Barcelona - Nadine Sierra & Ludovic Tézier - 18 Feb 2026

Tonight, Barcelona dresses up to welcome one of the most dazzling voices of our time: the extraordinary American soprano Nadine Sierra. Together with the imposing French baritone Ludovic Tézier, they will treat us to a dreamlike recital that promises to be etched in the memory of all bel canto lovers.

It will be an evening where hearts will beat to the rhythm of the most sublime pages of opera. From the luminous elegance of Wolfgang Amadeus Mozart to the ardent passion of Giuseppe Verdi, passing through the melodic delicacy of Vincenzo Bellini and the dramatic intensity of Gaetano Donizetti, each aria will be a sigh, each duet a meeting of souls.

The most anticipated moment will arrive with the unforgettable duet from La traviata: that heart-wrenching instant in which Giorgio Germont begs Violetta to renounce her love for Alfredo. In that legendary scene, Tézier's noble and profound voice will embody the father's authority and inner conflict, while Nadine Sierra's Violetta will shine with a breathtaking blend of fragility and grandeur. When Violetta Valéry accepts the sacrifice, we know her fate is sealed in an inevitable tragedy… and tears will inevitably flow from the audience.

Some nights are concerts, and some nights are pure magic. This will be one of those nights where time seems to stand still, where every note envelops the soul and every applause springs from the depths of the heart. Barcelona surrenders to two of the world's most admired performers, united in an unrepeatable encounter.

It will undoubtedly be a celebration of love, art, and the most sincere emotion. A night for daydreaming. A night to remember forever.

Esta noche, Barcelona se viste de gala para recibir a una de las voces más deslumbrantes de nuestro tiempo: la extraordinaria soprano norteamericana Nadine Sierra. Junto al imponente barítono francés Ludovic Tézier, nos regalarán un recital de ensueño que promete quedar grabado en la memoria de todos los amantes del bel canto.

Será una velada donde el corazón latirá al compás de las más sublimes páginas de la ópera. Desde la elegancia luminosa de Wolfgang Amadeus Mozart hasta la pasión ardiente de Giuseppe Verdi, pasando por la delicadeza melódica de Vincenzo Bellini y la intensidad dramática de Gaetano Donizetti, cada aria será un suspiro, cada dúo un encuentro de almas.

El momento más esperado llegará con el inolvidable dúo de La traviata: ese instante desgarrador en el que Giorgio Germont suplica a Violetta que renuncie a su amor por Alfredo. En esa escena mítica, la voz noble y profunda de Tézier encarnará la autoridad y el conflicto interior del padre, mientras la Violetta de Nadine Sierra brillará con una mezcla de fragilidad y grandeza que corta la respiración. Cuando Violetta Valéry acepta el sacrificio, sabemos que su destino quedará sellado en una tragedia inevitable… y las lágrimas asomarán sin remedio en el público.

Hay noches que son conciertos, y hay noches que son pura magia. Esta será una de esas en las que el tiempo parece detenerse, en las que cada nota envuelve el alma y cada aplauso nace desde lo más profundo del corazón. Barcelona se rinde ante dos de los intérpretes más admirados del mundo, reunidos en un encuentro irrepetible.

Será, sin duda, una celebración del amor, del arte y de la emoción más sincera. Una noche para soñar despiertos. Una noche para recordar siempre.

Сегодня вечером Барселона преобразится, чтобы приветствовать один из самых блистательных голосов нашего времени: выдающуюся американскую сопрано Надин Сьерра. Вместе с внушительным французским баритоном Людовиком Тезиером они подарят нам сказочный концерт, который, несомненно, навсегда останется в памяти всех любителей бельканто.

Это будет вечер, когда сердца будут биться в ритме самых возвышенных страниц оперы. От сияющей элегантности Вольфганга Амадея Моцарта до пылкой страсти Джузеппе Верди, от мелодичной утонченности Винченцо Беллини до драматической интенсивности Гаэтано Доницетти, каждая ария будет вздохом, каждый дуэт — встречей душ.

Самый ожидаемый момент наступит с незабываемым дуэтом из «Травиаты»: тот душераздирающий миг, когда Джорджо Жермон умоляет Виолетту отказаться от любви к Альфредо. В этой легендарной сцене благородный и глубокий голос Тезиер воплотит авторитет отца и его внутренний конфликт, а Виолетта в исполнении Надин Сьерры засияет захватывающим дух сочетанием хрупкости и величия. Когда Виолетта Валери принимает жертву, мы понимаем, что её судьба предрешена неизбежной трагедией… и слёзы неизбежно потекут из зала.

Иногда бывают концерты, а иногда – чистая магия. Это будет один из тех вечеров, когда время словно останавливается, когда каждая нота окутывает душу, а каждый аплодисмент исходит из глубины сердца. Барселона отдаётся двум самым почитаемым в мире исполнителям, объединённым в неповторимой встрече.

Это, несомненно, будет праздник любви, искусства и самых искренних эмоций. Вечер для мечтаний. Вечер, который запомнится навсегда.

Ce soir, Barcelone se pare de ses plus beaux atours pour accueillir l'une des voix les plus éblouissantes de notre époque : l'extraordinaire soprano américaine Nadine Sierra. Accompagnée de l'imposant baryton français Ludovic Tézier, elle nous offrira un récital onirique qui promet d'être gravé dans la mémoire de tous les amoureux du bel canto.

Ce sera une soirée où les cœurs vibreront au rythme des plus belles pages de l'opéra. De l'élégance lumineuse de Wolfgang Amadeus Mozart à la passion ardente de Giuseppe Verdi, en passant par la délicatesse mélodique de Vincenzo Bellini et l'intensité dramatique de Gaetano Donizetti, chaque air sera un soupir, chaque duo une rencontre d'âmes.

Le moment le plus attendu sera l'inoubliable duo de La Traviata : cet instant poignant où Giorgio Germont supplie Violetta de renoncer à son amour pour Alfredo. Dans cette scène légendaire, la voix noble et profonde de Tézier incarnera l'autorité et le conflit intérieur du père, tandis que Violetta, interprétée par Nadine Sierra, brillera d'un mélange saisissant de fragilité et de grandeur. Lorsque Violetta Valéry accepte le sacrifice, nous savons que son destin est scellé par une tragédie inéluctable… et les larmes couleront inévitablement dans la salle.

