Paris - Giselle - 31 October 2025 ( last performance)

🌑 October 31 – The Night of the Wilis

Tonight, Friday, October 31, 2025, the Palais Garnier opens its doors to a world where reality dissolves, and magic reigns supreme. The veil between worlds grows thin. Shadows and moonlight stretch across the grand stage, and the forest of the Wilis rises, white and shimmering, ready to enact its timeless ritual of beauty, sorrow, and vengeance.

For weeks, the question has lingered over Paris: Who will be Giselle? Tonight, the mystery is revealed — the luminous Sae Eun Park will embody Giselle, the ideal, ethereal, and transcendent. She is not merely a performer; she is a living legend, carrying every audience member into the realm of the story, where love and forgiveness coexist with heartbreak and death. Her every movement is poetry, her every glance a spell. Each step, each turn, each delicate pause on the misted stage breathes life into the timeless legend of the young girl whose love is so pure that it transcends even death itself.

Opposite her, Germain Louvet becomes Albrecht — the perfect complement to Giselle, a partner of passion, regret, and devotion. Together, they will recreate the story that has haunted hearts for centuries: the love that blooms in innocence, the betrayal that shatters it, and the forgiveness that redeems it all. Each pas de deux is a conversation of souls, wordless yet filled with music, tension, and longing.

Clara Mousseigne reigns as Myrtha, Queen of the Wilis. Her presence is a vision of ice and command, each gesture slicing through the mist like moonlight on still water. Around her, the Wilis glide and float — ethereal, haunting, yet exquisite. Their sorrow is tempered by beauty, their vengeance softened by the music of Adolphe Adam.

And the night’s extraordinary cast surrounds these central figures, each contributing to the enchantment:

• Nicola Di Vico as Hilarion, steadfast, tragic, and devoted.

• Elizabeth Partington in the Pas de deux (paysanne), full of charm and technical brilliance.

• Théo Ghilbert in the Pas de deux (paysan), agile, joyful, and alive with energy.

• Rémi Singer-Gassner as the other Pas de deux (paysan), his dancing precise, spirited, and expressive.

• Jean-Baptiste Chavignier as Wilfried, commanding presence and exquisite technique.

• Le Duc de Courlande, regal and dignified, adding depth and narrative to the royal tableau.

Every detail of this night has been orchestrated to pull the audience into another world: the tremble of the violins, the hush of anticipation, the mist curling across the stage, the subtle shimmer of moonlight on countless skirts of tulle. Time itself seems to pause.

Sae Eun Park does not simply become Giselle; she channels every Giselle who has ever danced on the world’s stages — the grace of Dorothée Gilbert, the brilliance of Hannah O’Neill, the elegance of Héloïse Bourdon, the radiance of Amandine Albisson, the luminous artistry of Léonore Baulac — and yet she is wholly herself, a new incarnation, a Giselle reborn, glowing through the mist, touching every soul in the theatre.

Outside, Paris celebrates Halloween — masks, laughter, and candlelight flickering in windows. Inside the Palais Garnier, another world opens. The city, the streets, the distant hum of life — all vanish when the first trembling chords of Adam’s music sound. The audience holds its breath. The mist rises. And from the darkness, she appears. Giselle. Alive, fragile, eternal.

Tonight, the final Giselle of October — the last in this extraordinary series — will etch itself into memory. This is a night for the senses and the soul, a night when the theatre becomes a living forest, when the Wilis rise not only in dance but in spirit, and when the impossible becomes tangible: love beyond betrayal, forgiveness beyond death, beauty beyond words.

✨ Sae Eun Park — the divine Giselle, luminous and immortal.

✨ Germain Louvet — Albrecht, the perfect partner in love and sorrow.

✨ Clara Mousseigne — Myrtha, Queen of the Wilis, radiant and commanding.

✨ Nicola Di Vico — Hilarion, devoted and tragic.

✨ Elizabeth Partington — Pas de deux (paysanne), charming and brilliant.

✨ Théo Ghilbert — Pas de deux (paysan), agile and spirited.

✨ Rémi Singer-Gassner — Pas de deux (paysan), precise and expressive.

✨ Jean-Baptiste Chavignier — Wilfried, commanding and elegant.

✨ Le Duc de Courlande — regal, dignified, and noble.

✨ The Palais Garnier — a temple of wonder, where the veil lifts and the spirit of ballet reigns.

When the curtain falls and the last note fades into silence, the audience will leave in awe, carrying the echo of the music, the shimmer of mist, the memory of a Giselle who was more than a dancer. She was every soul who has loved, suffered, and forgiven. The Wilis will dissolve into the night, the moon will shine over Paris, and yet the magic will remain.

Tonight, the legend continues. Tonight, Giselle lives.

🌑 31 octobre – La Nuit des Wilis

Ce soir, vendredi 31 octobre 2025, le Palais Garnier ouvre ses portes sur un monde où la réalité se dissout et où la magie règne en maître. Le voile entre les mondes s'amincit. Ombres et clair de lune s'étendent sur la grande scène, et la forêt des Wilis se dresse, blanche et scintillante, prête à accomplir son rituel intemporel de beauté, de douleur et de vengeance.

Depuis des semaines, une question plane sur Paris : qui sera Giselle ? Ce soir, le mystère est levé : la lumineuse Sae Eun Park incarnera Giselle, l'idéal, l'éthérée, la transcendante. Elle n'est pas une simple interprète ; elle est une légende vivante, transportant chaque spectateur au cœur du récit, où l'amour et le pardon côtoient le chagrin et la mort. Chacun de ses mouvements est poésie, chacun de ses regards, enchantement. Chaque pas, chaque virage, chaque pause délicate sur la scène brumeuse insuffle la vie à la légende intemporelle de la jeune fille dont l'amour est si pur qu'il transcende même la mort.

Face à elle, Germain Louvet devient Albrecht – le complément parfait de Giselle, un partenaire de passion, de regret et de dévotion. Ensemble, ils recréeront l'histoire qui hante les cœurs depuis des siècles : l'amour qui éclot dans l'innocence, la trahison qui le brise et le pardon qui le rachète. Chaque pas de deux est un dialogue d'âmes, silencieux mais empli de musique, de tension et de désir.

Clara Mousseigne règne en Myrtha, Reine des Wilis. Sa présence est une vision de glace et d'autorité, chaque geste fendant la brume comme le clair de lune sur l'eau calme. Autour d'elle, les Wilis glissent et flottent – ​​éthérées, envoûtantes et pourtant exquises. Leur chagrin est tempéré par la beauté, leur vengeance adoucie par la musique d'Adolphe Adam.

Et la distribution exceptionnelle de cette soirée entoure ces figures centrales, contribuant chacune à la magie du spectacle :

Nicola Di Vico, dans le rôle d'Hilarion, inébranlable, tragique et dévoué.

Elizabeth Partington, dans le Pas de deux (paysanne), pleine de charme et d'une virtuosité technique remarquable.

Théo Ghilbert, dans le Pas de deux (paysan), agile, joyeux et débordant d'énergie.

Rémi Singer-Gassner, dans l'autre Pas de deux (paysan), dont la danse est précise, vive et expressive.

Jean-Baptiste Chavignier, dans le rôle de Wilfried, impose le respect par sa présence et son art.

Le Duc de Courlande, majestueux et digne, apporte profondeur et dimension narrative au tableau royal.

Chaque détail de cette soirée a été orchestré pour transporter le public dans un autre monde : le frémissement des violons, le silence de l'attente, la brume qui ondule sur scène, le subtil scintillement du clair de lune sur d'innombrables jupes de tulle. Le temps semble suspendu.

