonate on the most prestigious stages of the world.

At its core, the concert pays homage to the great pillars of the Italian operatic tradition—Giuseppe Verdi, Gaetano Donizetti, and Vincenzo Bellini—composers whose music embodies the noblest ideals of bel canto, dramatic truth, and melodic invention. Their works demand not only vocal prowess, but stylistic intelligence, emotional depth, and an instinctive understanding of theatre. To hear this repertoire entrusted to voices of such calibre is, quite simply, a privilege.

The presence of Saioa Hernández alone would be reason enough for excitement. An extraordinary soprano endowed with a voice of remarkable amplitude, brilliance, and dramatic authority, she has already conquered the Liceu with performances that linger vividly in the memory. Her Leonora in La forza del destino revealed a soprano capable of Verdian breadth and emotional intensity, while her Madama Butterfly displayed a rare sensitivity to Puccini’s lyrical nuance and tragic fragility. With La Gioconda soon to follow in February, her return to the Liceu feels both eagerly awaited and entirely natural.

In this concert, Hernández revisits repertoire that lies at the very heart of her artistry. Verdi’s Lady Macbeth—one of the composer’s most psychologically complex and vocally demanding creations—offers her the opportunity to unleash dramatic ferocity, incisive declamation, and darkly coloured vocal power. It is a role that thrills audiences and leaves no one indifferent. Her Puccini, meanwhile, promises warmth, tenderness, and that unmistakable glow which has made her a true specialist in this repertoire.

Sharing the stage with her is Xabier Anduaga, a tenor whose meteoric rise has been nothing short of extraordinary. Still only thirty years old, he has already achieved what many singers only dream of: international acclaim at the Metropolitan Opera in New York. His recent triumph in La sonnambula alongside the radiant Nadine Sierra was not merely a success—it was a phenomenon. The critical response was ecstatic, front pages of specialised journals praised his vocal elegance and stylistic refinement, and audiences responded with unrestrained enthusiasm.

For weeks, Manhattan seemed to speak of little else. In the refined cafés surrounding Lincoln Center, in intimate restaurants known only to New York’s cultural cognoscenti, and within the city’s most discerning operatic circles, conversations inevitably turned to the young Spanish tenor who had flown across the Atlantic and captivated one of the world’s most demanding audiences. Opera lovers travelled from neighbouring states and beyond, arriving at JFK, LaGuardia, or Newark, making their way to the Metropolitan Opera House simply to witness the chemistry of the season’s most talked-about pairing. It was the kind of success that transforms a promising career into a fully fledged international presence.

Now, after that immense Manhattan triumph, Anduaga returns to Barcelona—a city that already knows and admires him—to offer performances that promise equal brilliance. Donizetti’s Lucia di Lammermoor allows him to display the agility, luminosity, and youthful ardour that have become his signature, while La bohème offers lyrical intimacy and poetic warmth. His inclusion of Spanish arias adds a personal and affectionate touch, reminding us of his roots and deepening the emotional connection with the audience. And, as so often in gala evenings of this calibre, one suspects that a surprise encore may well crown the night—those spontaneous moments that remain etched in memory long after the final applause fades.

The orchestral dimension of the evening is equally compelling. The programme is enriched by a succession of overtures and intermezzi that offer both contrast and continuity: Rossini’s exuberant Semiramide, Bellini’s noble Norma, Verdi’s grand I vespri siciliani, Strauss’s sparkling Die Fledermaus, Mascagni’s deeply expressive Cavalleria rusticana, and Puccini’s evocative Le villi. These works are far more than preludes; they are showcases of orchestral colour, rhythmic vitality, and expressive depth. They allow the Orchestra of the Gran Teatre del Liceu, together with the Orchestra of Venice, to demonstrate the full measure of their artistry, precision, and sonic power.

While the singers may be the emotional focal point of the evening, the orchestras provide its architectural foundation—shaping the drama, illuminating the voices, and reminding us of the collective brilliance that opera demands. This balance between vocal splendour and orchestral excellence is precisely what makes such concerts feel complete, satisfying, and profoundly moving.

Everything about this event suggests perfection of design: the repertoire, the performers, the orchestral forces, and the setting itself. Among friends, colleagues, and fellow aficionados, anticipation is palpable. Conversations are already filled with expectation, memories of past triumphs, and the quiet certainty that something truly special is approaching.

To begin the year in this way—to stand at the threshold of 2026 with music of such nobility and artists of such distinction—is a rare gift. The countdown has begun, the excitement is growing, and the promise of a truly unforgettable evening hangs in the air. Few openings to a new year could be more radiant, more refined, or more deeply satisfying for those who love opera.

Большой театр Лисеу встречает 2026 год концертом исключительного уровня, настоящим шедевром, который обращается непосредственно к сердцам любителей оперы. С первых же тактов этот вечер обещает не только музыкальное совершенство, но и атмосферу праздника, предвкушения и общей преданности искусству оперы. Это программа, которая сразу же привлекает внимание: тщательно составленная, богато разнообразная и увенчанная участием артистов, чьи имена уже звучат на самых престижных сценах мира.

В основе концерта лежит дань уважения великим столпам итальянской оперной традиции — Джузеппе Верди, Гаэтано Доницетти и Винченцо Беллини — композиторам, чья музыка воплощает в себе благороднейшие идеалы бельканто, драматической правды и мелодической изобретательности. Их произведения требуют не только вокального мастерства, но и стилистического чутья, эмоциональной глубины и интуитивного понимания театра. Услышать этот репертуар в исполнении голосов такого калибра — это, без сомнения, большая привилегия.

Одно присутствие Сайоа Эрнандес уже само по себе вызывает восторг. Эта выдающаяся сопрано, обладающая голосом невероятной амплитуды, блеска и драматической силы, уже покорила Лисеу своими выступлениями, которые надолго остаются в памяти. Ее Леонора в «Силе судьбы» продемонстрировала сопрано, способное на вердиевскую широту и эмоциональную интенсивность, а Мадам Баттерфляй показала редкую чуткость к лирическим нюансам и трагической хрупкости Пуччини. В преддверии «Ла Джоконды», которая состоится в феврале, ее возвращение в Лисеу кажется одновременно долгожданным и совершенно естественным.

В этом концерте Эрнандес вновь обращается к репертуару, который лежит в основе ее мастерства. Леди Макбет Верди — одно из самых психологически сложных и вокально требовательных творений композитора — предоставляет ей возможность продемонстрировать драматическую ярость, проницательную декламацию и мощную, темную вокальную игру. Эта роль восхищает публику и никого не оставляет равнодушным. Ее исполнение партии Пуччини, тем временем, обещает теплоту, нежность и то неповторимое сияние, которое сделало ее настоящим специалистом в этом репертуаре. 