Certaines soirées sont des concerts, d'autres sont de la pure magie. Ce sera l'une de ces soirées où le temps semble suspendu, où chaque note enveloppe l'âme et où chaque applaudissement jaillit du plus profond du cœur. Barcelone s'abandonne à deux des artistes les plus admirés au monde, réunis dans une rencontre unique.

Ce sera sans aucun doute une célébration de l'amour, de l'art et des émotions les plus sincères. Une nuit pour rêver. Une nuit inoubliable.

New York - Swan Lake - ABT 2026

The American Ballet Theatre’s upcoming summer season of Swan Lake at the Metropolitan Opera House at Lincoln Center, in June and July 2026, promises to be one of the most significant cultural events of the year. Few works in the classical repertoire possess the emotional depth, musical grandeur, and timeless beauty of Tchaikovsky’s masterpiece, and when performed by a company of ABT’s extraordinary caliber, the result is destined to be nothing short of magical.

From the first moonlit entrance of the swans to the dazzling Black Swan pas de deux, audiences will once again be transported into the poetic world of Odette, Prince Siegfried, and the tragic enchantment of the lake. The famous thirty-two fouettés of Odile, the noble variations of the Prince, and the sweeping orchestral score will undoubtedly ignite thunderous applause night after night.

This season brings together an exceptional roster of ballerinas embodying Odette and Odile — each one a true artist of elegance, refinement, and technical brilliance.

Skylar Brandt, whose ethereal presence and poetic delicacy make her a dreamlike Odette, opens and crowns the season with performances that promise rare emotional depth and crystalline technique. Her interpretations float with lyrical purity, capturing the fragile soul of the Swan Queen with breathtaking grace.

Alongside her, Hee Seo brings her luminous musicality and serene nobility to the role, offering an Odette of exquisite softness and regal beauty. Devon Teuscher, known for her radiant stage presence and commanding technique, infuses the dual role with dramatic intensity and sculpted precision. Catherine Hurlin contributes her expressive artistry and youthful brilliance, while Chloe Misseldine enchants with refined elegance and natural lyricism.

SunMi Park’s poised strength and crystalline clarity promise a Swan Queen of noble line and emotional sincerity. Isabella Boylston, with her fearless virtuosity and captivating charisma, delivers a powerful yet deeply poetic interpretation. Christine Shevchenko brings dramatic richness, refined musical phrasing, and an arresting stage presence that transforms every moment into living theater.

Each of these ballerinas represents the very highest level of classical artistry — exquisite technique, expressive depth, beauty of line, and a profound understanding of storytelling through movement.

Equally remarkable is the lineup of Princes Siegfried, a gathering of some of today’s most distinguished male dancers.

Herman Cornejo, with his legendary elevation, noble artistry, and emotional intensity, offers a Siegfried of heroic lyricism. Cory Stearns brings regal authority and classical purity, while Joo Won Ahn’s refined elegance and impeccable technique lend poetic sophistication to the role. Isaac Hernández shines with charismatic strength and musical sensitivity, and Aran Bell captivates with youthful brilliance and effortless virtuosity.

Calvin Royal III contributes refined musicality and modern nobility, Daniel Camargo dazzles with powerful jumps and radiant energy, James Whiteside enchants with expressive flair and technical polish, and Thomas Forster completes the roster with lyrical strength and refined classicism.

Together, these extraordinary artists ensure that every performance will be a unique and unforgettable experience.

Swan Lake at ABT is always an event — but with dancers of this exceptional stature, the 2026 season is set to become a true phenomenon. In the days leading up to the premiere, the ballet will surely dominate conversations among dance lovers across Manhattan and far beyond, drawing audiences from around the world eager to witness this iconic work performed at its highest level.

With such a constellation of stars, each performance promises beauty, emotion, and artistic excellence — a celebration of classical ballet in its purest and most magnificent form.

Le Lac des cygnes de l’American Ballet Theatre – Été 2026 au Metropolitan Opera House

La nouvelle série de Le Lac des cygnes de l’American Ballet Theatre, présentée au Metropolitan Opera House du Lincoln Center en juin et juillet 2026, s’annonce comme l’un des événements culturels majeurs de la saison new-yorkaise. Chef-d’œuvre intemporel de Tchaïkovski, ce ballet mythique continue de fasciner par sa poésie, son drame et sa splendeur musicale — et lorsqu’il est interprété par une compagnie de l’envergure de l’ABT, l’émotion atteint des sommets.

Du frémissement nocturne du lac enchanté à l’éclat fulgurant du pas de deux du Cygne noir, le public sera transporté dans l’univers onirique d’Odette, du prince Siegfried et de la mystérieuse Odile. Les célèbres trente-deux fouettés, les élans héroïques du Prince et la majesté de l’orchestre promettent des soirées d’ovations ininterrompues.

La saison réunit une constellation exceptionnelle de ballerines incarnant Odette et Odile, toutes dotées d’une élégance souveraine, d’une technique éblouissante et d’une profonde sensibilité artistique.

Skylar Brandt, d’une délicatesse presque irréelle, incarne une Odette d’une pureté poétique rare, aérienne et émouvante. Hee Seo apporte une noblesse lumineuse et une musicalité raffinée, tandis que Devon Teuscher impressionne par sa puissance dramatique et sa virtuosité sculpturale. Catherine Hurlin séduit par son expressivité vibrante, Chloe Misseldine par son lyrisme naturel et sa grâce fluide, SunMi Park par sa clarté cristalline et son port majestueux. Isabella Boylston rayonne par son charisme et son audace technique, et Christine Shevchenko fascine par sa profondeur dramatique et son intensité scénique.

Les princes Siegfried ne sont pas en reste : tous représentent l’excellence absolue de la danse masculine.

Herman Cornejo, légendaire pour son élévation et sa noblesse artistique, offre un Siegfried héroïque et profondément lyrique. Cory Stearns incarne la pureté classique et l’autorité princière, Joo Won Ahn la finesse élégante et la précision parfaite. Isaac Hernández séduit par sa force rayonnante et sa musicalité, Aran Bell par sa virtuosité juvénile et son éclat naturel. Calvin Royal III apporte une noblesse moderne, Daniel Camargo une énergie flamboyante, James Whiteside une expressivité raffinée, et Thomas Forster une élégance lyrique d’une grande distinction.

Avec une telle distribution, chaque représentation s’annonce unique, somptueuse et inoubliable.