Sae Eun Park ne se contente pas d'incarner Giselle ; elle canalise toutes les Giselle qui ont foulé les scènes du monde entier – la grâce de Dorothée Gilbert, l'éclat d'Hannah O'Neill, l'élégance d'Héloïse Bourdon, le rayonnement d'Amandine Albisson, le génie lumineux de Léonore Baulac – et pourtant, elle est pleinement elle-même, une nouvelle incarnation, une Giselle renaissante, rayonnant à travers la brume, touchant chaque âme dans le théâtre.

Dehors, Paris célèbre Halloween : masques, rires et lueurs de bougies aux fenêtres. À l'intérieur du Palais Garnier, un autre monde s'ouvre. La ville, les rues, le murmure lointain de la vie – tout s'évanouit dès les premières notes vibrantes de la musique d'Adam. Le public retient son souffle. La brume se lève. Et des ténèbres, elle apparaît. Giselle. Vivante, fragile, éternelle.

Ce soir, la dernière Giselle d'octobre – la dernière de cette série extraordinaire – restera gravée dans les mémoires. C'est une nuit pour les sens et l'âme, une nuit où le théâtre se fait forêt vivante, où les Wilis s'élèvent non seulement par la danse mais aussi par l'esprit, et où l'impossible devient tangible : un amour au-delà de la trahison, un pardon au-delà de la mort, une beauté indicible.

✨ Sae Eun Park — la divine Giselle, lumineuse et immortelle.

✨ Germain Louvet — Albrecht, le partenaire idéal dans l'amour et le chagrin.

✨ Clara Mousseigne — Myrtha, Reine des Wilis, radieuse et imposante.

✨ Nicola Di Vico — Hilarion, dévoué et tragique.

✨ Elizabeth Partington — Pas de deux (paysanne), charmante et brillante.

✨ Théo Ghilbert — Pas de deux (paysan), agile et plein de fougue.

✨ Rémi Singer-Gassner — Pas de deux (paysan), précis et expressif.

✨ Jean-Baptiste Chavignier — Wilfried, imposant et élégant.

✨ Le Duc de Courlande — royal, digne et noble.

✨ Le Palais Garnier — un temple de la magie, où le voile se lève et où règne l'esprit du ballet.

Quand le rideau tombera et que la dernière note s'évanouira dans le silence, le public quittera la salle, émerveillé, emportant avec lui l'écho de la musique, le scintillement de la brume, le souvenir d'une Giselle qui était bien plus qu'une danseuse. Elle était chaque âme qui a aimé, souffert et pardonné. Les Wilis disparaîtront dans la nuit, la lune brillera sur Paris, et pourtant la magie demeurera.

Ce soir, la légende continue. Ce soir, Giselle est vivante.

Moscow - Don Quixote - Bolshoi- October 2025

 

Don Quixote at the Bolshoi: Three Nights of Spanish Brilliance

Moscow’s legendary Bolshoi Theatre is preparing to open its vast stage to one of the great jewels of the classical repertoire — Don Quixote. This autumn promises a celebration of youthful brilliance and artistic mastery as some of Russia’s most exciting rising stars take their turns as Kitri, alongside world-renowned principals and the orchestra’s sparkling interpretation of Minkus’ effervescent score.

The XIV Moscow International Ballet Competition proved to be a showcase of astonishing talent, and one of its brightest discoveries was Anastasia Smirnova, winner of the prestigious Second Prize in 2022. The first prize was not awarded, so we could say that we are facing the performance of the best Kitri winner of the contest. On October 29, ballet lovers will witness her debut as Kitri on the Bolshoi’s immense stage — a date that deserves a bold circle on every dance enthusiast’s calendar. Smirnova’s style blends clarity and precision with a vibrant, almost incandescent joy. Her fearless technique and natural charisma have already marked her as a dancer destined for international stardom, and her Kitri promises to be a landmark performance. Alexei Putintsev Basilio will offer us a fabulous performance, this artist who is currently a first soloist, there is no doubt that he will be a star of the company, we are facing an extraordinary cast full of youthful fire and Spanish flavor that will delight the audience who attend this evening of October 29, a memorable day for these young artists.

The festivities begin on October 28 with Maria Koshkaryova in the title role. Koshkaryova, another remarkable winner of the same competition, brings a radiant freshness and effortless virtuosity to Kitri. Her partner, the celebrated Denis Rodkin, one of the Bolshoi’s great male stars, will embody Basilio with his trademark panache and impeccable partnering. Together, they are expected to ignite the stage in a performance brimming with Spanish fire and Russian artistry.

On October 30, the series concludes with a cast that will thrill connoisseurs: Eleonora Sevenard, a ballerina beloved worldwide for her lyrical lines and fearless technical brilliance, steps into Kitri’s dazzling red dress. She will dance alongside the charismatic and superstar Vladislav Lantratov ¡¡¡

Across these three nights, Minkus’ jubilant score — played with characteristic brilliance by the Bolshoi Orchestra — will transport audiences straight to a sunlit, idealized Spain. With its bravura dances, glittering pas de deux, and folk-inspired rhythms, Don Quixote is both a celebration of pure dance and a showcase for the next generation of Russian ballet stars.

For fans of classical ballet, these performances feel like the perfect farewell to October: three nights of Don Quixote with three unforgettable Kitris. Smirnova, Koshkaryova, and Sevenard represent not only the future of Russian ballet but also the continuation of its golden tradition — dancers we will surely one day see as Odette and Odile, Giselle, and beyond.

This is ballet at its most thrilling — and Moscow, with its Bolshoi Theatre glittering in autumn light, is about to host an event for the ages.

Don Quichotte au Bolchoï : Trois Nuits de Splendeur Espagnole

Le légendaire Théâtre Bolchoï de Moscou s'apprête à ouvrir sa vaste scène à l'un des plus grands joyaux du répertoire classique : Don Quichotte. Cet automne promet une célébration de la jeunesse et de la maîtrise artistique, avec quelques-unes des étoiles montantes russes les plus prometteuses qui incarneront Kitri, aux côtés de solistes de renommée mondiale et de l'interprétation éclatante de la partition pétillante de Minkus par l'orchestre.

Le XIVe Concours International de Ballet de Moscou a été une vitrine de talents exceptionnels, et l'une de ses plus brillantes découvertes fut Anastasia Smirnova, lauréate du prestigieux Deuxième Prix en 2022. Le Premier Prix n'ayant pas été décerné, nous pouvons dire que nous assistons à la performance de la meilleure Kitri du concours. Le 29 octobre, les amateurs de ballet assisteront à ses débuts dans le rôle de Kitri sur l'immense scène du Bolchoï – une date à inscrire au calendrier de tout amateur de danse. Le style de Smirnova allie clarté et précision à une joie vibrante, presque incandescente. Sa technique audacieuse et son charisme naturel l'ont déjà propulsée au rang de danseuse promise à une célébrité internationale, et son Kitri promet d'être une performance marquante. Alexei Putintsev Basilio nous offrira une performance fabuleuse. Cet artiste, actuellement premier soliste, sera sans aucun doute une étoile de la compagnie. Nous sommes face à une distribution extraordinaire, pleine de fougue juvénile et de saveur espagnole, qui ravira le public de ce 29 octobre, une journée mémorable pour ces jeunes artistes.

Les festivités débuteront le 28 octobre avec Maria Koshkaryova dans le rôle-titre. Koshkaryova, autre lauréate remarquée du même concours, apporte à Kitri une fraîcheur rayonnante et une virtuosité naturelle. Son partenaire, le célèbre Denis Rodkin, l'une des grandes stars masculines du Bolchoï, incarnera Basilio avec le panache qui le caractérise et un partenariat impeccable. Ensemble, ils enflammeront la scène lors d'un spectacle débordant de feu espagnol et d'art russe.

Le 30 octobre, la série se conclura avec une distribution qui ravira les connaisseurs : Eleonora Sevenard, ballerine mondialement appréciée pour ses lignes lyriques et son audace technique, enfilera la robe rouge éclatante de Kitri. Elle dansera aux côtés du charismatique Ratmir Dzhumaliev, dont Basilio est réputé pour sa verve et son charme comique.