На одной сцене с ней выступает Хавьер Андуага, тенор, чей стремительный взлет был поистине необыкновенным. В свои тридцать лет он уже достиг того, о чем многие певцы только мечтают: международного признания в Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Его недавний триумф в «Сомнамбуле» вместе с блистательной Надин Сьерра был не просто успехом — это был феномен. Критическая реакция была восторженной, первые полосы специализированных журналов восхваляли его вокальную элегантность и стилистическую утонченность, а публика отвечала безудержным энтузиазмом. 

Несколько недель в Манхэттене, казалось, говорили только о себе. В изысканных кафе вокруг Линкольн-центра, в уютных ресторанчиках, известных лишь нью-йоркским ценителям культуры, и в самых искушенных оперных кругах города разговоры неизбежно переходили к молодому испанскому тенору, который перелетел через Атлантику и покорил одну из самых требовательных публик в мире. Любители оперы приезжали из соседних штатов и даже издалека, прибывая в аэропорты имени Кеннеди, Ла-Гуардия или Ньюарк, чтобы попасть в Метрополитен-опера просто для того, чтобы увидеть химию самого обсуждаемого дуэта сезона. Это был тот самый успех, который превращает многообещающую карьеру в полноценную международную известность. 

Теперь, после этого грандиозного манхэттенского триумфа, Андуага возвращается в Барселону — город, который уже знает и восхищается им, — чтобы предложить выступления, которые обещают быть столь же блестящими. «Лючия ди Ламмермур» Доницетти позволяет продемонстрировать ловкость, сияние и юношеский пыл, ставшие его визитной карточкой, а «Богема» предлагает лирическую интимность и поэтическую теплоту. Включение испанских арий добавляет личный и трогательный оттенок, напоминая о его корнях и углубляя эмоциональную связь с публикой. И, как это часто бывает на гала-вечерах такого уровня, можно предположить, что неожиданный выход на бис вполне может увенчать вечер — те спонтанные моменты, которые надолго остаются в памяти после того, как стихнут финальные аплодисменты.

Оркестровая составляющая вечера также впечатляет. Программа обогащена чередой увертюр и интермеццо, которые создают как контраст, так и преемственность: жизнерадостная «Семирамида» Россини, благородная «Норма» Беллини, грандиозные «Сицилийские вечерни» Верди, искрящаяся «Летучая мышь» Штрауса, глубоко выразительная «Сельская честь» Масканьи и проникновенная «Жилища» Пуччини. Эти произведения — гораздо больше, чем просто прелюдии; они демонстрируют оркестровую палитру, ритмическую живость и выразительную глубину. Они позволяют Оркестру Большого театра Лисеу вместе с Венецианским оркестром в полной мере показать свое мастерство, точность и звуковую мощь.

Хотя певцы могут быть эмоциональным центром вечера, оркестры обеспечивают его архитектурную основу — формируя драму, освещая голоса и напоминая нам о коллективе.

Il Gran Teatro del Liceu accoglie il 2026 con un concerto di eccezionale caratura, un vero capolavoro che parla direttamente al cuore degli amanti dell'opera. Fin dalle prime battute, questa serata promette non solo perfezione musicale, ma anche un'atmosfera di festa, attesa e devozione condivisa all'arte dell'opera. È un programma che cattura immediatamente l'attenzione: composto con cura, riccamente vario e coronato dalla partecipazione di artisti i cui nomi risuonano già sui palcoscenici più prestigiosi del mondo.

Al centro del concerto c'è un omaggio ai grandi pilastri della tradizione operistica italiana – Giuseppe Verdi, Gaetano Donizetti e Vincenzo Bellini – compositori la cui musica incarna i più nobili ideali di belcanto, verità drammatica e ingegno melodico. Le loro opere richiedono non solo padronanza vocale, ma anche sensibilità stilistica, profondità emotiva e una comprensione intuitiva del teatro. Ascoltare questo repertorio eseguito da voci di tale calibro è senza dubbio un grande privilegio.

La sola presenza di Saioa Hernández è una delizia. Questo soprano eccezionale, dotato di una voce di incredibile estensione, brillantezza e potenza drammatica, ha già conquistato il Liceu con interpretazioni che rimangono impresse nella memoria. La sua Leonora ne La forza del destino ha dimostrato un soprano capace di un'ampiezza e di un'intensità emotiva verdiane, mentre Madama Butterfly ha rivelato una rara sensibilità per le sfumature liriche e la tragica fragilità di Puccini. In vista de La Gioconda a febbraio, il suo ritorno al Liceu appare al tempo stesso atteso e del tutto naturale.

In questo concerto, Hernández si dedica ancora una volta al repertorio che costituisce il nucleo della sua arte. Lady Macbeth di Verdi, una delle opere più complesse dal punto di vista psicologico e vocalmente impegnative del compositore, le offre l'opportunità di sfoggiare una furia drammatica, una declamazione penetrante e una performance vocale potente e cupa. Questo ruolo delizia il pubblico e non lascia nessuno indifferente. La sua interpretazione di Puccini, nel frattempo, promette calore, tenerezza e quella radiosità unica che l'ha resa una vera specialista di questo repertorio.

A condividere il palco con lei c'è Javier Anduaga, un tenore la cui ascesa fulminea è stata davvero straordinaria. A trent'anni, ha già raggiunto ciò che molti cantanti sognano: il riconoscimento internazionale al Metropolitan Opera di New York. Il suo recente trionfo ne La Sonnambula, accanto alla brillante Nadine Sierra, è stato più di un semplice successo: è stato un fenomeno. La critica è stata entusiasta, le prime pagine delle riviste specializzate ne hanno elogiato l'eleganza vocale e la raffinatezza stilistica, e il pubblico ha risposto con entusiasmo incontenibile.

Per diverse settimane, è sembrato che tutti a Manhattan parlassero solo di sé. Negli eleganti caffè intorno al Lincoln Center, negli accoglienti ristoranti noti solo agli intenditori di cultura newyorkesi e nei circoli operistici più sofisticati della città, la conversazione si è inevitabilmente spostata sul giovane tenore spagnolo che aveva attraversato l'Atlantico e aveva affascinato uno dei pubblici più esigenti del mondo. Gli amanti dell'opera hanno viaggiato dagli stati vicini e anche da più lontano, arrivando agli aeroporti Kennedy, LaGuardia e Newark per assistere al Metropolitan Opera semplicemente per assistere all'alchimia del duo più chiacchierato della stagione. È stato il tipo di successo che trasforma una promettente carriera in una fama internazionale a pieno titolo.

Ora, dopo questo monumentale trionfo a Manhattan, Anduaga torna a Barcellona, ​​una città che già lo conosce e lo ammira, per offrire spettacoli che promettono di essere altrettanto brillanti. La "Lucia di Lammermoor" di Donizetti mette in mostra la destrezza, la radiosità e l'ardore giovanile che sono diventati il ​​suo marchio di fabbrica, mentre "La Bohème" offre intimità lirica e calore poetico. L'inclusione di arie spagnole aggiunge un tocco personale e toccante, richiamando le sue radici e approfondendo il legame emotivo con il pubblico. E, come spesso accade in gala di questo calibro, ci si aspetterebbe un bis a sorpresa a coronamento della serata: quei momenti spontanei che rimangono nella memoria a lungo dopo che l'applauso finale si è spento.