Le Lac des cygnes de l’ABT est toujours un triomphe — mais cette saison 2026 promet d’être un véritable phénomène artistique, attirant des passionnés du monde entier vers Manhattan pour vivre ce joyau du répertoire classique dans toute sa splendeur.

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📅 Distribution par dates – Protagonistes principaux

(Odette/Odile — Prince Siegfried)

🗓 June 17

• Skylar Brandt — Herman Cornejo

• Hee Seo — Cory Stearns

🗓 June 18

• Devon Teuscher — Joo Won Ahn

• Catherine Hurlin — Isaac Hernández

🗓 June 19

• Chloe Misseldine — Aran Bell

🗓 June 20

• SunMi Park — Calvin Royal III

• Isabella Boylston — Daniel Camargo

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🗓 July 13

• Christine Shevchenko — Calvin Royal III

🗓 July 14

• TBA — Daniel Camargo

🗓 July 15

• Hee Seo — James Whiteside

• Isabella Boylston — Thomas Forster

🗓 July 16

• Devon Teuscher — Joo Won Ahn

🗓 July 17

• Skylar Brandt — Herman Cornejo

🗓 July 18

• Catherine Hurlin — Isaac Hernández

• Chloe Misseldine — Aran Bell

New Orleans - French Opera House 1909

The French Opera House of New Orleans, also known as the Théâtre de l’Opéra, occupies a unique and often underestimated place in the cultural history of the United States. Opened in 1859 in the heart of the French Quarter, it quickly became far more than a performance venue: it was the social, artistic, and symbolic center of elite life in New Orleans until its destruction by fire in 1919. Today, the site is occupied by a hotel, but the legacy of the opera house continues to resonate far beyond its physical disappearance.

From the years following the Civil War until the First World War, the French Opera House was the most fashionable establishment in New Orleans. The opening night of the opera season marked the opening of the city’s social season itself. Attendance was not merely about music; it was a ritual governed by traditions, hierarchies, and long-established customs. To be seen at the opera—especially in one of the coveted box seats or loges grilles—was an affirmation of status. The oldest and most prominent families of New Orleans owned these boxes, which were passed down through generations and functioned almost as hereditary symbols of social standing.

The repertoire of the French Opera House reflected this refined world. Opera was at its core, but the stage also hosted ballets and high-society balls, reinforcing its role as a comprehensive cultural institution. In this respect, the French Opera House functioned much like the Vienna State Opera does today: a place where music, social life, and identity converged.

Beyond its local importance, the French Opera House played a pioneering role in American operatic history. Contrary to the widespread assumption that New York was the primary gateway for European opera into the United States, New Orleans frequently held that distinction in the nineteenth century. Thanks to its strong French cultural ties and its status as a major port city, New Orleans often received operatic works before Philadelphia, New York, or Boston. In this sense, the city—and the French Opera House in particular—was a true innovator.

Numerous operas were heard for the first time on American soil at this theater, especially works from the French repertoire. Operas by Massenet, Gounod, Lalo, Ambroise Thomas, Saint-Saëns, as well as later verismo composers such as Cilea and Giordano, found enthusiastic audiences there. One of the most striking examples is Le roi de Lahore by Jules Massenet. Although rarely performed today, the opera was a sensation when it premiered in New Orleans in 1883, becoming the triumph of the season. Society flocked to the performance, and it was widely discussed as a major artistic event.

Another landmark was Massenet’s Esclarmonde, first heard in America at the French Opera House in 1893. Like Le roi de Lahore, it belongs to a tradition of grand French opera that once captivated audiences but has since receded from mainstream performance. Yet these works were central to the musical life of New Orleans, where audiences were receptive, knowledgeable, and eager for the newest European creations.

It is important not to confuse the French Opera House with its predecessor, the Théâtre d’Orléans, which dominated operatic life in New Orleans during the first half of the nineteenth century. The Théâtre d’Orléans was also immensely influential and was responsible for many American premieres, but its performances were given exclusively in French, even when presenting Italian operas. Works such as Anna Bolena, Lucia di Lammermoor, and even Verdi’s Il trovatore—performed there in French—testify to the city’s deep-rooted Francophone operatic tradition.

Together, these two theaters established New Orleans as the earliest and most sustained operatic center in the United States. The French Opera House, in particular, embodied a moment when the city stood at the crossroads of Europe and America, absorbing and transmitting artistic innovation with remarkable sophistication.

Though the building itself no longer stands, the French Opera House remains a powerful symbol of a time when New Orleans led the nation in operatic culture, social ritual, and artistic ambition—a legacy that deserves far greater recognition in the broader narrative of American music history.

Le Théâtre de l’Opéra français de La Nouvelle-Orléans, communément appelé French Opera House (Théâtre de l’Opéra), et son prestigieux prédécesseur, le Théâtre d’Orléans, constituent ensemble un chapitre fondamental — et trop souvent méconnu — de l’histoire culturelle et musicale des États-Unis. Bien avant que New York ne s’impose comme capitale lyrique du pays, La Nouvelle-Orléans fut le premier grand foyer de l’opéra en Amérique, un lieu où l’Europe musicale trouvait un prolongement naturel sur le continent américain.

Le Théâtre d’Orléans : le berceau de l’opéra en Amérique

Le Théâtre d’Orléans, inauguré en 1815 rue d’Orléans, entre Royal et Bourbon, fut le plus important théâtre lyrique de La Nouvelle-Orléans dans la première moitié du XIXᵉ siècle. Conçu par Louis Tabary, réfugié de Saint-Domingue, il incarne dès l’origine le caractère profondément francophone et cosmopolite de la ville. Après un premier incendie, il fut reconstruit et rouvrit en 1819, accompagné de l’élégante Orleans Ballroom, toujours en usage aujourd’hui.

Sous la direction de John Davis, puis de Pierre Davis et enfin de Charles Boudousquié, le Théâtre d’Orléans devint un centre lyrique d’envergure internationale. Les représentations y étaient données exclusivement en français, y compris pour des opéras italiens, souvent présentés dans des adaptations françaises qui circulaient alors dans toute l’Europe.

C’est dans ce théâtre que furent données un nombre exceptionnel de premières américaines, bien supérieur à celui du French Opera House ultérieur. Dès 1819, le public de La Nouvelle-Orléans découvrait Jean de Paris de Boieldieu. Suivirent rapidement des œuvres majeures du répertoire romantique français et européen : La dame blanche, La muette de Portici, Zampa, Robert le diable, Les Huguenots, La Juive, Le prophète, Le comte Ory, Guillaume Tell ou encore La fille du régiment.