Au cours de ces trois soirées, la partition jubilatoire de Minkus, interprétée avec le brio caractéristique par l'Orchestre du Bolchoï, transportera le public directement dans une Espagne ensoleillée et idéalisée. Avec ses danses de bravoure, ses pas de deux scintillants et ses rythmes d'inspiration folklorique, Don Quichotte est à la fois une célébration de la danse pure et une vitrine pour la prochaine génération de stars du ballet russe.

Pour les amateurs de ballet classique, ces représentations sont un parfait adieu à octobre : trois soirées de Don Quichotte avec trois Kitri inoubliables. Smirnova, Koshkaryova et Sevenard représentent non seulement l'avenir du ballet russe, mais aussi la continuité de sa tradition dorée – des danseuses que nous retrouverons sûrement un jour sous les traits d'Odette et d'Odile, de Giselle et d'autres.

C'est le ballet à son apogée – et Moscou, avec son Théâtre Bolchoï scintillant sous la lumière automnale, s'apprête à accueillir un événement historique.

«Дон Кихот» в Большом: три вечера испанского великолепия

Легендарный московский Большой театр готовится открыть свою огромную сцену для одной из жемчужин классического репертуара — «Дон Кихота». Эта осень обещает праздник юного блеска и артистического мастерства: в партии Китри выступят одни из самых ярких восходящих российских звезд, а также всемирно известные ведущие солисты, а оркестр представит искрометную интерпретацию искрометной партитуры Минкуса.

XIV Московский международный конкурс артистов балета стал смотром поразительных талантов, и одним из его самых ярких открытий стала Анастасия Смирнова, обладательница престижной Второй премии 2022 года. Первая премия не была присуждена, поэтому можно сказать, что нас ждет выступление лучшей победительницы конкурса в роли Китри. 29 октября любители балета станут свидетелями ее дебюта в роли Китри на огромной сцене Большого — дата, которая заслуживает того, чтобы поместить ее в свой календарик каждый ценитель танца. Стиль Смирновой сочетает в себе ясность и точность с яркой, почти ослепительной радостью. Её бесстрашная техника и природная харизма уже сделали её танцовщицей, обречённой на международную славу, а её Китри обещает стать знаковым выступлением. Алексей Путинцев, Базиль, представит нам великолепное выступление. Этот артист, являющийся в настоящее время первым солистом, несомненно, станет звездой труппы. Перед нами необыкновенный состав, полный молодого огня и испанского колорита, который порадует публику, пришедшую сегодня вечером 29 октября, в памятный день для этих молодых артистов.

Праздник откроется 28 октября Марией Кошкарёвой в заглавной партии. Кошкарёва, ещё одна выдающаяся победительница того же конкурса, привнесёт в образ Китри сияющую свежесть и непринуждённую виртуозность. Её партнёр, прославленный Денис Родькин, один из величайших звёзд Большого театра, воплотит образ Базиля с его фирменным шармом и безупречным партнёрством. Вместе они, как ожидается, зажгут сцену в представлении, наполненном испанским огнем и русским мастерством.

30 октября сериал завершится выступлением артистов, которые порадуют знатоков: Элеонора Севенард, балерина, любимая во всем мире за лирические линии и бесстрашную технику, выйдет в ослепительно красном платье Китри. Она будет танцевать вместе с харизматичным и суперзвездой Владиславом Лантратовым.

В течение этих трех вечеров ликующая партитура Минкуса, исполненная с характерным блеском оркестром Большого театра, перенесет зрителей в залитую солнцем, идеализированную Испанию. «Дон Кихот» с его бравурными танцами, сверкающими па-де-де и народными ритмами — это одновременно и праздник чистого танца, и смотр для следующего поколения звезд российского балета.

Для поклонников классического балета эти спектакли станут идеальным прощанием с октябрем: три вечера «Дон Кихота» с тремя незабываемыми Китри. Смирнова, Кошкарёва и Севенард олицетворяют не только будущее русского балета, но и продолжение его золотой традиции — танцовщицы, которых мы обязательно когда-нибудь увидим в Одетте и Одиллии, Жизели и не только.

Это балет в самом захватывающем проявлении, и Москва, с её Большим театром, сверкающим в осеннем свете, готовится принять событие, которое запомнится на долгие годы.

Three Dates, Three Cities, Three Operas, Three Composers

In life, coincidences sometimes appear with such elegance that they feel almost meaningful, as if history itself had decided to leave a subtle signature. In this article, I would like to reflect on one of those coincidences that is particularly close to my heart, because it unites three of my favorite operas, written by three of the greatest composers in history, all premiered on the same calendar date: October 29.

• Wolfgang Amadeus Mozart – Don Giovanni – October 29, 1787

• Gaetano Donizetti – Roberto Devereux – October 29, 1837

• Giuseppe Verdi – La forza del destino – October 29, 1862

Three masterpieces, three different centuries, three different cities, and three completely different musical worlds—yet all connected by a single date.

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Mozart and the Birth of a Legend: Don Giovanni

Mozart composed Don Giovanni primarily in Vienna, completing the final preparations in Prague, where the opera was premiered. The first performance took place on Monday, October 29, 1787, and its success was immediate and overwhelming. It was one of those rare evenings in musical history when a masterpiece is instantly recognized as such.

Prague adored Mozart, and Don Giovanni was received with enthusiasm bordering on reverence. The opera combined dramatic depth, psychological complexity, humor, darkness, and extraordinary musical invention in a way that had never been heard before. Its blend of dramma giocoso and moral tragedy redefined what opera could be.

Today, Don Giovanni remains one of the most frequently performed operas in the world—arguably alongside Aida and Rigoletto. It has generated countless recordings, many of them extraordinary. Among the most memorable interpretations are those featuring Joan Sutherland and Maria Ewing, both unforgettable in their own ways. Personally, my favorite recording includes what I consider the finest Donna Anna in discography, sung by Edita Gruberova in the 1980s—a performance of exceptional vocal purity and dramatic intelligence.

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Donizetti, the Bel Canto Genius: Roberto Devereux

Exactly fifty years later, on Sunday, October 29, 1837, another great opera premiered: Roberto Devereux by Gaetano Donizetti, at the Teatro San Carlo in Naples.

Donizetti was one of the most prolific composers in history, having written more than seventy operas—an astonishing output by any standard. Yet quantity never diminished quality. Many of his works are true jewels of musical history, filled with melodies of extraordinary inspiration and emotional truth.

Donizetti was deeply influenced by his teachers and, ultimately, by Mozart himself. One can clearly hear Mozart’s elegance and balance transformed through Donizetti’s bel canto sensibility. And the lineage continues: there is something of Donizetti in Verdi. The young Verdi attended performances at La Scala in Milan when Donizetti was already famous, long before Verdi himself had premiered an opera. This quiet passing of influence from one generation to the next is one of the most beautiful aspects of operatic history.

Roberto Devereux is not performed as frequently as Don Giovanni, but every time it is staged, it becomes a major event. In recent decades, the opera has been rediscovered and reevaluated, largely thanks to Edita Gruberova, who is widely regarded as the greatest Queen Elisabetta ever to grace the stage. Fortunately, her performances live on in recordings that preserve her extraordinary artistry.

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Verdi and Destiny: La forza del destino

The third opera in this remarkable sequence is Giuseppe Verdi’s La forza del destino, which premiered on October 29, 1862, in Saint Petersburg, Russia.

By that time, Verdi was already the most famous opera composer in the world, and his presence at a world premiere was a global event. The opera was staged at the Bolshoi Theatre of Saint Petersburg—not to be confused with the Bolshoi in Moscow. At that time, Saint Petersburg also had a theater bearing that name.