Il contributo orchestrale alla serata è stato altrettanto impressionante. Il programma è arricchito da una serie di ouverture e intermezzi che creano contrasto e continuità: la gioiosa Semiramide di Rossini, la nobile Norma di Bellini, i grandiosi Vespri Siciliani di Verdi, lo scintillante Pipistrello di Strauss, la profondamente espressiva Cavalleria Rusticana di Mascagni e il sentito Casas di Puccini. Queste opere sono molto più che semplici preludi; mettono in mostra la tavolozza orchestrale, la vivacità ritmica e la profondità espressiva. Permettono all'Orchestra del Gran Teatro del Liceu, insieme all'Orchestra di Venezia, di dimostrare appieno la propria maestria, precisione e potenza sonora.

Se i cantanti possono essere il centro emotivo della serata, le orchestre ne costituiscono il fondamento architettonico, plasmando il dramma, illuminando le voci e ricordandoci l'ensemble.

El Gran Teatro del Liceu da la bienvenida al 2026 con un concierto de excepcional calibre, una auténtica obra maestra que llega directamente al corazón de los amantes de la ópera. Desde los primeros compases, esta velada promete no solo perfección musical, sino también un ambiente de celebración, expectación y devoción compartida por el arte operístico. Un programa que capta la atención de inmediato: cuidadosamente compuesto, rico y variado, coronado por la participación de artistas cuyos nombres ya resuenan en los escenarios más prestigiosos del mundo.

El corazón del concierto es un homenaje a los grandes pilares de la tradición operística italiana: Giuseppe Verdi, Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini, compositores cuya música encarna los ideales más nobles del bel canto, la veracidad dramática y el ingenio melódico. Sus obras exigen no solo maestría vocal, sino también sensibilidad estilística, profundidad emocional y una comprensión intuitiva del teatro. Escuchar este repertorio interpretado por voces de tal calibre es, sin duda, un gran privilegio.

La sola presencia de Saioa Hernández es un deleite. Esta excepcional soprano, con una voz de increíble registro, brillantez y fuerza dramática, ya ha cautivado al Liceu con interpretaciones que perduran en el recuerdo. Su Leonora en La fuerza del destino demostró una soprano capaz de una amplitud e intensidad emocional verdianas, mientras que Madama Butterfly reveló una sensibilidad poco común para los matices líricos y la trágica fragilidad de Puccini. A la espera de La Gioconda en febrero, su regreso al Liceu se siente tan esperado como completamente natural.

En este concierto, Hernández vuelve a recurrir al repertorio que constituye la esencia de su arte. Lady Macbeth de Verdi, una de las obras psicológicamente más complejas y vocalmente más exigentes del compositor, le ofrece la oportunidad de exhibir furia dramática, una declamación penetrante y una interpretación vocal poderosa y oscura. Este papel deleita al público y no deja a nadie indiferente. Su interpretación de Puccini, por su parte, promete calidez, ternura y ese brillo único que la ha convertido en una auténtica especialista en este repertorio.

Comparte escenario con ella Javier Anduaga, un tenor cuyo meteórico ascenso ha sido verdaderamente extraordinario. A sus treinta años, ya ha alcanzado lo que muchos cantantes solo sueñan: reconocimiento internacional en la Ópera Metropolitana de Nueva York. Su reciente triunfo en La Sonnambula, junto a la brillante Nadine Sierra, fue más que un éxito: fue un fenómeno. La crítica fue entusiasta, las portadas de las revistas especializadas elogiaron su elegancia vocal y sofisticación estilística, y el público respondió con un entusiasmo desenfrenado.

Durante varias semanas, parecía que en Manhattan todos hablaban solo de sí mismos. En los elegantes cafés del Lincoln Center, en los acogedores restaurantes conocidos solo por los conocedores de la cultura neoyorquina y en los círculos operísticos más sofisticados de la ciudad, la conversación inevitablemente giraba en torno al joven tenor español que había cruzado el Atlántico y cautivado a uno de los públicos más exigentes del mundo. Los amantes de la ópera viajaron desde estados vecinos e incluso desde lugares más lejanos, llegando a los aeropuertos Kennedy, LaGuardia y Newark para asistir a la Metropolitan Opera simplemente para presenciar la química del dúo más comentado de la temporada. Fue el tipo de éxito que transforma una carrera prometedora en fama internacional.

Ahora, tras este monumental triunfo en Manhattan, Anduaga regresa a Barcelona —una ciudad que ya lo conoce y admira— para ofrecer actuaciones que prometen ser igual de brillantes. "Lucia di Lammermoor" de Donizetti exhibe la destreza, el resplandor y el ardor juvenil que lo han convertido en su sello distintivo, mientras que "La Bohème" ofrece intimidad lírica y calidez poética. La inclusión de arias españolas añade un toque personal y conmovedor, recordando sus raíces y profundizando la conexión emocional con el público. Y, como suele ocurrir en galas de este calibre, cabría esperar un bis sorpresa para cerrar la velada: esos momentos espontáneos que perduran en la memoria mucho después de que se apaguen los aplausos finales. Las aportaciones orquestales a la velada fueron igualmente impresionantes. El programa se enriquece con una sucesión de oberturas e intermezzi que crean contraste y continuidad: la alegre Semiramide de Rossini, la noble Norma de Bellini, las grandiosas Vísperas Sicilianas de Verdi, el brillante Die Fledermaus de Strauss, la profundamente expresiva Cavalleria Rusticana de Mascagni y la emotiva Casas de Puccini. Estas obras son mucho más que simples preludios; exhiben paleta orquestal, vivacidad rítmica y profundidad expresiva. Permiten a la Orquesta del Gran Teatro del Liceu, junto con la Orquesta de Venecia, demostrar plenamente su habilidad, precisión y potencia sonora.

Si bien los cantantes pueden ser el centro emotivo de la velada, las orquestas proporcionan la base arquitectónica, moldeando el drama, iluminando las voces y recordándonos al conjunto.

Milan - The Sleeping Beauty - 18 December 2025 to 12 January 2026

This season’s Sleeping Beauty at the Teatro alla Scala is enriched not only by its extraordinary dancers and Tchaikovsky’s immortal score, but also by an exceptional artistic team whose work shapes every detail of this magnificent production. The choreographic supervision is entrusted to the distinguished Laurent Novis, with a meticulous choreographic revival curated by Sabrina Mallem, Laurent Novis, Béatrice Martel, and Lionel Delanoë, ensuring the transmission of the pure Nureyev tradition with precision, respect, and artistry.