Fait remarquable, plusieurs opéras italiens emblématiques furent entendus pour la première fois en Amérique au Théâtre d’Orléans, en version française : Anna Bolena, Lucie de Lammermoor, La favorite, Don Pasquale, et même Il trovatore de Verdi, présenté en 1857 sous le titre Le trouvère. Cette pratique reflète non seulement la domination culturelle française à La Nouvelle-Orléans, mais aussi le goût raffiné d’un public habitué aux nouveautés européennes les plus audacieuses.

Le Théâtre d’Orléans fut détruit par un incendie en 1866, mettant fin à une époque héroïque de l’opéra en Amérique. Pourtant, son héritage allait se prolonger et s’épanouir dans un nouveau lieu.

Le French Opera House : l’âge d’or mondain et artistique

Ouvert en 1859, le French Opera House, situé au cœur du Vieux Carré, devint rapidement le centre névralgique de la vie sociale et culturelle de La Nouvelle-Orléans jusqu’à sa destruction par le feu en 1919. Si le Théâtre d’Orléans avait été le laboratoire des premières américaines, le French Opera House fut l’incarnation du prestige, de la mondanité et de la continuité d’une grande tradition lyrique.

Entre la guerre de Sécession et la Première Guerre mondiale, il fut l’établissement le plus élégant et le plus en vue de la ville. L’ouverture de la saison d’opéra marquait officiellement l’ouverture de la saison mondaine. Assister à une représentation n’était pas seulement un acte culturel, mais un événement social codifié, régi par des rituels précis. Les familles les plus anciennes et les plus influentes possédaient des loges — les célèbres loges grilles — transmises de génération en génération.

À l’instar de l’Opéra de Vienne aujourd’hui, le French Opera House n’était pas uniquement un lieu d’opéra : on y donnait également des ballets et des bals de la haute société, renforçant son rôle central dans l’identité culturelle de la ville.

Sur le plan artistique, le théâtre confirma le rôle pionnier de La Nouvelle-Orléans dans la diffusion de l’opéra en Amérique. De nombreuses œuvres françaises y furent entendues avant New York, Boston ou Philadelphie. Le répertoire de Massenet, Gounod, Lalo, Ambroise Thomas, Saint-Saëns, mais aussi de compositeurs italiens de la fin du siècle comme Cilea et Giordano, y occupait une place essentielle.

Parmi les événements les plus marquants figure la création américaine de Le roi de Lahore de Jules Massenet en 1883, qui fut le triomphe de la saison et un véritable phénomène social. Plus tard, Esclarmonde, autre chef-d’œuvre de Massenet, y fut entendue pour la première fois en Amérique en 1893, confirmant le goût du public de La Nouvelle-Orléans pour les œuvres les plus ambitieuses et novatrices de l’opéra français.

Une capitale lyrique oubliée

Ainsi, bien avant que l’opéra ne devienne synonyme de New York, La Nouvelle-Orléans fut la véritable porte d’entrée de l’opéra en Amérique. Le Théâtre d’Orléans posa les fondations, en offrant au public américain une quantité impressionnante de premières, tandis que le French Opera House porta cette tradition à son apogée artistique et mondaine.

Même si ces théâtres ont disparu, leur héritage demeure celui d’une ville qui, pendant plus d’un siècle, fut à l’avant-garde de la vie lyrique américaine, un carrefour unique où l’Europe musicale trouvait un écho passionné et sophistiqué sur les rives du Mississippi.

Madrid - Lisette Oropesa - 10th Feb 2026

 

Lisette Oropesa - Teatro Real de Madrid - 2026

On 10 February 2026, a date destined to remain engraved in the memory of the Teatro Real, Giuseppe Verdi once again triumphed in Madrid. The concert performance of I Masnadieri became far more than a revival of a rarely performed opera: it turned into a historic evening, illuminated by the extraordinary artistry of Lisette Oropesa, whose voice transformed the night into something unforgettable.

From her first phrases as Amalia, Oropesa revealed a vocal purity and expressive intensity that immediately captivated the audience. Her soprano, luminous and agile, combined crystalline high notes with a refined legato and a deep emotional sincerity. It was a voice capable of both delicacy and dramatic fire—precisely the qualities Verdi demands from this complex heroine.

Amalia Reborn

In Act II, Amalia’s great scena and aria sequence—“Dall’infame banchetto io m’involai” followed by “Tu del mio Carlo al seno”—was delivered with a dramatic arc of remarkable coherence. Oropesa shaped the phrases with elegance and restraint, allowing the emotion to grow naturally, never forcing the voice, yet filling the hall effortlessly.

But it was the cabaletta “Carlo vive?… Oh caro accento” that ignited the theater. Sung with dazzling brilliance, fearless agility, and radiant top notes, the performance unleashed an explosion of applause that simply would not subside. The ovation became so overwhelming that the orchestra could not proceed. The only possible outcome was a bis—and when Oropesa repeated the cabaletta, she sang it with even greater freedom, confidence, and joy.

The Teatro Real erupted. Applause thundered from every corner of the hall. It was one of those rare moments when time seems suspended, when performer and audience breathe as one.

Echoes of London, 1847

The power of this evening inevitably recalled the opera’s world premiere in London, at Her Majesty’s Theatre on 22 July 1847. On that historic night, I Masnadieri was conducted by Verdi himself, and the role of Amalia was sung by Jenny Lind, the legendary Swedish soprano known across Europe as “the Nightingale of Sweden.” Her success was immense; Queen Victoria herself was present, and London was swept away by Lind’s voice and Verdi’s music.

Nearly two centuries later, history seemed to repeat itself.

Just as Jenny Lind embodied the ideal Verdi soprano of her time, Lisette Oropesa emerged in Madrid as the perfect Amalia of ours. Her performance bridged eras, reminding us of the youthful Verdi’s melodic invention, his dramatic urgency, and his gift for writing music that allows the human voice to soar.

The Nightingale of Madrid

By the end of the evening, there was no doubt left in the hall: Lisette Oropesa had written her name into the history of the Teatro Real. Her high notes—effortless, gleaming, and perfectly focused—her expressive intelligence, and her sheer vocal beauty earned her a place alongside the great sopranos associated with this role.