That theater no longer exists today. It was destroyed by fire, a fate shared by many 19th-century theaters constructed largely of wood. While the performance hall was lost, parts of the building—such as the façade and interior vestibule—were preserved. History offers many similar examples: La Fenice in Venice, the Liceu in Barcelona, and other great theaters that burned and were later rebuilt. The Liceu fire of 1994 and La Fenice’s destruction a few years later are among the most recent reminders of how fragile these cultural temples once were.

La forza del destino was a great success, and Verdi and his wife, Giuseppina Strepponi, spent a wonderful period in Russia. They had traveled there twice; the first attempt failed due to the illness of the soprano, but the second visit—on that now-famous October 29, 1862—went exactly as the composer wished. The Tsar of Russia himself attended the third performance and awarded Verdi a medal of honor, a remarkable recognition of his stature.

Today, La forza del destino is performed more and more frequently. It offers an exceptional opportunity for an entire opera company, as it contains many demanding and substantial roles, all of them dramatically significant. This makes it especially appealing for young singers, who can shine in an opera considered one of the most challenging both vocally and dramatically.

Among its many recordings, my personal favorite features Mirella Freni as Leonora and Plácido Domingo as Don Alvaro, conducted by the great Riccardo Muti. Earlier historical recordings by Maria Callas and Renata Tebaldi are also deeply cherished and remain essential listening.

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A Coincidence Written in Music

That three operas of such importance—Don Giovanni, Roberto Devereux, and La forza del destino—should share the same premiere date is more than a curiosity. It is a poetic reminder of how musical history unfolds across time, linking composers, cities, theaters, and generations of singers.

Each of these operas continues to live on stage today, captivating audiences just as they did on their first nights. Together, they form not only a personal triad of favorites, but also a powerful reflection of the evolution of opera itself—from Classical balance, through bel canto refinement, to Romantic drama and destiny.

Some coincidences are simply beautiful. This one, written in music, is unforgettable. 🎶

Trois dates, trois villes, trois opéras, trois compositeurs 

Dans la vie, les coïncidences apparaissent parfois avec une telle élégance qu'elles semblent presque significatives, comme si l'histoire elle-même avait décidé d'y laisser une empreinte subtile. Dans cet article, je souhaite évoquer l'une de ces coïncidences qui me tient particulièrement à cœur, car elle unit trois de mes opéras préférés, composés par trois des plus grands compositeurs de l'histoire, tous créés le même jour : le 29 octobre. 

Wolfgang Amadeus Mozart – Don Giovanni – 29 octobre 1787

Gaetano Donizetti – Roberto Devereux – 29 octobre 1837

Giuseppe Verdi – La forza del destino – 29 octobre 1862

Trois chefs-d'œuvre, trois siècles différents, trois villes différentes et trois univers musicaux radicalement différents – tous liés par une seule et même date. 

Mozart et la naissance d'une légende : Don Giovanni

Mozart composa Don Giovanni principalement à Vienne, achevant les derniers préparatifs à Prague, où l'opéra fut créé. La première eut lieu le lundi 29 octobre 1787 et connut un succès immédiat et retentissant. Ce fut l'une de ces rares soirées dans l'histoire de la musique où un chef-d'œuvre est instantanément reconnu comme tel. 

Prague adorait Mozart et Don Giovanni fut accueilli avec un enthousiasme frôlant la vénération. L'opéra alliait profondeur dramatique, complexité psychologique, humour, noirceur et une invention musicale extraordinaire d'une manière inédite. Son mélange de dramma giocoso et de tragédie morale redéfinit le genre lyrique. 

Aujourd'hui, Don Giovanni demeure l'un des opéras les plus joués au monde, au même titre qu'Aida et Rigoletto. Il a donné lieu à d'innombrables enregistrements, dont beaucoup sont exceptionnels. Parmi les interprétations les plus mémorables figurent celles de Joan Sutherland et Maria Ewing, toutes deux inoubliables à leur manière. Personnellement, mon enregistrement préféré est celui que je considère comme la plus belle interprétation de Donna Anna de toute la discographie, chantée par Edita Gruberova dans les années 1980 – une performance d'une pureté vocale et d'une intelligence dramatique exceptionnelles. 

Donizetti, le génie du bel canto : Roberto Devereux 

Cinquante ans plus tard, exactement, le dimanche 29 octobre 1837, un autre grand opéra était créé : Roberto Devereux de Gaetano Donizetti, au Teatro San Carlo de Naples. 

Donizetti fut l'un des compositeurs les plus prolifiques de l'histoire, avec plus de soixante-dix opéras à son actif – une production stupéfiante. Pourtant, la quantité n'a jamais nui à la qualité. Nombre de ses œuvres sont de véritables joyaux de l'histoire de la musique, regorgeant de mélodies d'une inspiration et d'une vérité émotionnelle extraordinaires. 

Donizetti fut profondément influencé par ses maîtres et, finalement, par Mozart lui-même. On perçoit clairement l'élégance et l'équilibre de Mozart transformés par la sensibilité bel canto de Donizetti. Et la filiation se poursuit : on retrouve chez Verdi quelque chose de Donizetti. Le jeune Verdi assistait à des représentations à la Scala de Milan alors que Donizetti était déjà célèbre, bien avant que Verdi lui-même ne crée son premier opéra. Cette transmission discrète d'influence d'une génération à l'autre est l'un des plus beaux aspects de l'histoire de l'opéra. 

Roberto Devereux est moins souvent joué que Don Giovanni, mais chacune de ses représentations est un événement majeur. Ces dernières décennies, l'opéra a été redécouvert et réévalué, en grande partie grâce à Edita Gruberova, considérée comme la plus grande interprète de la reine Elisabetta ayant jamais foulé les planches. Heureusement, ses interprétations nous sont parvenues grâce à des enregistrements qui préservent son art extraordinaire. 

Verdi et le destin : La forza del destino 

Le troisième opéra de cette remarquable série est La forza del destino de Giuseppe Verdi, créé le 29 octobre 1862 à Saint-Pétersbourg, en Russie. 

À cette époque, Verdi était déjà le compositeur d'opéra le plus célèbre au monde, et sa présence à la première mondiale constituait un événement planétaire. L'opéra fut créé au Théâtre Bolchoï de Saint-Pétersbourg – à ne pas confondre avec le Bolchoï de Moscou. Saint-Pétersbourg possédait également à cette époque un théâtre portant ce nom. 

Ce théâtre n'existe plus aujourd'hui. Il fut détruit par un incendie, un sort partagé par de nombreux théâtres du XIXe siècle construits en grande partie en bois. Si la salle de spectacle fut ravagée, certaines parties du bâtiment – ​​comme la façade et le vestibule intérieur – furent préservées. L'histoire offre de nombreux exemples similaires : La Fenice à Venise, le Liceu à Barcelone, et d'autres grands théâtres qui brûlèrent puis furent reconstruits. L'incendie du Liceu en 1994 et la destruction de La Fenice quelques années plus tard figurent parmi les rappels les plus récents de la fragilité de ces temples de la culture.

La forza del destino fut un immense succès, et Verdi et son épouse, Giuseppina Strepponi, passèrent un merveilleux séjour en Russie. Ils s'y étaient rendus à deux reprises ; la première tentative avait échoué en raison de la maladie de la soprano, mais la seconde – ce désormais célèbre 29 octobre 1862 – se déroula exactement comme le compositeur l'avait souhaité. Le tsar de Russie en personne assista à la troisième représentation et remit à Verdi une médaille d'honneur, une reconnaissance remarquable de son rang.

Tre date, tre città, tre opere, tre compositori

Nella vita, le coincidenze a volte si presentano con tale eleganza da sembrare quasi significative, come se la storia stessa avesse deciso di lasciare una sottile firma. In questo articolo, vorrei riflettere su una di quelle coincidenze che mi sta particolarmente a cuore, perché unisce tre delle mie opere preferite, scritte da tre dei più grandi compositori della storia, tutte presentate per la prima volta nella stessa data: il 29 ottobre.