The sumptuous sets and costumes, created by the Academy Award–winning Franca Squarciapino, envelop the audience in an opulent fairy-tale world: shimmering courtly gowns, luminous tutus, and regal settings that reflect the splendor of King Florestan’s palace and the magic of the enchanted forest. Andrea Giretti’s lighting design enhances the atmosphere of each moment, from the crystalline light of the fairies’ realm to the dramatic shadows that accompany Carabosse’s curse.

At the podium, the brilliant conductor Kevin Rhodes—a true expert in the music of Tchaikovsky—guides the Orchestra del Teatro alla Scala with mastery, sensitivity, and power. Rhodes is renowned for his deep understanding of ballet phrasing and his exceptional ability to support the dancers while revealing every nuance of Tchaikovsky’s rich, majestic score. His presence ensures that each performance becomes a perfect union of music and dance.

This holiday season, the Teatro alla Scala in Milan opens its doors to a truly monumental event: the premiere of The Sleeping Beauty, one of the greatest masterpieces in the history of ballet, composed by Pyotr Ilyich Tchaikovsky. 

Since its original premiere in St. Petersburg in 1890, this ballet has been celebrated as a triumph of music, choreography, and storytelling, embodying the very essence of classical ballet. Tchaikovsky himself considered The Sleeping Beauty among his finest creations, expressing in his letters both the pride and joy he felt in composing the score. Unlike his symphonies or operas, the ballet allowed Tchaikovsky to explore a combination of technical brilliance, narrative clarity, and lyrical beauty, writing music that perfectly complements the dancers’ movements while conveying the richness of the story.

Tchaikovsky had already revolutionized ballet with Swan Lake (1875-76), but with The Sleeping Beauty, he reached the zenith of his compositional mastery. He collaborated with the choreographer Marius Petipa, creating a ballet in which every musical phrase is tailored to precise steps, variations, and ensembles. Petipa’s choreography demanded technical brilliance from the dancers, while Tchaikovsky’s score provided musical depth, sophistication, and elegance. The 1890 premiere in St. Petersburg was a landmark: audiences marveled at the precision of the dancers, the lavishness of the production, and the musical sophistication of the score, which to this day remains a benchmark for classical ballet companies worldwide.

Since then, The Sleeping Beauty has become a rite of passage for ballerinas and danseurs étoiles alike. Its lead roles—Princess Aurora and Prince Désiré—require impeccable technique, musicality, and dramatic presence. Aurora must embody grace, purity, and charm, while Prince Désiré conveys nobility, heroism, and expressive sensitivity. The ballet also features unforgettable character roles, such as the wicked fairy Carabosse, and the Lilac Fairy, whose variations are both technically challenging and deeply expressive.

The Scala Production

This year, Teatro alla Scala presents The Sleeping Beauty in a sumptuous production staged and choreographed by the legendary Rudolf Nureyev. Nureyev’s vision masterfully combines the rigor and precision of Russian classical ballet with the warmth, elegance, and expressivity of the Italian school. His choreography honors the original Petipa structure while infusing it with vitality and dramatic nuance. Every variation, every ensemble, and every pas de deux has been meticulously refined to highlight the dancers’ technical brilliance and musical sensitivity.

Nicholas Georgiadis’ sets and costumes transport audiences into a fairy-tale kingdom of magical gardens, glittering royal palaces, and enchanted forests. His designs, renowned for their attention to detail, reflect the splendor of the court of King Florestan and Queen Lakmé, where Aurora grows from an innocent child into a radiant princess. Andrea Giretti’s lighting design enhances each scene, bathing the stage in ethereal colors—from soft, dreamlike glows during Aurora’s childhood to dramatic, intense illumination during Carabosse’s curse and the climactic wedding scene.

The music, of course, is Tchaikovsky at his very best. The overture sets the tone with its ceremonial grandeur, and every act reveals the composer’s genius: delicate harp glissandi accompany Aurora’s entrance, noble brass herald Prince Désiré, and shimmering strings convey the sparkling magic of the fairies. Tchaikovsky’s use of leitmotifs ensures that each character is musically defined, a technique he refined in his symphonies and operas, now perfectly adapted for ballet.

Performances and Principal Cast

At the heart of this production is Nicoletta Manni, the Etoile of La Scala, performing the iconic role of Princess Aurora. Manni is widely regarded as the very best ballerina of the company, a dancer of unparalleled technique, musicality, and artistry. I have had the privilege of seeing her perform many times, and each appearance is a revelation: her Aurora radiates grace, elegance, and charm, while her precision and musical sensitivity elevate every moment of the performance. Witnessing her live is a joy, a rare opportunity to see perfection in motion.

Nicoletta Manni will perform five performances during this season: the premiere on 18 December, 31 December, 3, 7, and 10 January 2026. Alongside her, Timofej Andrijashenko will perform as Prince Désiré during the premiere and New Year’s Eve, forming a partnership of extraordinary artistry, technical brilliance, and emotional depth.

Other principal casts are equally stellar, making every performance a dream:

• Alice Mariani as Aurora with Navrin Turnbull as Désiré

• Martina Arduino as Aurora with Mattia Semperboni as Désiré

• Camilla Cerulli as Aurora with Navrin Turnbull as Désiré on 11 January, giving audiences a rare chance to see the company’s soloists shine in these demanding roles

The Rising Star: Camilla Cerulli

Among the great joys of this production is the chance to witness the artistic growth of Camilla Cerulli, a luminous soloist of the company whose versatility, elegance, and immaculate technique make her one of the most exciting young artists at La Scala. During this series of performances, audiences will be able to discover her in several key roles.

Throughout December and January, Camilla Cerulli dances:

• One of the Fairies in the Prologue

• Princess Florine in the enchanting Bluebird Pas de Deux

• AND, most remarkably, she will make her debut as Princess Aurora

Her interpretation of Princess Florine will be seen on 7 January, partnering with Edward Cooper as the Blue Bird, one of the most technically demanding male roles in the entire classical repertoire. The Bluebird Pas de Deux is a moment of pure magic: its fast, sparkling footwork and delicate musicality require exceptional precision, and Edward Cooper’s debut here is eagerly awaited. Together, Cooper and Cerulli promise a performance filled with brilliance, charm, and youthful energy.

A Night to Mark in Gold: 11 January 2026

But the most anticipated moment for ballet lovers will undoubtedly be Sunday, 11 January 2026, when Camilla Cerulli steps onstage as Princess Aurora for the first time in her career.
She will be partnered by Navrin Turnbull, a dancer of noble line, elegant technique, and expressive strength.

