New York - Lady Macbeth - Lise Davidsen - 22 Sep 2026 - Season Opening Night

On September 22, 2026, there will be no place in the world where an opera lover should be but Manhattan. That night, the curtain at the Metropolitan Opera House will rise to open the season with an event already generating fervor in all operatic circles: Lise Davidsen's debut as Lady Macbeth.

The great Norwegian soprano, one of the most imposing, majestic and admired voices of our time, will take on for the first time one of the most feared and fascinating roles ever written by Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth is no ordinary role. It is a vocal and dramatic abyss. Verdi, obsessed with expressive intensity, had the soprano from the Florence premiere rehearse more than 150 times. He wasn't looking for conventional beauty: he demanded character, ferocity, darkness, theatrical electricity. New York, as demanding as Verdi himself, expects exactly that.

And Davidsen has everything she needs to set the stage ablaze.

After her dazzling Isolde in Barcelona—a worthy heir to the great Wagnerian repertoire—and her memorable Toscas and Leonoras, the soprano now faces a different challenge: less heroic and more venomous; less luminous and more demonic. Her instrument, ample, steely, and noble, must be tinged with shadows to embody the ambitious and terrible wife of the Scottish tyrant. Expectations are sky-high. The emotion, uncontainable.

A lineage of goddesses

By taking on this role, Davidsen joins a legendary lineage:

Elena Souliotis,

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michele Crider,

and, above all in the collective imagination, the immortal Maria Callas.

All of them carried Lady Macbeth to Olympus. Now, a new star is ready to claim her place.

A stellar cast for a historic evening

The Met Orchestra will be conducted by its music director, Yannick Nézet-Séguin, a guarantee of dramatic tension and sonic refinement.

The evening's Macbeth will be the prestigious baritone Quinn Kelsey, whose powerful voice and stage presence promise an intense and tormented portrayal of the ambitious king. Alongside him, the imposing Banquo of Ryan Speedo Green will bring depth and nobility, while Macduff will be played by Freddie De Tommaso and Rafael Davila.

The new production will be directed by Louisa Proske, with set design by Jon Bausor, costumes by Montana Levi Blanco, and lighting by Adam Silverman. The choreography will be by Jorrell Lawyer-Jefferson, and the fight direction by Ran Arthur Braun, with the chorus prepared by Tilman Michael.

The Night That Will Make History

All of New York will be there. And half the planet will fly to the United States to not miss the performance of the year. The best seats are already coveted. Because this isn't just a season opening: it's the crowning achievement of one of today's most acclaimed sopranos in one of the most extreme roles in the repertoire. My favorite recording is by Maria Callas. She captures the character's ruthless ambition with ferocity and profound psychological understanding, especially in arias like "La luce langue." Maria Callas not only sings, but performs with a ferocity and psychological nuance that make Lady Macbeth an unforgettable character. 

September 22, 2026, will be one of those dates that, decades from now, will be remembered with a sigh: "I was there."

And when Davidsen utters her first line—dark, hypnotic, relentless—we will know that we are witnessing the birth of a new Lady Macbeth for the ages. 

El 22 de septiembre de 2026, no habrá lugar en el mundo donde un amante de la ópera deba estar más que en Manhattan. Esa noche, el telón del Metropolitan Opera House se alzará para inaugurar la temporada con un evento que ya genera entusiasmo en el mundo de la ópera: el debut de Lise Davidsen como Lady Macbeth.

Sí, está confirmado. La gran soprano noruega, una de las voces más imponentes y admiradas de nuestro tiempo, interpretará por primera vez uno de los papeles más temidos y cautivadores jamás escritos por Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth no es un papel cualquiera. Es un abismo vocal y dramático. Verdi, obsesionado con la intensidad expresiva, hizo ensayar a la soprano más de 150 veces para el estreno en Florencia. No buscaba belleza convencional: exigía carácter, ferocidad, oscuridad, electricidad teatral. Nueva York, tan exigente como el propio Verdi, espera precisamente eso.