Wolfgang Amadeus Mozart – Don Giovanni – 29 ottobre 1787

Gaetano Donizetti – Roberto Devereux – 29 ottobre 1837

Giuseppe Verdi – La forza del destino – 29 ottobre 1862

Tre capolavori, tre secoli diversi, tre città diverse e tre mondi musicali completamente diversi, eppure tutti collegati da un'unica data.

Mozart e la nascita di una leggenda: Don Giovanni

Mozart compose Don Giovanni principalmente a Vienna, completando gli ultimi preparativi a Praga, dove l'opera debuttò. La prima rappresentazione ebbe luogo lunedì 29 ottobre 1787 e il suo successo fu immediato e travolgente. Fu una di quelle rare serate nella storia della musica in cui un capolavoro viene immediatamente riconosciuto come tale.

Praga adorava Mozart e Don Giovanni fu accolto con un entusiasmo che rasentava la riverenza. L'opera combinava profondità drammatica, complessità psicologica, umorismo, oscurità e straordinaria invenzione musicale in un modo mai sentito prima. La sua miscela di dramma giocoso e tragedia morale ridefinì il concetto di opera.

Oggi, Don Giovanni rimane una delle opere più rappresentate al mondo, probabilmente insieme ad Aida e Rigoletto. Ha generato innumerevoli registrazioni, molte delle quali straordinarie. Tra le interpretazioni più memorabili ci sono quelle con Joan Sutherland e Maria Ewing, entrambe indimenticabili a modo loro. Personalmente, la mia registrazione preferita include quella che considero la più bella Donna Anna della discografia, interpretata da Edita Gruberova negli anni '80: un'interpretazione di eccezionale purezza vocale e intelligenza drammatica.

Donizetti, il genio del belcanto: Roberto Devereux

Esattamente cinquant'anni dopo, domenica 29 ottobre 1837, un'altra grande opera debuttò al Teatro San Carlo di Napoli: Roberto Devereux di Gaetano Donizetti.

Donizetti fu uno dei compositori più prolifici della storia, avendo scritto più di settanta opere: una produzione sorprendente sotto ogni punto di vista. Eppure la quantità non ha mai diminuito la qualità. Molte delle sue opere sono veri e propri gioielli della storia della musica, ricche di melodie di straordinaria ispirazione e verità emotiva.

Donizetti fu profondamente influenzato dai suoi insegnanti e, in ultima analisi, dallo stesso Mozart. Si possono chiaramente percepire l'eleganza e l'equilibrio di Mozart trasformati dalla sensibilità belcantistica di Donizetti. E la discendenza continua: c'è qualcosa di Donizetti in Verdi. Il giovane Verdi assistette alle rappresentazioni alla Scala di Milano quando Donizetti era già famoso, molto prima che Verdi stesso presentasse un'opera in prima assoluta. Questo silenzioso passaggio di influenza da una generazione all'altra è uno degli aspetti più belli della storia dell'opera.

Roberto Devereux non viene eseguito con la stessa frequenza del Don Giovanni, ma ogni volta che viene messo in scena, diventa un evento memorabile. Negli ultimi decenni, l'opera è stata riscoperta e rivalutata, soprattutto grazie a Edita Gruberova, ampiamente considerata la più grande regina Elisabetta che abbia mai calcato il palcoscenico. Fortunatamente, le sue interpretazioni sopravvivono in registrazioni che preservano la sua straordinaria maestria.

Verdi e il destino: La forza del destino

La terza opera di questa straordinaria sequenza è La forza del destino di Giuseppe Verdi, la cui prima esecuzione avvenne il 29 ottobre 1862 a San Pietroburgo, in Russia.

A quel tempo, Verdi era già il compositore d'opera più famoso al mondo e la sua presenza a una prima mondiale fu un evento mondiale. L'opera fu messa in scena al Teatro Bolshoi di San Pietroburgo, da non confondere con il Bolshoi di Mosca. All'epoca, anche San Pietroburgo aveva un teatro con lo stesso nome.

Quel teatro oggi non esiste più. Fu distrutto da un incendio, un destino condiviso da molti teatri del XIX secolo costruiti in gran parte in legno. Mentre la sala di spettacolo andò perduta, parti dell'edificio, come la facciata e il vestibolo interno, furono preservate. La storia offre molti esempi simili: La Fenice di Venezia, il Liceu di Barcellona e altri grandi teatri che bruciarono e furono poi ricostruiti. L'incendio del Liceu del 1994 e la distruzione della Fenice pochi anni dopo sono tra i più recenti ricordi di quanto fossero fragili un tempo questi templi della cultura.

La forza del destino fu un grande successo e Verdi e sua moglie, Giuseppina Strepponi, trascorsero un periodo meraviglioso in Russia. Vi si erano recati due volte; Il primo tentativo fallì a causa della malattia del soprano, ma la seconda visita – quella ormai famosa del 29 ottobre 1862 – andò esattamente come il compositore desiderava. Lo Zar di Russia in persona assistette alla terza esecuzione e conferì a Verdi una medaglia d'onore, un notevole riconoscimento della sua statura.

Barcelona - Roberto Alagna - 30th October 2025

 

🎶 A Night of Puccini: Roberto Alagna in Barcelona

30 October – A Celebration of Passion, Melody, and the Eternal Voice of Puccini

There are certain artists whose very presence transforms the air around them — who carry within their voice the light and shadow of the human heart. Roberto Alagna is one of those rare stars. Charismatic, deeply expressive, and endowed with a voice that blends golden warmth and Mediterranean fire, he has conquered every great stage of the world — from the Metropolitan Opera to La Scala.

I first saw him many years ago, singing Massenet’s Werther at the Capitole Theatre in Toulouse. His performance was unforgettable — tender, vulnerable, incandescent. Later, in Bizet’s Carmen alongside the remarkable Béatrice Uria-Monzon, his Don José was both tragic and passionate, the portrait of a man consumed by love. Since then, I have followed his journey through the world’s opera houses, always mesmerised by the sincerity and truth he brings to every phrase.

Now, he returns to us in Barcelona, offering a recital entirely devoted to Giacomo Puccini, the composer whose music is the very language of emotion. This evening promises to be an ode to love, longing, and beauty — a celebration of Puccini’s genius, illuminated by the golden voice of one of the greatest tenors of our time.

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🌹 Torna ai felici dì — Le Villi (1884)

Puccini’s very first opera, Le Villi, already reveals his instinct for melody and drama. “Torna ai felici dì” (“Return to the happy days”) is sung by Roberto, a man tormented by guilt and grief. It demands both lyrical control and dramatic intensity — a perfect opening for Alagna, whose voice can move effortlessly from whispering nostalgia to passionate despair. The aria’s lines rise like sighs, filled with the aching regret of lost love.

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🔥 Orgia, chimera dall’occhio vitreo — Edgar (1889)

From Puccini’s rarely performed Edgar, this aria captures the restless spirit of its hero, torn between sacred and profane love. The music is turbulent, full of harmonic daring and emotional storms. Its vocal writing challenges even the most seasoned tenors — wide-ranging, explosive, and demanding both power and elegance. Alagna’s dramatic instinct makes this music come alive, revealing the youthful Puccini searching for his mature voice.

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🌙 La tregenda — Intermezzo sinfonico (piano solo) — Le Villi

A haunting orchestral dance, La tregenda (“The Witch Dance”) conjures a supernatural atmosphere. On piano, it becomes a shimmering miniature — rhythmic, ghostly, and full of suspense. It is one of Puccini’s earliest experiments with orchestral colour, a glimpse of the master storyteller he would become.