11 January will be a truly magical night—the kind of performance that ballet lovers treasure forever.
There is nothing quite like witnessing a dancer’s debut in one of the most iconic and challenging roles ever created. The mixture of artistry, nervous electricity, and genuine emotion that fills the theater on such evenings is unforgettable. Cerulli’s musicality, refined technique, and radiant presence make her an inspiring new Aurora, and her debut promises to be one of the highlights of the entire run.  It reminds me of when Myriam Ould-Braham made her debut as Aurora in 2004, years before she was promoted to première danseuse, and years later she was named étoile and danced the role of Aurora again as étoile. Now in Milan we have Camilla Cerulli who will also be making her debut as Aurora.

And wonderfully, audiences will have the opportunity to see both Auroras on 7 January:

• Nicoletta Manni, the incomparable Etoile, in the title role

• Camilla Cerulli, the future Aurora, dancing Princess Florine

Two exceptional artists sharing the same evening, each shining in her unique way—another date that must absolutely be marked in the calendar.

A Season of Pure Magic

With Nicoletta Manni, the radiant Etoile, leading the series with her five luminous Auroras; with brilliant principal dancers such as Timofej Andrijashenko, Alice Mariani, Martina Arduino, Navrin Turnbull, and Mattia Semperboni; with the enchanting debut of Camilla Cerulli; with Kevin Rhodes’ majestic command of Tchaikovsky’s music; and with the incomparable beauty of Nureyev’s choreography restored by an exceptional artistic team—this Sleeping Beauty becomes a celebration of everything that makes ballet eternal.

Each performance offers a different constellation of talents, and every cast is a dream.

La Scala invites its audience into a world of beauty, tradition, and wonder—where Tchaikovsky’s music glows, the dancers illuminate the stage, and the magic of classical ballet becomes a memory to treasure forever.

Each of these dancers brings a unique interpretation, while maintaining the highest standards of technique, musicality, and dramatic expression. Combined with the corps de ballet, they create a visual and musical tapestry of unparalleled beauty.

Act I: The Christening

The ballet opens with the lavish christening of Princess Aurora. The music is ceremonious and radiant, reflecting the grandeur of the royal court. The fairies present gifts to the newborn princess, each variation meticulously crafted by Nureyev to showcase precision, musicality, and character. Nicoletta Manni, though a child in the narrative, must convey the purity and potential of Aurora, already foreshadowing the elegance she will display as an adult. The overture to this act is instantly recognizable, with Tchaikovsky’s masterful orchestration signaling the magic and opulence of the setting.

Act II: Aurora’s Sixteenth Birthday

Aurora, now sixteen, is introduced in a series of exquisite variations. Nureyev’s choreography emphasizes clarity, musicality, and refinement. The princess dances with technical brilliance, performing steps that demand both strength and delicate artistry. The lilac fairy intervenes to counter Carabosse’s curse, and the contrast between the darkness of Carabosse’s malevolent presence and the light of the fairies is heightened by Tchaikovsky’s harmonic sophistication. Here, the full ensemble shines, with each variation reflecting the elegance of the Italian school fused with Russian classical technique.

Act III: The Vision of Prince Désiré and the Wedding

The final act, where Prince Désiré awakens Aurora with a kiss, is the culmination of both story and technique. The choreography reaches its zenith: pas de deux between Aurora and Désiré are breathtakingly lyrical, showcasing lifts, pirouettes, and expressive port de bras. The wedding scene offers grand ensembles, sparkling variations, and the final apotheosis, a dazzling combination of music, dance, and spectacle. Tchaikovsky’s score here is magnificent, combining thematic development, rhythmic vitality, and melodic beauty, ensuring that the audience leaves with a sense of awe and joy.

The Orchestra del Teatro alla Scala, one of the finest in the world, performs Tchaikovsky’s score with extraordinary precision, bringing each nuance, dynamic contrast, and lyrical phrase to life. The hall’s exceptional acoustics amplify every detail, from delicate strings and woodwinds to bold brass passages, ensuring that audiences experience the music in its full glory, just as Tchaikovsky intended.

Attending The Sleeping Beauty at La Scala is not merely seeing a ballet; it is an immersion in history, artistry, and magic. Nicoletta Manni, as the Etoile of the company, embodies the very essence of classical ballet, a dancer whose technical perfection and musical intelligence make her Aurora unforgettable. The other principal dancers are equally extraordinary, and every ensemble and variation reflects the culmination of centuries of tradition, training, and artistic excellence.

From the 18th of December 2025 to 12th of January 2026, audiences have a unique opportunity to witness this masterpiece performed by one of the world’s greatest ballet companies, with casts that are simply dreamlike. The Sleeping Beauty at La Scala is a testament to Tchaikovsky’s genius, Nureyev’s choreographic vision, and the brilliance of the dancers, promising an experience of enchantment, beauty, and technical perfection. It is a celebration of human artistry at its finest—a holiday season event not to be missed.

Italiano

In questo periodo di feste, il Teatro alla Scala di Milano apre le porte a un evento davvero monumentale: la prima de La Bella Addormentata, uno dei più grandi capolavori della storia del balletto, composto da Pëtr Il'ič Čajkovskij. Fin dalla sua prima rappresentazione a San Pietroburgo nel 1890, questo balletto è stato celebrato come un trionfo di musica, coreografia e narrazione, incarnando l'essenza stessa del balletto classico. Lo stesso Čajkovskij considerava La Bella Addormentata tra le sue creazioni più belle, esprimendo nelle sue lettere sia l'orgoglio che la gioia che provava nel comporne la partitura. A differenza delle sue sinfonie o opere, il balletto permise a Čajkovskij di esplorare una combinazione di brillantezza tecnica, chiarezza narrativa e bellezza lirica, scrivendo una musica che si integra perfettamente con i movimenti dei danzatori e trasmette al contempo la ricchezza della storia.

Čajkovskij aveva già rivoluzionato il balletto con Il Lago dei Cigni (1875-76), ma con La Bella Addormentata raggiunse l'apice della sua maestria compositiva. Collaborò con il coreografo Marius Petipa, creando un balletto in cui ogni frase musicale è adattata a passi, variazioni e ensemble precisi. La coreografia di Petipa richiedeva ai ballerini una brillantezza tecnica, mentre la partitura di Čajkovskij forniva profondità musicale, raffinatezza ed eleganza. La prima del 1890 a San Pietroburgo fu una pietra miliare: il pubblico rimase meravigliato dalla precisione dei ballerini, dalla sontuosità della produzione e dalla raffinatezza musicale della partitura, che ancora oggi rimane un punto di riferimento per le compagnie di balletto classico di tutto il mondo.

Da allora, La Bella Addormentata è diventata un rito di passaggio per ballerine e danseur étoiles. I suoi ruoli principali, la Principessa Aurora e il Principe Désiré, richiedono tecnica impeccabile, musicalità e presenza drammatica. Aurora deve incarnare grazia, purezza e fascino, mentre il Principe Désiré trasmette nobiltà, eroismo e sensibilità espressiva. Il balletto presenta anche ruoli di carattere indimenticabili, come la fata malvagia Carabosse e la Fata dei Lillà, le cui variazioni sono al tempo stesso tecnicamente impegnative e profondamente espressive.