Y Davidsen lo tiene todo para incendiar el escenario.

Tras su deslumbrante Isolda en Barcelona —digna heredera del gran repertorio wagneriano— y su memorable Tosca y Leonora, la soprano se enfrenta ahora a un reto diferente: menos heroico y más venenoso; menos luminoso y más demoníaco. Su instrumento, amplio, férreo y noble, debe teñirse de sombras para encarnar a la ambiciosa y terrible esposa del tirano escocés. Las expectativas son altísimas. La emoción, incontenible.

Un linaje de diosas

Al aceptar este papel, Davidsen se une a un linaje legendario:

Elena Souliotis,

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michèle Crider,

y, sobre todo en el imaginario colectivo, la inmortal Maria Callas.

Todas ellas han llevado a Lady Macbeth al Olimpo. Ahora, una nueva estrella está lista para ocupar su lugar.

Un elenco estelar para una noche histórica

La Orquesta del Met estará dirigida por su director musical, Yannick Nézet-Séguin, garantía de tensión dramática y sofisticación sonora.

El Macbeth de la noche será el reconocido barítono Quinn Kelsey, cuya potente voz y presencia escénica prometen una interpretación intensa y atormentada del ambicioso rey. Junto a él, el imponente Banquo de Ryan Speedo Green aportará profundidad y nobleza, mientras que Macduff será interpretado por Freddie De Tommaso y Rafael Dávila.

La nueva producción estará dirigida por Louisa Proske, con escenografía de Jon Bausor, vestuario de Montana Levi Blanco e iluminación de Adam Silverman. La coreografía estará a cargo de Jorrell Lawyer-Jefferson, la dirección de lucha de Ran Arthur Braun y el coro preparado por Tilman Michael.

La noche que hará historia

Todo Nueva York estará allí. Y medio planeta volará a Estados Unidos para ver el espectáculo del año. Los mejores asientos ya están codiciados. Porque esto no es solo el estreno de la temporada: es el logro supremo de una de las sopranos más aclamadas de la actualidad en uno de los papeles más extremos del repertorio. Mi grabación favorita es la de Maria Callas. Captura la ambición despiadada del personaje con ferocidad y profunda perspicacia psicológica, especialmente en arias como "La luce langue". Maria Callas no solo canta, sino que interpreta con una ferocidad y un matiz psicológico que hacen de Lady Macbeth un personaje inolvidable.

El 22 de septiembre de 2026 será una de esas fechas que, dentro de décadas, se recordará con un suspiro: "Yo estuve allí".

Y cuando Davidsen pronuncie su primer verso —oscuro, hipnótico, implacable—, sabremos que estamos presenciando el nacimiento de una nueva Lady Macbeth que perdurará para siempre.

Le 22 septembre 2026, aucun amateur d'opéra ne devrait se trouver qu'à Manhattan. Ce soir-là, le rideau se lèvera au Metropolitan Opera House pour inaugurer la saison avec un événement qui suscite déjà l'enthousiasme dans tous les milieux lyriques : les débuts de Lise Davidsen dans le rôle de Lady Macbeth.

Oui, c'est confirmé. La grande soprano norvégienne, l'une des voix les plus imposantes et admirées de notre époque, interprétera pour la première fois l'un des rôles les plus redoutables et fascinants jamais écrits par Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth n'est pas un rôle ordinaire. C'est un abîme vocal et dramatique. Verdi, obsédé par l'intensité expressive, a fait répéter la soprano plus de 150 fois dès la première florentine. Il ne recherchait pas une beauté conventionnelle : il exigeait du caractère, de la férocité, de la noirceur, une énergie théâtrale. New York, aussi exigeante que Verdi lui-même, attend précisément cela.

Et Davidsen a tout ce qu'il faut pour embraser la scène.