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💕 Tra voi belle, brune e bionde — Manon Lescaut (1893)

In Manon Lescaut, Puccini’s first great success, we meet Des Grieux — young, impassioned, and head over heels in love. His opening serenade “Tra voi belle, brune e bionde” (“Among you lovely ladies, brunettes and blondes”) is flirtatious, charming, and deceptively simple — a musical smile. Yet beneath its playfulness lies the spark of fate. For Alagna, whose voice glows with warmth and natural grace, it is an ideal moment of youthful radiance before passion and tragedy take hold.

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💘 Donna non vidi mai — Manon Lescaut

Few arias in all opera capture the ecstasy of first love as perfectly as “Donna non vidi mai” (“Never have I seen such a woman”). Des Grieux has just met Manon — and in that instant, his life changes forever. The melody unfolds with tenderness, rising toward a climax of pure wonder. Technically, it requires legato perfection, seamless phrasing, and a glowing top register — qualities that define Alagna’s artistry. When he sings it, one truly believes in love at first sight.

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🌅 Intermezzo (piano solo) — Manon Lescaut

Between the acts, Puccini paints a world of longing without words. The Intermezzo is one of his most moving instrumental pieces — a symphonic reflection of lost love. Its yearning theme, heard on piano, is like a distant memory of happiness. It reminds us of the lyric beauty that runs through all of Puccini’s music.

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⚡ No!... Pazzo son!... Guardate! — Manon Lescaut

A moment of anguish and madness. Des Grieux, now desperate and heartbroken, cries out in pain as he watches Manon suffer. The aria begins almost declamatory, then bursts into soaring agony. It tests the tenor’s strength, stamina, and emotional truth. It is the cry of a man torn between passion and despair — a challenge that Alagna meets with his unique blend of fire and lyricism

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❄️ Che gelida manina — La Bohème (1896)

One of Puccini’s most beloved arias, “Che gelida manina” (“What a cold little hand”) introduces us to Rodolfo, the poet who falls in love with Mimì on a winter’s night in Paris. This aria is a jewel of lyric phrasing — soft, tender, intimate — leading to a radiant high C that must sound like the very soul opening in song. Alagna, whose Rodolfo has long been celebrated, brings both poetry and sincerity to this music. His delivery captures every shade — from shy wonder to soaring love.

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🌌 E lucevan le stelle — Tosca (1900)

The tragic Cavaradossi sings this aria before his execution: “And the stars were shining…” It is perhaps Puccini’s most heartbreaking page — a memory of love, sung on the edge of death. The aria demands immense emotional depth and breath control: long, arching phrases that must remain warm and vibrant even in despair. Alagna’s rich, expressive tone and natural Italianate phrasing give this music its full emotional weight — tender, noble, utterly human.

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🌸 Duetto dei fiori e coro a bocca chiusa (piano solo) — Madama Butterfly (1904)

The “Humming Chorus,” as it is known, is one of Puccini’s most ethereal inspirations — a moment of stillness and moonlight. Heard on piano, it becomes a meditation on hope and silence. The music floats like a dream, full of suspended beauty, where time seems to stop.

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💔 Addio, fiorito asil — Madama Butterfly

Pinkerton’s aria of remorse — “Farewell, flowery refuge” — is brief but devastating. It requires immense control and honesty: the voice must carry guilt, tenderness, and regret all at once. Few singers can make this moment truly believable; Alagna’s sincerity and warmth give it a truth that pierces the heart.

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🌄 Ch’ella mi creda libero e lontano — La fanciulla del West (1910)

Here, Dick Johnson faces his death with dignity, asking that his beloved Minnie believe him safe and free. The melody is simple yet noble, flowing with American openness and Italian passion. The aria is technically challenging — sustained phrasing, perfect breath support, and emotional restraint. Alagna’s heroic lyricism is perfectly suited to it: brave, tender, and luminous.

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💃 Nella dolce carezza della danza — piano solo (La rondine, 1917)

From Puccini’s most elegant and bittersweet opera, La rondine, this waltz-like intermezzo captures the grace of Parisian society tinged with melancholy. On piano, it shimmers with refinement — the sound of Puccini’s gentler world, full of longing and delicate sophistication.

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🌙 Nessun dorma — Turandot (1926)

And finally — the aria that crowns the night. “Nessun dorma” (“None shall sleep”) from Turandot is Puccini’s ultimate hymn to triumph through love. It demands everything: vocal power, radiant tone, and absolute emotional command. Few tenors can make the climactic “Vincerò!” both heroic and human. Alagna, with his combination of strength, warmth, and golden timbre, turns it into pure exultation — a cry of victory that resounds far beyond the theatre.

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🌟 A Night to Remember

This Puccini evening in Barcelona will be more than a recital — it will be a journey through the soul of Italian opera, guided by a voice that has illuminated the world’s greatest stages. Each aria reveals a different face of love: youthful, passionate, despairing, or transcendent.

Roberto Alagna’s artistry brings them all together in one radiant evening — a celebration of Puccini, of song, and of the eternal beauty of the human voice. On 30 October, Barcelona will shine with music, and the audience will leave the theatre carrying a single thought in their hearts: what a gift it is to feel so deeply, and to hear such beauty.

Ночь Пуччини: Роберто Аланья в Барселоне

30 октября – Торжество страсти, мелодии и вечного голоса Пуччини

Есть артисты, чьё присутствие преображает воздух вокруг них – чей голос несёт в себе свет и тень человеческого сердца. Роберто Аланья – одна из таких редких звёзд. Харизматичный, глубоко выразительный, наделённый голосом, сочетающим в себе золотистое тепло и средиземноморский огонь, он покорил все величайшие сцены мира – от Метрополитен-оперы до Ла Скала.

Я впервые увидел его много лет назад, когда он исполнял «Вертера» Массне в театре «Капитоль» в Тулузе. Его исполнение было незабываемым – нежным, уязвимым, пламенным. Позже, в «Кармен» Бизе вместе с замечательной Беатрис Урия-Монсон, его Дон Хозе был одновременно трагичным и страстным, портретом человека, охваченного любовью. С тех пор я следил за его путешествием по оперным театрам мира, неизменно заворожённый искренностью и правдой, которые он вкладывает в каждую фразу.

Теперь он возвращается к нам в Барселону с сольным концертом, полностью посвящённым Джакомо Пуччини, композитору, чья музыка — сам язык эмоций. Этот вечер обещает стать одой любви, тоске и красоте — чествованием гения Пуччини, освещённым золотым голосом одного из величайших теноров нашего времени.

🌹 Torna ai felici dì — «Виллисы» (1884)

Уже в первой опере Пуччини, «Виллисы», проявляется его чутьё на мелодию и драму. «Torna ai felici dì» («Возврат к счастливым дням») поёт Роберто, человек, терзаемый чувством вины и горя. Она требует как лирического контроля, так и драматической интенсивности — идеальное начало для Аланьи, чей голос легко переходит от шёпота ностальгии к страстному отчаянию. Строки арии поднимаются, словно вздохи, наполненные щемящей печалью об утраченной любви.

🔥 Orgia, chimera dall’occhio vitreo — Эдгар (1889)

Эта ария, написанная редко исполняемым Эдгаром Пуччини, передает беспокойный дух своего героя, разрывающегося между священной и мирской любовью. Музыка бурная, полная гармонических дерзаний и эмоциональных бурь. Её вокальное мастерство бросает вызов даже самым опытным тенорам — широкий диапазон, взрывной голос, требующий одновременно силы и элегантности. Драматическое чутьё Аланьи оживляет эту музыку, раскрывая юного Пуччини, ищущего свой зрелый голос.

🌙 La tregenda — Симфоническое интермеццо (фортепиано соло) — Le Villi

Завораживающий оркестровый танец, La tregenda («Танец ведьмы»), создаёт атмосферу сверхъестественного. На фортепиано он превращается в мерцающую миниатюру — ритмичную, призрачную и полную напряжения. Это один из самых ранних экспериментов Пуччини с оркестровым колоритом, проблеск того, каким мастером-рассказчиком он станет.