If Jenny Lind was the Nightingale of Sweden, then on this unforgettable night, Lisette Oropesa became the Nightingale of Madrid.

Verdi triumphed once again at the Teatro Real—this time carried on the wings of an extraordinary voice. It was a night of pure opera, pure emotion, and pure history.

A night Madrid will not soon forget.

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Lisette Oropesa, le rossignol de Madrid : Verdi triomphe à nouveau au Teatro Real

Le 10 février 2026 restera comme une date mémorable dans l’histoire du Teatro Real de Madrid. Ce soir-là, Giuseppe Verdi, l’un des piliers absolus de l’opéra italien, y connut un nouveau triomphe grâce à une interprétation d’exception de I Masnadieri, donnée en version de concert. Au centre de cette soirée historique se trouvait une artiste dont la voix, la musicalité et l’intelligence dramatique ont marqué les esprits : Lisette Oropesa.

Dès son entrée en scène dans le rôle d’Amalia, la soprano a imposé une présence vocale rare, faite de lumière, de noblesse et d’émotion sincère. Sa voix, d’une pureté cristalline, s’élève avec une facilité déconcertante, tout en conservant une ligne de chant d’un raffinement exemplaire. Oropesa possède cette qualité si précieuse chez les grandes verdiennes : l’art de faire chanter l’âme à travers la technique.

Verdi, Londres et la naissance d’un mythe

Pour comprendre la portée de cette soirée madrilène, il faut remonter à Londres, en 1847, année de la création mondiale de I Masnadieri au Her Majesty’s Theatre. Giuseppe Verdi, alors âgé de trente-quatre ans, dirigeait lui-même l’orchestre. À ses côtés, la légendaire Jenny Lind, surnommée le Rossignol de Suède, incarnait Amalia. Le succès fut immense, en présence de la reine Victoria, et consacra définitivement Verdi sur la scène internationale.

L’œuvre, inspirée de Schiller, appartient à cette période de jeunesse du compositeur où l’élan dramatique, la fougue romantique et l’écriture vocale virtuose se mêlent avec intensité. Le rôle d’Amalia exige une soprano capable d’unir souplesse belcantiste, projection héroïque et émotion contenue — des qualités que Lisette Oropesa possède de manière presque idéale.

Une Amalia de référence

Lors de la grande scène de l’Acte II — « Dall’infame banchetto io m’involai », suivie de l’air « Tu del mio Carlo al seno » — Oropesa a construit un portrait bouleversant d’Amalia, mêlant fragilité et force intérieure. Chaque phrase était ciselée avec un sens du mot et du souffle remarquable, chaque nuance pensée, jamais appuyée.

Mais c’est dans la cabalette « Carlo vive?… Oh caro accento » que la magie s’est véritablement produite. Portée par des aigus éclatants, sûrs, lumineux, la soprano a déclenché une ovation telle que l’orchestre a dû s’interrompre. Le public, en délire, n’a laissé d’autre choix que celui du bis. La reprise fut encore plus électrisante, libérée, triomphale. Le Teatro Real vibrait, littéralement, sous les applaudissements.

Le Teatro Real et Verdi : une histoire d’amour

Ce triomphe n’est pas un hasard. Le Teatro Real entretient depuis toujours un lien profond avec l’œuvre de Giuseppe Verdi. On se souvient notamment du succès éclatant de La forza del destino, opéra dont l’histoire est intimement liée à Madrid, puisque l’œuvre fut commandée pour la capitale espagnole et créée en 1862. Verdi y trouva un public fervent, passionné, capable de comprendre la profondeur humaine et dramatique de sa musique.

Depuis lors, Verdi n’a cessé de revenir, triomphalement, sur cette scène. Et ce 10 février 2026, son retour fut glorieux, porté par une voix qui semble née pour son univers musical.

Lisette Oropesa, soprano idéale pour Verdi

Lisette Oropesa s’impose aujourd’hui comme l’une des sopranos verdiennes les plus accomplies de sa génération. Son interprétation de Violetta dans La Traviata a déjà conquis les plus grandes scènes du monde, grâce à son sens du style, son émotion jamais démonstrative et sa virtuosité naturelle. Amalia confirme cette affinité profonde avec Verdi : une voix capable de la plus tendre introspection comme de l’élan le plus exalté.

Si Jenny Lind fut le Rossignol de Suède, Lisette Oropesa est désormais le Rossignol de Madrid. Sa voix, par sa clarté, son agilité et sa beauté, a fait renaître l’esprit même du romantisme verdien.

Un rêve belcantiste : Anna Bolena

Et pourtant, au-delà de Verdi, un rêve demeure. On ne peut s’empêcher d’imaginer Lisette Oropesa dans l’un des sommets du bel canto romantique : Anna Bolena de Gaetano Donizetti. Ce rôle, qui exige à la fois virtuosité, noblesse tragique et profondeur psychologique, semblerait taillé sur mesure pour elle. Sa sensibilité, son intelligence musicale et la pureté de ses aigus feraient d’elle une Anna Bolena inoubliable, digne des plus grandes.

Une nuit pour l’histoire

Ce fut donc bien plus qu’un concert. Ce fut une page d’histoire écrite au Teatro Real, une rencontre entre passé et présent, entre Verdi et Madrid, entre tradition et renouveau. Grâce à Lisette Oropesa, Verdi a une fois encore triomphé, rappelant que l’opéra, lorsqu’il est servi avec un tel art, reste une expérience bouleversante et intemporelle.

Une nuit pour la mémoire.

Une nuit que Madrid mettra longtemps à oublier.

El 10 de febrero de 2026 quedará inscrito con letras doradas en la historia del Teatro Real de Madrid. Aquella noche, la versión de concierto de I Masnadieri de Giuseppe Verdi se transformó en un acontecimiento extraordinario, en una de esas raras ocasiones en que el tiempo parece detenerse y la música, servida por una voz excepcional, adquiere una dimensión casi histórica. En el centro de ese triunfo estuvo Lisette Oropesa, verdadera protagonista de una velada que Madrid tardará mucho en olvidar.

Desde su primera intervención como Amalia, Oropesa reveló una afinidad profunda con el lenguaje verdiano. Su voz, de una pureza luminosa, se desplegó con una naturalidad asombrosa, combinando agilidad belcantista, proyección segura y una expresividad sincera, nunca exagerada. Cada frase estuvo cargada de intención, cada matiz cuidadosamente pensado, confirmando que estamos ante una soprano que no solo posee una técnica excepcional, sino también una inteligencia musical fuera de lo común.