Quest'anno, il Teatro alla Scala presenta La Bella Addormentata in una sontuosa produzione messa in scena e coreografata dal leggendario Rudolf Nureyev. La visione di Nureyev combina magistralmente il rigore e la precisione del balletto classico russo con il calore, l'eleganza e l'espressività della scuola italiana. La sua coreografia rende omaggio alla struttura originale di Petipa, infondendole vitalità e sfumature drammatiche. Ogni variazione, ogni ensemble e ogni passo a due è stato meticolosamente perfezionato per mettere in risalto la brillantezza tecnica e la sensibilità musicale dei danzatori.

Le scene e i costumi di Nicholas Georgiadis trasportano il pubblico in un regno fiabesco di giardini magici, palazzi reali scintillanti e foreste incantate. Le sue scenografie, rinomate per la loro attenzione ai dettagli, riflettono lo splendore della corte di Re Florestano e della Regina Lakmé, dove Aurora cresce da bambina innocente a principessa radiosa. Le luci di Andrea Giretti esaltano ogni scena, immergendo il palcoscenico in colori eterei: dai bagliori tenui e onirici dell'infanzia di Aurora, alle luci intense e drammatiche della maledizione di Carabosse e della scena culminante del matrimonio.

La musica, naturalmente, è Čajkovskij al suo meglio. L'ouverture stabilisce il tono con la sua grandiosità cerimoniale, e ogni atto rivela il genio del compositore: delicati glissandi d'arpa accompagnano l'ingresso di Aurora, il nobile araldo degli ottoni, il Principe Désiré, e gli archi scintillanti trasmettono la scintillante magia delle fate. L'uso dei leitmotiv da parte di Čajkovskij garantisce che ogni personaggio sia musicalmente definito, una tecnica che ha perfezionato nelle sue sinfonie e opere, ora perfettamente adattata al balletto. 

Al centro di questa produzione c'è Nicoletta Manni, l'Étoile del Teatro alla Scala, che interpreta l'iconico ruolo della Principessa Aurora. La Manni è ampiamente considerata la migliore ballerina della compagnia, una ballerina di tecnica, musicalità e maestria ineguagliabili. Ho avuto il privilegio di vederla esibirsi molte volte e ogni apparizione è una rivelazione: la sua Aurora irradia grazia, eleganza e fascino, mentre la sua precisione e sensibilità musicale esaltano ogni momento dello spettacolo. Assisterla dal vivo è una gioia, una rara opportunità di vedere la perfezione in movimento.

Nicoletta Manni si esibirà in cinque spettacoli durante questa stagione: la prima il 18 dicembre, il 31 dicembre, il 3, il 7 e il 10 gennaio 2026. Al suo fianco, Timofej Andrijashenko interpreterà il Principe Désiré durante la prima e la notte di Capodanno, formando una coppia di straordinaria maestria, brillantezza tecnica e profondità emotiva. 

Gli altri danzatori principali sono altrettanto stellari, rendendo ogni interpretazione un sogno: 

Alice Mariani nel ruolo di Aurora con Navrin Turnbull in quello di Désiré

Martina Arduino nel ruolo di Aurora con Mattia Semperboni in quello di Désiré

Camilla Cerulli interpreterà Aurora con Navrin Turnbull in Désiré l'11 gennaio, offrendo al pubblico la rara opportunità di vedere i solisti della compagnia brillare in questi ruoli impegnativi. 

Ognuno di questi ballerini offre un'interpretazione unica, mantenendo i più alti standard di tecnica, musicalità ed espressione drammatica. Insieme al corpo di ballo, creano un arazzo visivo e musicale di ineguagliabile bellezza.

Il balletto si apre con il sontuoso battesimo della principessa Aurora. La musica è solenne e radiosa, riflettendo la grandiosità della corte reale. Le fate offrono doni alla neonata principessa, ogni variazione è meticolosamente realizzata da Čajkovskij per mettere in risalto precisione, musicalità e carattere. Nicoletta Manni, sebbene bambina nella narrazione, deve trasmettere la purezza e il potenziale di Aurora, prefigurando già l'eleganza che dimostrerà da adulta. L'ouverture di questo atto è immediatamente riconoscibile, con la magistrale orchestrazione di Čajkovskij che sottolinea la magia e l'opulenza dell'ambientazione.

Aurora, ora sedicenne, viene presentata in una serie di squisite variazioni. La coreografia di Nureyev enfatizza chiarezza, musicalità e raffinatezza. La principessa danza con brillantezza tecnica, eseguendo passi che richiedono sia forza che delicata maestria. La fata dei lillà interviene per contrastare la maledizione di Carabosse, e il contrasto tra l'oscurità della presenza malevola di Carabosse e la luce delle fate è accentuato dalla raffinatezza armonica di Čajkovskij. Qui, l'intero ensemble risplende, con ogni variazione che riflette l'eleganza della scuola italiana fusa con la tecnica classica russa. 

L'atto finale, in cui il principe Désiré risveglia Aurora con un bacio, è il culmine sia della storia che della tecnica. La coreografia raggiunge il suo apice: i passi a due tra Aurora e Désiré sono di una liricità mozzafiato, con sollevamenti, piroette e un espressivo port de bras. La scena delle nozze offre grandiosi ensemble, variazioni scintillanti e l'apoteosi finale, una combinazione abbagliante di musica, danza e spettacolo. La partitura di Čajkovskij è magnifica, combinando sviluppo tematico, vitalità ritmica e bellezza melodica, assicurando al pubblico un senso di stupore e gioia. 

L'Orchestra del Teatro alla Scala, una delle migliori al mondo, esegue la partitura di Čajkovskij con straordinaria precisione, dando vita a ogni sfumatura, contrasto dinamico e fraseggio lirico. L'acustica eccezionale della sala amplifica ogni dettaglio, dai delicati archi e fiati agli audaci passaggi degli ottoni, garantendo al pubblico di vivere la musica in tutta la sua gloria, proprio come Čajkovskij l'aveva concepita.

Assistere a La Bella Addormentata al Teatro alla Scala non significa semplicemente assistere a un balletto; è un'immersione nella storia, nell'arte e nella magia. Nicoletta Manni, in qualità di Etoile della compagnia, incarna l'essenza stessa del balletto classico, una ballerina la cui perfezione tecnica e intelligenza musicale rendono la sua Aurora indimenticabile. Gli altri primi ballerini sono altrettanto straordinari, e ogni ensemble e variazione riflette il culmine di secoli di tradizione, formazione ed eccellenza artistica. 