💕 Tra voi belle, brune e bionde — Манон Леско (1893)

В «Манон Леско», первом большом успехе Пуччини, мы встречаем Де Грие — молодого, страстного и по уши влюблённого. Его вступительная серенада «Tra voi belle, brune e bionde» («Среди вас, милые дамы, брюнетки и блондинки») кокетлива, очаровательна и обманчиво проста — музыкальная улыбка. Но за этой игривостью кроется искра судьбы. Для Аланьи, чей голос излучает тепло и природную грацию, это идеальный момент юношеского сияния перед тем, как страсть и трагедия овладеют ею.

💘 Donna non vidi mai — Манон Леско

Немногие арии в опере так точно передают экстаз первой любви, как «Donna non vidi mai» («Никогда я не видел такой женщины»). Де Грие только что встретил Манон — и в этот миг его жизнь изменилась навсегда. Мелодия раскрывается с нежностью, достигая кульминации чистого чуда. Технически она требует безупречного легато, безупречной фразировки и яркого верхнего регистра — качеств, которые определяют мастерство Аланьи. Когда он исполняет эту арию, по-настоящему веришь в любовь с первого взгляда.

🌅 Интермеццо (фортепиано соло) — Манон Леско

Между актами Пуччини рисует мир тоски без слов. Интермеццо — одно из самых трогательных его инструментальных произведений — симфоническое отражение утраченной любви. Его тоскливая тема, звучащая на фортепиано, подобна далёкому воспоминанию о счастье. Она напоминает нам о лирической красоте, пронизывающей всю музыку Пуччини.

⚡ Нет!... Pazzo son!... Guardate! — Манон Леско

Момент тоски и безумия. Де Грие, отчаявшийся и убитый горем, кричит от боли, наблюдая за страданиями Манон. Ария начинается почти декламационной, затем перерастает в неистовое страдание. Она испытывает силу, выносливость и эмоциональную правдивость тенора. Это крик человека, разрывающегося между страстью и отчаянием, — вызов, который Аланья встречает с уникальным сочетанием огня и лирики.

❄️ Che gelida manina — «Богема» (1896)

Одна из самых любимых арий Пуччини, «Che gelida manina» («Какая холодная ручка»), знакомит нас с Рудольфом, поэтом, который влюбляется в Мими зимней ночью в Париже. Эта ария — жемчужина лирической фразировки — мягкая, нежная, интимная — ведущая к лучезарному высокому до, которое, должно быть, звучит как сама душа, раскрывающаяся в песне. Аланья, чей Рудольфо давно прославлен, привносит в эту музыку поэзию и искренность. Его исполнение передает все оттенки — от робкого удивления до парящей любви.

🌌 E lucevan le stelle — Тоска (1900)

Трагический Каварадосси поёт эту арию перед казнью: «И звёзды сияли…» Это, пожалуй, самая душераздирающая страница Пуччини — воспоминание о любви, спетое на грани смерти. Ария требует невероятной эмоциональной глубины и контроля дыхания: длинные, арочные фразы должны оставаться тёплыми и яркими даже в отчаянии. Богатый, выразительный тон Аланьи и естественная итальянская фразировка придают этой музыке полную эмоциональную нагрузку — нежную, благородную, совершенно человечную.

🌸 Duetto dei fiori e coro a bocca chiusa (соло для фортепиано) — Мадам Баттерфляй (1904)

«Жужжащий хор», как его называют, — одно из самых возвышенных вдохновений Пуччини — мгновение тишины и лунного света. В исполнении фортепиано он превращается в размышление о надежде и тишине. Музыка парит, словно сон, полный застывшей красоты, где время, кажется, остановилось.

💔 Addio, fiorito asil — Мадам Баттерфляй

Ария раскаяния Пинкертона — «Прощай, цветущее убежище» — короткая, но сокрушительная. Она требует невероятного контроля и честности: голос должен нести в себе одновременно чувство вины, нежности и сожаления. Немногие певцы способны сделать этот момент по-настоящему правдоподобным; искренность и теплота Аланьи придают ему правдивость, пронзающую сердце.

🌄 Ch’ella mi creda libero e lontano — Девушка с Запада (1910)

Здесь Дик Джонсон достойно встречает свою смерть, моля свою возлюбленную Минни поверить ему в безопасность и свободу. Мелодия проста, но благородна, она струится американской открытостью и итальянской страстью. Ария технически сложна — выдержанная фразировка, идеальная опора на дыхание и эмоциональная сдержанность. Героическая лирика Аланьи идеально подходит к ней: смелая, нежная и лучезарная.

💃 Nella dolce carezza della danza — фортепиано соло («Ласточка», 1917)

Это вальсоподобное интермеццо из самой элегантной и горько-сладкой оперы Пуччини «Ласточка» передает изящество парижского общества, окрашенное меланхолией. В исполнении фортепиано оно мерцает изысканностью — звучанием более нежного мира Пуччини, полного томления и утонченной изысканности.

🌙 Nessun dorma — «Турандот» (1926)

И наконец — ария, венчающая ночь. «Nessun dorma» («Никто не должен спать») из «Турандот» — это высший гимн Пуччини торжеству любви. Он требует всего: вокальной силы, лучезарного тона и абсолютного владения эмоциями. Немногие теноры способны сделать кульминационное «Vincerò!» одновременно героическим и человечным. Аланья, с его сочетанием силы, теплоты и золотого тембра, превращает его в чистый восторг — клич победы, разносящийся далеко за пределы театра.

🌟 Незабываемая ночь

Этот вечер Пуччини в Барселоне станет не просто сольным концертом, а путешествием по душе итальянской оперы под руководством голоса, озарявшего лучшие сцены мира. Каждая ария раскрывает разные грани любви: юную, страстную, отчаянную или возвышенную.

Искусство Роберто Аланьи объединяет их всех в один лучезарный вечер — праздник Пуччини, песни и вечной красоты человеческого голоса. 30 октября Барселона засияет музыкой, и зрители покинут театр с одной мыслью: какой это дар — чувствовать так глубоко и слышать такую ​​красоту.

🎶 Une Nuit Puccini : Roberto Alagna à Barcelone

30 octobre – Célébration de la Passion, de la Mélodie et de la Voix Éternelle de Puccini

Il est des artistes dont la seule présence transforme l'atmosphère, qui portent en eux la lumière et l'ombre du cœur humain. Roberto Alagna est l'une de ces rares stars. Charismatique, profondément expressif, doté d'une voix mêlant chaleur dorée et feu méditerranéen, il a conquis toutes les grandes scènes du monde, du Metropolitan Opera à la Scala.

Je l'ai vu pour la première fois il y a de nombreuses années, chantant Werther de Massenet au Théâtre du Capitole de Toulouse. Son interprétation était inoubliable : tendre, vulnérable, incandescente. Plus tard, dans Carmen de Bizet, aux côtés de la remarquable Béatrice Uria-Monzon, son Don José était à la fois tragique et passionné, le portrait d'un homme dévoré par l'amour. Depuis, j'ai suivi son parcours à travers les opéras du monde, toujours fasciné par la sincérité et la vérité qu'il insuffle à chaque phrase.

Il nous revient aujourd'hui à Barcelone pour un récital entièrement consacré à Giacomo Puccini, le compositeur dont la musique est le langage même de l'émotion. Cette soirée promet d'être une ode à l'amour, au désir et à la beauté, une célébration du génie de Puccini, illuminée par la voix d'or de l'un des plus grands ténors de notre temps.