Verdi y el nacimiento de un mito operístico

Para comprender plenamente la magnitud de esta noche, es necesario mirar hacia el pasado. I Masnadieri se estrenó mundialmente en Londres, en el Her Majesty’s Theatre, el 22 de julio de 1847, bajo la dirección del propio Verdi. El compositor, aún joven pero ya reconocido, contaba entonces con una de las mayores estrellas de la época: Jenny Lind, la legendaria soprano sueca conocida como el Ruiseñor de Suecia. La presencia de la reina Victoria y el éxito clamoroso de la función consagraron tanto a la ópera como a su protagonista.

Amalia es un rol exigente, concebido para una soprano capaz de unir lirismo, virtuosismo y una intensidad dramática contenida. Es un personaje que requiere un dominio absoluto del canto, pero también una profunda sensibilidad expresiva. En su momento, Jenny Lind encarnó ese ideal. En nuestro tiempo, Lisette Oropesa ha demostrado ser su heredera natural.

Una Amalia para la historia

En el segundo acto, la gran escena y aria de Amalia —«Dall’infame banchetto io m’involai» y «Tu del mio Carlo al seno»— fue interpretada por Oropesa con una mezcla perfecta de elegancia, emoción y control vocal. La línea de canto fluyó con una pureza conmovedora, mientras la soprano construía un retrato íntimo y profundamente humano del personaje.

Pero fue la cabaletta «Carlo vive?… Oh caro accento» la que desató la auténtica apoteosis. Con agudos radiantes, perfectamente emitidos, y una energía contagiosa, Oropesa encendió al público del Teatro Real. Los aplausos fueron tan insistentes que la orquesta no pudo continuar. El bis se volvió inevitable. En la repetición, la soprano cantó con aún mayor libertad, provocando una ovación ensordecedora. El teatro entero vibró.

El Teatro Real y Verdi: una relación profunda

Este triunfo se inscribe en una larga historia de amor entre el Teatro Real y Giuseppe Verdi. Madrid ocupa un lugar privilegiado en la biografía del compositor. La forza del destino, una de sus obras más emblemáticas, fue representada en la capital española  por primera vez y estrenada allí en 1863 con un éxito rotundo. Verdi viajó a Madrid y encontró un público apasionado y receptivo, capaz de comprender la profundidad humana y el dramatismo de su música. La forza del destino estará ligada con el Teatro Real para siempre . Verdi estuvo unos 25 días en Madrid y seguidamente viajó a Andalucia antes de volver a París junto a su esposa Giuseppina Strepponi. 

Desde entonces, el Teatro Real ha sido escenario de innumerables triunfos verdianos. La velada del 10 de febrero de 2026 confirma que esa tradición sigue viva y que Verdi continúa emocionando, con la misma fuerza, cuando su música es interpretada por artistas de excepción.

Lisette Oropesa, la soprano ideal para Verdi

Lisette Oropesa se ha consolidado como una de las grandes sopranos de su generación, especialmente en el repertorio verdiano. Su Violetta en La Traviata ya es considerada de referencia, gracias a su dominio del estilo, su sensibilidad dramática y su capacidad para unir virtuosismo y emoción. Amalia confirma esa afinidad natural con Verdi: una voz capaz de la más delicada introspección y del más ardiente ímpetu dramático.

Si Jenny Lind fue el Ruiseñor de Suecia, Lisette Oropesa es hoy, sin duda, el Ruiseñor de Madrid. Sus agudos luminosos, su timbre puro y su elegancia innata han conquistado al público madrileño de manera definitiva.

Un sueño belcantista: Anna Bolena

Y sin embargo, más allá de Verdi, surge inevitablemente un sueño. Pensar en Lisette Oropesa es pensar también en el gran repertorio belcantista. Resulta imposible no imaginarla como Anna Bolena de Gaetano Donizetti. Ese papel, que exige virtuosismo extremo, nobleza trágica y una profunda introspección psicológica, parece hecho a su medida. Su musicalidad, su control técnico y su sensibilidad artística harían de ella una Anna Bolena memorable, digna de las grandes intérpretes de la historia.

Una noche para la eternidad

Lo ocurrido en el Teatro Real fue mucho más que un concierto. Fue una noche histórica, un diálogo entre pasado y presente, entre Verdi y Madrid, entre la tradición y la renovación. Gracias a Lisette Oropesa, la música de Verdi volvió a triunfar con fuerza arrolladora, recordándonos que el arte del canto, cuando alcanza este nivel de excelencia, sigue siendo una experiencia profundamente conmovedora y eterna.

Una noche para recordar.

Una noche que Madrid no olvidará jamás.

New York - Lady Macbeth - Lise Davidsen - 22 Sep 2026 - Season Opening Night

On September 22, 2026, there will be no place in the world where an opera lover should be but Manhattan. That night, the curtain at the Metropolitan Opera House will rise to open the season with an event already generating fervor in all operatic circles: Lise Davidsen's debut as Lady Macbeth.

The great Norwegian soprano, one of the most imposing, majestic and admired voices of our time, will take on for the first time one of the most feared and fascinating roles ever written by Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth is no ordinary role. It is a vocal and dramatic abyss. Verdi, obsessed with expressive intensity, had the soprano from the Florence premiere rehearse more than 150 times. He wasn't looking for conventional beauty: he demanded character, ferocity, darkness, theatrical electricity. New York, as demanding as Verdi himself, expects exactly that.

And Davidsen has everything she needs to set the stage ablaze.

After her dazzling Isolde in Barcelona—a worthy heir to the great Wagnerian repertoire—and her memorable Toscas and Leonoras, the soprano now faces a different challenge: less heroic and more venomous; less luminous and more demonic. Her instrument, ample, steely, and noble, must be tinged with shadows to embody the ambitious and terrible wife of the Scottish tyrant. Expectations are sky-high. The emotion, uncontainable.

A lineage of goddesses

By taking on this role, Davidsen joins a legendary lineage:

Elena Souliotis,

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michele Crider,

and, above all in the collective imagination, the immortal Maria Callas.

All of them carried Lady Macbeth to Olympus. Now, a new star is ready to claim her place.