Dal 18 dicembre 2025 al 12 gennaio 2026, il pubblico avrà un'opportunità unica di assistere a questo capolavoro eseguito da una delle più grandi compagnie di balletto al mondo, con cast semplicemente onirici. La Bella Addormentata al Teatro alla Scala è una testimonianza del genio di Čajkovskij, della visione coreografica di Nureyev e della brillantezza dei ballerini, promettendo un'esperienza di incanto, bellezza e perfezione tecnica. È una celebrazione dell'arte umana al suo meglio: un evento natalizio da non perdere.

Français

Pour les fêtes de fin d'année, le Teatro alla Scala de Milan ouvre ses portes à un événement véritablement monumental : la première de La Belle au bois dormant, l'un des plus grands chefs-d'œuvre de l'histoire du ballet, composé par Piotr Ilitch Tchaïkovski. Depuis sa création à Saint-Pétersbourg en 1890, ce ballet est célébré comme un triomphe de la musique, de la chorégraphie et de la narration, incarnant l'essence même du ballet classique. Tchaïkovski lui-même considérait La Belle au bois dormant comme l'une de ses plus belles créations, exprimant dans sa correspondance la fierté et la joie qu'il éprouvait en composant la partition. Contrairement à ses symphonies ou à ses opéras, ce ballet a permis à Tchaïkovski d'explorer une combinaison de virtuosité technique, de clarté narrative et de beauté lyrique, écrivant une musique qui accompagne à la perfection les mouvements des danseurs tout en traduisant la richesse du récit.

Tchaïkovski avait déjà révolutionné le ballet avec Le Lac des cygnes (1875-1876), mais avec La Belle au bois dormant, il a atteint le sommet de sa maîtrise compositeur. Il collabora avec le chorégraphe Marius Petipa, créant un ballet où chaque phrase musicale est adaptée à des pas, des variations et des ensembles précis. La chorégraphie de Petipa exigeait une virtuosité technique exceptionnelle des danseurs, tandis que la partition de Tchaïkovski offrait profondeur, sophistication et élégance. La première en 1890 à Saint-Pétersbourg fut un événement marquant : le public fut émerveillé par la précision des danseurs, la magnificence de la production et la sophistication musicale de la partition, qui demeure à ce jour une référence pour les compagnies de ballet classique du monde entier.

Depuis, La Belle au bois dormant est devenue un passage obligé pour les ballerines et les danseurs étoiles. Ses rôles principaux – la princesse Aurore et le prince Désiré – requièrent une technique irréprochable, une musicalité profonde et une présence dramatique intense. Aurore doit incarner la grâce, la pureté et le charme, tandis que le prince Désiré exprime la noblesse, l’héroïsme et une grande sensibilité. Le ballet présente également des rôles de personnages inoubliables, tels que la méchante fée Carabosse et la Fée des Lilas, dont les variations sont à la fois techniquement exigeantes et profondément expressives.

Cette année, le Teatro alla Scala présente La Belle au bois dormant dans une production somptueuse mise en scène et chorégraphiée par le légendaire Rudolf Noureev. La vision de Noureev allie avec brio la rigueur et la précision du ballet classique russe à la chaleur, l'élégance et l'expressivité de l'école italienne. Sa chorégraphie respecte la structure originale de Petipa tout en l'enrichissant de vitalité et de nuances dramatiques. Chaque variation, chaque ensemble et chaque pas de deux a été méticuleusement peaufiné pour mettre en valeur la virtuosité technique et la sensibilité musicale des danseurs.

Les décors et costumes de Nicholas Georgiadis transportent les spectateurs dans un royaume féerique de jardins magiques, de palais royaux étincelants et de forêts enchantées. Ses créations, réputées pour leur souci du détail, reflètent la splendeur de la cour du roi Florestan et de la reine Lakmé, où Aurore passe d'une enfant innocente à une princesse rayonnante. Les éclairages d'Andrea Giretti subliment chaque scène, baignant le plateau de couleurs éthérées : des lueurs douces et oniriques de l'enfance d'Aurore à une illumination intense et dramatique lors de la malédiction de Carabosse et de la scène du mariage.

La musique, bien sûr, est signée Tchaïkovski à son apogée. L'ouverture donne le ton par sa grandeur cérémonielle, et chaque acte révèle le génie du compositeur : de délicats glissandos de harpe accompagnent l'entrée d'Aurore, de nobles cuivres annoncent le prince Désiré, et des cordes chatoyantes traduisent la magie étincelante des fées. L'utilisation de leitmotivs par Tchaïkovski assure à chaque personnage une identité musicale, une technique qu'il a perfectionnée dans ses symphonies et ses opéras, et qui est ici parfaitement adaptée au ballet.

Interprétation et distribution principale:

Au cœur de cette production se trouve Nicoletta Manni, l'Étoile de La Scala, qui interprète le rôle emblématique de la princesse Aurore. Manni est largement considérée comme la meilleure ballerine de la compagnie, une danseuse à la technique, à la musicalité et à l'art inégalés. J'ai eu le privilège de la voir se produire à de nombreuses reprises, et chaque apparition est une révélation : son interprétation d'Aurore rayonne de grâce, d'élégance et de charme, tandis que sa précision et sa sensibilité musicale subliment chaque instant de la représentation. La voir en direct est un pur bonheur, une occasion rare d'admirer la perfection en mouvement.

Nicoletta Manni donnera cinq représentations cette saison : la première le 18 décembre, le 31 décembre, ainsi que les 3, 7 et 10 janvier 2026. À ses côtés, Timofej Andrijashenko interprétera le Prince Désiré lors de la première et du réveillon du Nouvel An, formant un duo d'une extraordinaire virtuosité, d'une grande finesse technique et d'une profonde émotion.

Les autres membres de la distribution principale sont tout aussi exceptionnels, faisant de chaque représentation un moment magique : 

Alice Mariani dans le rôle d'Aurore et Navrin Turnbull dans celui de Désiré 

Martina Arduino dans le rôle d'Aurore et Mattia Semperboni dans celui de Désiré

Camilla Cerulli dans le rôle d'Aurore et Navrin Turnbull dans celui de Désiré, le 11 janvier, offrent au public une occasion rare d'admirer les solistes de la compagnie briller dans ces rôles exigeants.

Chacun de ces danseurs apporte une interprétation unique, tout en maintenant un niveau d'excellence en matière de technique, de musicalité et d'expression dramatique. Associés au corps de ballet, ils créent une tapisserie visuelle et musicale d'une beauté incomparable.

Le ballet s'ouvre sur le somptueux baptême de la princesse Aurore. La musique, à la fois cérémonieuse et rayonnante, reflète la grandeur de la cour royale. Les fées offrent des présents à la princesse nouveau-née, chaque variation étant minutieusement orchestrée par Noureev pour mettre en valeur la précision, la musicalité et le caractère. Nicoletta Manni, bien qu'enfant dans le récit, doit exprimer la pureté et le potentiel d'Aurore, préfigurant déjà l'élégance qu'elle déploiera à l'âge adulte. L'ouverture de cet acte est immédiatement reconnaissable, la magistrale orchestration de Tchaïkovski annonçant la magie et l'opulence du décor.