🌹 Torna ai felici dì — Le Villi (1884)

Le tout premier opéra de Puccini, Le Villi, révèle déjà son instinct pour la mélodie et le drame. « Torna ai felici dì » (« Retour aux jours heureux ») est chanté par Roberto, un homme tourmenté par la culpabilité et le chagrin. L'air exige à la fois maîtrise lyrique et intensité dramatique, une ouverture parfaite pour Alagna, dont la voix passe sans effort de la nostalgie murmurée au désespoir passionné. Les vers de l'air s'élèvent tels des soupirs, emplis du regret douloureux d'un amour perdu.

🔥 Orgia, chimère dall’occhio vitreo — Edgar (1889)

Tirée de l'Edgar de Puccini, rarement interprété, cette aria capture l'esprit agité de son héros, tiraillé entre l'amour sacré et l'amour profane. La musique est turbulente, pleine d'audace harmonique et de tempêtes émotionnelles. Son écriture vocale défie même les ténors les plus chevronnés : ample, explosive, exigeant à la fois puissance et élégance. L'instinct dramatique d'Alagna donne vie à cette musique, révélant le jeune Puccini en quête de sa voix mature.

🌙 La tregenda — Intermezzo sinfonico (piano solo) — Le Villi

Danse orchestrale envoûtante, La tregenda (« La Danse de la Sorcière ») évoque une atmosphère surnaturelle. Au piano, elle devient une miniature chatoyante, rythmée, fantomatique et pleine de suspense. C'est l'une des premières expériences de Puccini avec la couleur orchestrale, un aperçu du maître conteur qu'il deviendra.

💕 Tra voi belle, brune e bionde — Manon Lescaut (1893)

Dans Manon Lescaut, premier grand succès de Puccini, nous rencontrons Des Grieux, jeune, passionné et éperdument amoureux. Sa sérénade d'ouverture, « Tra voi belle, brune e bionde » (« Parmi vous, belles dames, brunes et blondes »), est enjôleuse, charmante et d'une simplicité trompeuse – un sourire musical. Pourtant, sous son côté espiègle se cache l'étincelle du destin. Pour Alagna, dont la voix rayonne de chaleur et de grâce naturelle, c'est un moment idéal d'éclat juvénile avant que la passion et la tragédie ne s'emparent d'elle.

💘 Donna non vidi mai — Manon Lescaut

Rares sont les airs d'opéra qui capturent l'extase du premier amour aussi parfaitement que « Donna non vidi mai » (« Jamais je n'ai vu une telle femme »). Des Grieux vient de rencontrer Manon – et à cet instant, sa vie bascule à jamais. La mélodie se déploie avec tendresse, s'élevant vers un apogée de pure merveille. Techniquement, elle exige une perfection legato, un phrasé fluide et un registre aigu rayonnant – des qualités qui définissent le talent artistique d'Alagna. Lorsqu'il la chante, on croirait véritablement au coup de foudre.

🌅 Intermezzo (piano solo) — Manon Lescaut

Entre les actes, Puccini peint un monde de désir sans paroles. L'Intermezzo est l'une de ses pièces instrumentales les plus émouvantes – une réflexion symphonique sur l'amour perdu. Son thème nostalgique, entendu au piano, est comme un lointain souvenir de bonheur. Il nous rappelle la beauté lyrique qui imprègne toute la musique de Puccini.

⚡ Non !... Pazzo son !... Guardate ! — Manon Lescaut

Un moment d'angoisse et de folie. Des Grieux, désespéré et le cœur brisé, crie sa douleur en regardant Manon souffrir. L'aria débute presque déclamatoirement, puis explose en une agonie vertigineuse. Elle met à l'épreuve la force, l'endurance et la vérité émotionnelle du ténor. C'est le cri d'un homme déchiré entre passion et désespoir – un défi qu'Alagna relève avec son mélange unique de fougue et de lyrisme.

❄️ Che gelida manina — La Bohème (1896)

L'un des airs les plus appréciés de Puccini, « Che gelida manina » (« Quelle petite main froide ») nous présente Rodolfo, le poète qui tombe amoureux de Mimì par une nuit d'hiver à Paris. Cet air est un joyau de phrasé lyrique – doux, tendre, intime – menant à un do aigu radieux qui doit sonner comme l'âme même qui s'ouvre au chant. Alagna, dont Rodolfo est depuis longtemps célébré, apporte à cette musique poésie et sincérité. Son interprétation en capture toutes les nuances – de l'émerveillement timide à l'amour exalté.

🌌 E lucevan le stelle — Tosca (1900)

Le tragique Cavaradossi chante cet air avant son exécution : « Et les étoiles brillaient… » C'est peut-être la page la plus déchirante de Puccini – un souvenir d'amour, chanté à l'orée de la mort. L'air exige une profondeur émotionnelle immense et une grande maîtrise du souffle : de longues phrases arquées qui doivent rester chaleureuses et vibrantes même dans le désespoir. Le timbre riche et expressif d'Alagna et son phrasé italien naturel confèrent à cette musique toute sa force émotionnelle : tendre, noble, profondément humaine.

🌸 Duetto dei fiori e coro a bocca chiusa (piano solo) — Madama Butterfly (1904)

Le « Chœur bourdonnant », comme on le surnomme, est l'une des inspirations les plus éthérées de Puccini : un moment de calme et de clair de lune. Au piano, il devient une méditation sur l'espoir et le silence. La musique flotte comme un rêve, emplie d'une beauté suspendue, où le temps semble s'arrêter.

💔 Addio, fiorito asil — Madama Butterfly

L'air de remords de Pinkerton — « Adieu, refuge fleuri » — est bref mais bouleversant. Cela exige une maîtrise et une honnêteté immenses : la voix doit exprimer à la fois culpabilité, tendresse et regret. Peu de chanteurs parviennent à rendre ce moment véritablement crédible ; la sincérité et la chaleur d’Alagna lui confèrent une vérité qui transperce le cœur.

🌄 Ch’ella mi creda libero e lontano — La fanciulla del West (1910)

Ici, Dick Johnson affronte sa mort avec dignité, demandant à sa bien-aimée Minnie de le croire sain et sauf. La mélodie est simple mais noble, imprégnée d’ouverture américaine et de passion italienne. L’air est techniquement exigeant : phrasé soutenu, soutien respiratoire parfait et retenue émotionnelle. Le lyrisme héroïque d’Alagna lui convient parfaitement : courageux, tendre et lumineux.

💃 Nella dolce carezza della danza — piano solo (La Rondine, 1917)

Tiré de La Rondine, l'opéra le plus élégant et doux-amer de Puccini, cet intermezzo aux allures de valse capture la grâce de la société parisienne teintée de mélancolie. Au piano, il scintille de raffinement — la sonorité du monde plus doux de Puccini, empreint de nostalgie et de sophistication délicate.

🌙 Nessun dorma — Turandot (1926)

Et enfin — l'air qui couronne la nuit. « Nessun dorma » (« Nul ne dormira ») de Turandot est l'hymne ultime de Puccini au triomphe de l'amour. Il exige tout : puissance vocale, timbre radieux et maîtrise émotionnelle absolue. Rares sont les ténors capables de rendre le « Vincerò ! » culminant à la fois héroïque et humain. Alagna, avec sa force, sa chaleur et son timbre doré, transforme cette musique en une pure exultation – un cri de victoire qui résonne bien au-delà du théâtre.

🌟 Une Nuit Inoubliable

Cette soirée Puccini à Barcelone sera plus qu'un récital : ce sera un voyage au cœur de l'âme de l'opéra italien, guidé par une voix qui a illuminé les plus grandes scènes du monde. Chaque air révèle une facette différente de l'amour : juvénile, passionné, désespéré ou transcendant.

L'art de Roberto Alagna les réunit tous en une soirée radieuse – une célébration de Puccini, du chant et de la beauté éternelle de la voix humaine. Le 30 octobre, Barcelone resplendira de musique, et le public quittera le théâtre avec une seule pensée : quel cadeau de ressentir si profondément et d'entendre une telle beauté.