A stellar cast for a historic evening

The Met Orchestra will be conducted by its music director, Yannick Nézet-Séguin, a guarantee of dramatic tension and sonic refinement.

The evening's Macbeth will be the prestigious baritone Quinn Kelsey, whose powerful voice and stage presence promise an intense and tormented portrayal of the ambitious king. Alongside him, the imposing Banquo of Ryan Speedo Green will bring depth and nobility, while Macduff will be played by Freddie De Tommaso and Rafael Davila.

The new production will be directed by Louisa Proske, with set design by Jon Bausor, costumes by Montana Levi Blanco, and lighting by Adam Silverman. The choreography will be by Jorrell Lawyer-Jefferson, and the fight direction by Ran Arthur Braun, with the chorus prepared by Tilman Michael.

The Night That Will Make History

All of New York will be there. And half the planet will fly to the United States to not miss the performance of the year. The best seats are already coveted. Because this isn't just a season opening: it's the crowning achievement of one of today's most acclaimed sopranos in one of the most extreme roles in the repertoire. My favorite recording is by Maria Callas. She captures the character's ruthless ambition with ferocity and profound psychological understanding, especially in arias like "La luce langue." Maria Callas not only sings, but performs with a ferocity and psychological nuance that make Lady Macbeth an unforgettable character. 

September 22, 2026, will be one of those dates that, decades from now, will be remembered with a sigh: "I was there."

And when Davidsen utters her first line—dark, hypnotic, relentless—we will know that we are witnessing the birth of a new Lady Macbeth for the ages. 

El 22 de septiembre de 2026, no habrá lugar en el mundo donde un amante de la ópera deba estar más que en Manhattan. Esa noche, el telón del Metropolitan Opera House se alzará para inaugurar la temporada con un evento que ya genera entusiasmo en el mundo de la ópera: el debut de Lise Davidsen como Lady Macbeth.

Sí, está confirmado. La gran soprano noruega, una de las voces más imponentes y admiradas de nuestro tiempo, interpretará por primera vez uno de los papeles más temidos y cautivadores jamás escritos por Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth no es un papel cualquiera. Es un abismo vocal y dramático. Verdi, obsesionado con la intensidad expresiva, hizo ensayar a la soprano más de 150 veces para el estreno en Florencia. No buscaba belleza convencional: exigía carácter, ferocidad, oscuridad, electricidad teatral. Nueva York, tan exigente como el propio Verdi, espera precisamente eso.

Y Davidsen lo tiene todo para incendiar el escenario.

Tras su deslumbrante Isolda en Barcelona —digna heredera del gran repertorio wagneriano— y su memorable Tosca y Leonora, la soprano se enfrenta ahora a un reto diferente: menos heroico y más venenoso; menos luminoso y más demoníaco. Su instrumento, amplio, férreo y noble, debe teñirse de sombras para encarnar a la ambiciosa y terrible esposa del tirano escocés. Las expectativas son altísimas. La emoción, incontenible.

Un linaje de diosas

Al aceptar este papel, Davidsen se une a un linaje legendario:

Elena Souliotis,

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michèle Crider,

y, sobre todo en el imaginario colectivo, la inmortal Maria Callas.

Todas ellas han llevado a Lady Macbeth al Olimpo. Ahora, una nueva estrella está lista para ocupar su lugar.

Un elenco estelar para una noche histórica

La Orquesta del Met estará dirigida por su director musical, Yannick Nézet-Séguin, garantía de tensión dramática y sofisticación sonora.

El Macbeth de la noche será el reconocido barítono Quinn Kelsey, cuya potente voz y presencia escénica prometen una interpretación intensa y atormentada del ambicioso rey. Junto a él, el imponente Banquo de Ryan Speedo Green aportará profundidad y nobleza, mientras que Macduff será interpretado por Freddie De Tommaso y Rafael Dávila.

La nueva producción estará dirigida por Louisa Proske, con escenografía de Jon Bausor, vestuario de Montana Levi Blanco e iluminación de Adam Silverman. La coreografía estará a cargo de Jorrell Lawyer-Jefferson, la dirección de lucha de Ran Arthur Braun y el coro preparado por Tilman Michael.

La noche que hará historia

Todo Nueva York estará allí. Y medio planeta volará a Estados Unidos para ver el espectáculo del año. Los mejores asientos ya están codiciados. Porque esto no es solo el estreno de la temporada: es el logro supremo de una de las sopranos más aclamadas de la actualidad en uno de los papeles más extremos del repertorio. Mi grabación favorita es la de Maria Callas. Captura la ambición despiadada del personaje con ferocidad y profunda perspicacia psicológica, especialmente en arias como "La luce langue". Maria Callas no solo canta, sino que interpreta con una ferocidad y un matiz psicológico que hacen de Lady Macbeth un personaje inolvidable.

El 22 de septiembre de 2026 será una de esas fechas que, dentro de décadas, se recordará con un suspiro: "Yo estuve allí".

Y cuando Davidsen pronuncie su primer verso —oscuro, hipnótico, implacable—, sabremos que estamos presenciando el nacimiento de una nueva Lady Macbeth que perdurará para siempre.

Le 22 septembre 2026, aucun amateur d'opéra ne devrait se trouver qu'à Manhattan. Ce soir-là, le rideau se lèvera au Metropolitan Opera House pour inaugurer la saison avec un événement qui suscite déjà l'enthousiasme dans tous les milieux lyriques : les débuts de Lise Davidsen dans le rôle de Lady Macbeth.

Oui, c'est confirmé. La grande soprano norvégienne, l'une des voix les plus imposantes et admirées de notre époque, interprétera pour la première fois l'un des rôles les plus redoutables et fascinants jamais écrits par Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth n'est pas un rôle ordinaire. C'est un abîme vocal et dramatique. Verdi, obsédé par l'intensité expressive, a fait répéter la soprano plus de 150 fois dès la première florentine. Il ne recherchait pas une beauté conventionnelle : il exigeait du caractère, de la férocité, de la noirceur, une énergie théâtrale. New York, aussi exigeante que Verdi lui-même, attend précisément cela.

Et Davidsen a tout ce qu'il faut pour embraser la scène.

Après son interprétation éblouissante d'Isolde à Barcelone – digne héritière du grand répertoire wagnérien – et ses Tosca et Leonora mémorables, la soprano se trouve face à un défi différent : moins héroïque et plus venimeux ; moins lumineux et plus démoniaque. Sa voix, ample, puissante et noble, doit se teinter d'ombres pour incarner l'épouse ambitieuse et terrible du tyran écossais. Les attentes sont immenses. L'émotion, incontrôlable.