Aurore, désormais âgée de seize ans, est présentée dans une série de variations exquises. La chorégraphie de Noureev met l'accent sur la clarté, la musicalité et le raffinement. La princesse danse avec une virtuosité technique remarquable, exécutant des pas qui exigent à la fois force et délicatesse. La fée des lilas intervient pour contrer la malédiction de Carabosse, et le contraste entre l'obscurité de la présence maléfique de Carabosse et la lumière des fées est accentué par la sophistication harmonique de Tchaïkovski. Ici, l'ensemble au complet brille, chaque variation reflétant l'élégance de l'école italienne fusionnée à la technique classique russe.

L'acte final, où le prince Désiré réveille Aurore d'un baiser, est l'apogée de l'histoire et de la technique. La chorégraphie atteint son apogée : les pas de deux entre Aurore et Désiré sont d'une beauté lyrique à couper le souffle, mettant en valeur portés, pirouettes et port de bras expressifs. La scène du mariage offre de grands ensembles, des variations étincelantes et une apothéose finale, une combinaison éblouissante de musique, de danse et de spectacle. La partition de Tchaïkovski est ici magnifique, alliant développement thématique, vitalité rythmique et beauté mélodique, assurant au public un sentiment d'émerveillement et de joie.

L'Orchestre du Teatro alla Scala, l'un des meilleurs au monde, interprète la partition de Tchaïkovski avec une précision extraordinaire, donnant vie à chaque nuance, contraste dynamique et phrase lyrique. L'acoustique exceptionnelle de la salle amplifie chaque détail, des cordes et des bois délicats aux passages audacieux des cuivres, permettant au public de vivre la musique dans toute sa splendeur, telle que Tchaïkovski l'avait conçue. 

Assister à La Belle au bois dormant à La Scala, c'est bien plus qu'assister à un simple ballet ; C'est une immersion dans l'histoire, l'art et la magie. Nicoletta Manni, étoile de la compagnie, incarne l'essence même du ballet classique. Danseuse d'une perfection technique et d'une intelligence musicale exceptionnelles, son interprétation d'Aurore est inoubliable. Les autres danseurs principaux sont tout aussi extraordinaires, et chaque ensemble, chaque variation, reflète l'aboutissement de siècles de tradition, de formation et d'excellence artistique. 

Du 18 décembre 2025 au 12 janvier 2026, le public aura l'occasion unique d'assister à ce chef-d'œuvre interprété par l'une des plus grandes compagnies de ballet au monde, avec une distribution tout simplement féérique. La Belle au bois dormant à La Scala témoigne du génie de Tchaïkovski, de la vision chorégraphique de Noureev et du talent des danseurs, promettant une expérience enchanteresse, d'une beauté et d'une perfection technique exceptionnelles. C'est une célébration de l'art humain à son apogée – un événement incontournable des fêtes de fin d'année.

Esta Navidad, el Teatro alla Scala de Milán presenta uno de los grandes acontecimientos del ballet internacional: La Bella Durmiente de Piotr Ilich Tchaikovsky, en la majestuosa versión coreográfica de Rudolf Nureyev. Desde su estreno en San Petersburgo en 1890, este ballet se ha convertido en el gran sueño de toda bailarina y en la obra más completa y brillante de Tchaikovsky, quien se sentía especialmente orgulloso de esta partitura.

La première tendrá lugar el 18 de diciembre de 2025 con la gran estrella de la compañía, Nicoletta Manni, Etoile de la Scala, en el papel de la Princesa Aurora, junto a Timofej Andrijashenko como el Príncipe Désiré. Nicoletta Manni es hoy considerada la máxima referencia del ballet italiano y una de las mejores bailarinas del mundo: perfección técnica, musicalidad absoluta y una presencia escénica única. Interpretará Aurora también los días 31 de diciembre, 3, 7 y 10 de enero, cinco oportunidades irrepetibles para verla en uno de los grandes roles de la historia del ballet.

Junto a ella, la Scala presenta un reparto de lujo con Alice Mariani, Martina Arduino, Navrin Turnbull, Mattia Semperboni y Camilla Cerulli, demostrando que todos los elencos son de auténtico ensueño. Con la música inmortal de Tchaikovsky interpretada por la extraordinaria orquesta del teatro, esta Bella Durmiente promete ser uno de los grandes eventos de la temporada europea.

Этой зимой легендарный театр Ла Скала в Милане представляет один из самых ожидаемых балетных событий сезона — «Спящую красавицу» Петра Ильича Чайковского в хореографии Рудольфа Нуреева. Этот балет, впервые представленный в Санкт-Петербурге в 1890 году, стал вершиной балетного творчества Чайковского, произведением, которым композитор особенно гордился.

Премьера состоится 18 декабря 2025 года с участием Николетты Манни, это́ль Ла Скала, в партии принцессы Авроры, и Тимофея Андрияшенко в роли принца Дезире. Николетта Манни считается сегодня самой выдающейся балериной театра и одной из лучших в мире — эталон техники, музыкальности и сценического совершенства. Она также исполнит роль Авроры 31 декабря, 3, 7 и 10 января.

В других составах выступят Аличе Мариани, Мартина Ардуино, Наврин Тёрнбулл, Маттиа Семпербони и Камилла Черулли — каждый спектакль обещает стать настоящим событием. В сопровождении великой музыки Чайковского и оркестра Ла Скала эта «Спящая красавица» станет подлинным праздником классического балета.

In der Weihnachtszeit präsentiert das Teatro alla Scala in Mailand eines der bedeutendsten Ballettereignisse der Saison: „Dornröschen“ von Pjotr Iljitsch Tschaikowski in der legendären Choreografie von Rudolf Nurejew. Seit der Uraufführung 1890 in St. Petersburg gilt dieses Werk als Höhepunkt des klassischen Balletts und als Tschaikowskis vollkommenstes Bühnenwerk, auf das er selbst besonders stolz war.

Die Premiere findet am 18. Dezember 2025 mit Nicoletta Manni, der Etoile der Scala, als Prinzessin Aurora statt, an der Seite von Timofej Andrijashenko als Prinz Désiré. Nicoletta Manni gilt heute als die führende Ballerina des Hauses und als eine der bedeutendsten Tänzerinnen der Welt — vollkommene Technik, außergewöhnliche Musikalität und einzigartige Bühnenpräsenz. Sie tanzt Aurora außerdem am 31. Dezember sowie am 3., 7. und 10. Januar.

Weitere Traumbesetzungen mit Alice Mariani, Martina Arduino, Navrin Turnbull, Mattia Semperboni und Camilla Cerulli garantieren, dass jede Vorstellung ein Ereignis für sich wird. Begleitet von der weltberühmten Scala-Orchester verspricht diese „Dornröschen“-Serie ein Highlight der europäischen Ballettsaison zu werden.