Une lignée de déesses

En acceptant ce rôle, Davidsen rejoint une lignée légendaire :

Elena Souliotis,

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michele Crider,

et, surtout dans l'imaginaire collectif, l'immortelle Maria Callas.

Toutes ont porté Lady Macbeth au firmament des étoiles. Désormais, une nouvelle étoile est prête à prendre sa place.

Une distribution exceptionnelle pour une soirée historique

L'Orchestre du Met sera dirigé par son directeur musical, Yannick Nézet-Séguin, gage d'une tension dramatique intense et d'une sonorité d'une grande finesse.

Le Macbeth de la soirée sera incarné par le prestigieux baryton Quinn Kelsey, dont la voix puissante et la présence scénique promettent une interprétation intense et tourmentée du roi ambitieux. À ses côtés, l'imposant Banquo de Ryan Speedo Green apportera profondeur et noblesse, tandis que Macduff sera interprété par Freddie De Tommaso et Rafael Davila.

Cette nouvelle production sera mise en scène par Louisa Proske, avec des décors de Jon Bausor, des costumes de Montana Levi Blanco et des lumières d'Adam Silverman. La chorégraphie sera signée Jorrell Lawyer-Jefferson, les combats par Ran Arthur Braun et les chœurs préparés par Tilman Michael.

La soirée qui entrera dans l'histoire

Tout New York sera présent. Et la moitié de la planète s'envolera pour les États-Unis afin de ne pas manquer le spectacle de l'année. Les meilleures places sont déjà réservées. Car il ne s'agit pas simplement d'une ouverture de saison : c'est le couronnement de l'une des sopranos les plus acclamées d'aujourd'hui, dans l'un des rôles les plus extrêmes du répertoire. Mon enregistrement préféré est celui de Maria Callas. Elle saisit l'ambition impitoyable du personnage avec une férocité et une profonde compréhension psychologique, notamment dans des airs comme « La luz langue ». Maria Callas ne se contente pas de chanter, elle interprète avec une intensité et une finesse psychologique qui font de Lady Macbeth un personnage inoubliable.

Le 22 septembre 2026 sera l'une de ces dates dont, dans des décennies, on se souviendra avec un soupir : « J'y étais.»

Et lorsque Davidsen prononcera sa première réplique – sombre, hypnotique, implacable –, nous saurons que nous assistons à la naissance d'une nouvelle Lady Macbeth, une incarnation de la légende.

Il 22 settembre 2026, non ci sarà posto al mondo in cui un amante dell'opera dovrebbe essere se non a Manhattan. Quella sera, il sipario del Metropolitan Opera House si alzerà per inaugurare la stagione con un evento che già suscita fervore in tutti i circoli operistici: il debutto di Lise Davidsen nei panni di Lady Macbeth.

Sì, è confermato. Il grande soprano norvegese, una delle voci più imponenti e ammirate del nostro tempo, interpreterà per la prima volta uno dei ruoli più temuti e affascinanti mai scritti da Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth non è un ruolo qualunque. È un abisso vocale e drammatico. Verdi, ossessionato dall'intensità espressiva, fece provare il soprano della prima di Firenze più di 150 volte. Non cercava la bellezza convenzionale: esigeva carattere, ferocia, oscurità, elettricità teatrale. New York, esigente quanto Verdi stesso, si aspetta esattamente questo.

E Davidsen ha tutto ciò che serve per infiammare il palcoscenico.

Dopo la sua abbagliante Isotta a Barcellona – degna erede del grande repertorio wagneriano – e le sue memorabili Tosca e Leonora, il soprano si trova ora ad affrontare una sfida diversa: meno eroica e più velenosa; meno luminosa e più demoniaca. Il suo strumento, ampio, ferreo e nobile, deve tingersi di ombre per incarnare l'ambiziosa e terribile moglie del tiranno scozzese. Le aspettative sono altissime. L'emozione, incontenibile.

Una stirpe di dee

Accettando questo ruolo, Davidsen si unisce a una stirpe leggendaria:

Elena Souliotis, 

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michele Crider,

e, soprattutto nell'immaginario collettivo, l'immortale Maria Callas.

Tutte loro hanno portato Lady Macbeth sull'Olimpo. Ora, una nuova stella è pronta a reclamare il suo posto.

Un cast stellare per una serata storica

La Met Orchestra sarà diretta dal suo direttore musicale, Yannick Nézet-Séguin, garanzia di tensione drammatica e raffinatezza sonora.

Il Macbeth della serata sarà il prestigioso baritono Quinn Kelsey, la cui voce potente e la cui presenza scenica promettono un'interpretazione intensa e tormentata dell'ambizioso re. Al suo fianco, l'imponente Banquo di Ryan Speedo Green porterà profondità e nobiltà, mentre Macduff sarà interpretato da Freddie De Tommaso e Rafael Davila.

La nuova produzione sarà diretta da Louisa Proske, con le scene di Jon Bausor, i costumi di Montana Levi Blanco e le luci di Adam Silverman. Le coreografie saranno di Jorrell Lawyer-Jefferson e la direzione dei combattimenti di Ran Arthur Braun, con il coro preparato da Tilman Michael.

La notte che farà la storia

Tutta New York sarà presente. E metà del pianeta volerà negli Stati Uniti per non perdersi lo spettacolo dell'anno. I posti migliori sono già ambiti. Perché questa non è solo un'inaugurazione di stagione: è il coronamento di uno dei soprani più acclamati di oggi in uno dei ruoli più estremi del repertorio. La mia registrazione preferita è quella di Maria Callas. Cattura l'ambizione spietata del personaggio con ferocia e profonda comprensione psicologica, soprattutto in arie come "La luce langue". Maria Callas non solo canta, ma interpreta con una ferocia e una sfumatura psicologica che rendono Lady Macbeth un personaggio indimenticabile.

Il 22 settembre 2026 sarà una di quelle date che, tra decenni, saranno ricordate con un sospiro: "Io c'ero".

E quando Davidsen pronuncerà la sua prima battuta – cupa, ipnotica, implacabile – sapremo che stiamo assistendo alla nascita di una nuova Lady Macbeth che resterà per sempre.