Après son interprétation éblouissante d'Isolde à Barcelone – digne héritière du grand répertoire wagnérien – et ses Tosca et Leonora mémorables, la soprano se trouve face à un défi différent : moins héroïque et plus venimeux ; moins lumineux et plus démoniaque. Sa voix, ample, puissante et noble, doit se teinter d'ombres pour incarner l'épouse ambitieuse et terrible du tyran écossais. Les attentes sont immenses. L'émotion, incontrôlable.

Une lignée de déesses

En acceptant ce rôle, Davidsen rejoint une lignée légendaire :

Elena Souliotis,

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michele Crider,

et, surtout dans l'imaginaire collectif, l'immortelle Maria Callas.

Toutes ont porté Lady Macbeth au firmament des étoiles. Désormais, une nouvelle étoile est prête à prendre sa place.

Une distribution exceptionnelle pour une soirée historique

L'Orchestre du Met sera dirigé par son directeur musical, Yannick Nézet-Séguin, gage d'une tension dramatique intense et d'une sonorité d'une grande finesse.

Le Macbeth de la soirée sera incarné par le prestigieux baryton Quinn Kelsey, dont la voix puissante et la présence scénique promettent une interprétation intense et tourmentée du roi ambitieux. À ses côtés, l'imposant Banquo de Ryan Speedo Green apportera profondeur et noblesse, tandis que Macduff sera interprété par Freddie De Tommaso et Rafael Davila.

Cette nouvelle production sera mise en scène par Louisa Proske, avec des décors de Jon Bausor, des costumes de Montana Levi Blanco et des lumières d'Adam Silverman. La chorégraphie sera signée Jorrell Lawyer-Jefferson, les combats par Ran Arthur Braun et les chœurs préparés par Tilman Michael.

La soirée qui entrera dans l'histoire

Tout New York sera présent. Et la moitié de la planète s'envolera pour les États-Unis afin de ne pas manquer le spectacle de l'année. Les meilleures places sont déjà réservées. Car il ne s'agit pas simplement d'une ouverture de saison : c'est le couronnement de l'une des sopranos les plus acclamées d'aujourd'hui, dans l'un des rôles les plus extrêmes du répertoire. Mon enregistrement préféré est celui de Maria Callas. Elle saisit l'ambition impitoyable du personnage avec une férocité et une profonde compréhension psychologique, notamment dans des airs comme « La luz langue ». Maria Callas ne se contente pas de chanter, elle interprète avec une intensité et une finesse psychologique qui font de Lady Macbeth un personnage inoubliable.

Le 22 septembre 2026 sera l'une de ces dates dont, dans des décennies, on se souviendra avec un soupir : « J'y étais.»

Et lorsque Davidsen prononcera sa première réplique – sombre, hypnotique, implacable –, nous saurons que nous assistons à la naissance d'une nouvelle Lady Macbeth, une incarnation de la légende.

Il 22 settembre 2026, non ci sarà posto al mondo in cui un amante dell'opera dovrebbe essere se non a Manhattan. Quella sera, il sipario del Metropolitan Opera House si alzerà per inaugurare la stagione con un evento che già suscita fervore in tutti i circoli operistici: il debutto di Lise Davidsen nei panni di Lady Macbeth.

Sì, è confermato. Il grande soprano norvegese, una delle voci più imponenti e ammirate del nostro tempo, interpreterà per la prima volta uno dei ruoli più temuti e affascinanti mai scritti da Giuseppe Verdi.

Lady Macbeth non è un ruolo qualunque. È un abisso vocale e drammatico. Verdi, ossessionato dall'intensità espressiva, fece provare il soprano della prima di Firenze più di 150 volte. Non cercava la bellezza convenzionale: esigeva carattere, ferocia, oscurità, elettricità teatrale. New York, esigente quanto Verdi stesso, si aspetta esattamente questo.

E Davidsen ha tutto ciò che serve per infiammare il palcoscenico.

Dopo la sua abbagliante Isotta a Barcellona – degna erede del grande repertorio wagneriano – e le sue memorabili Tosca e Leonora, il soprano si trova ora ad affrontare una sfida diversa: meno eroica e più velenosa; meno luminosa e più demoniaca. Il suo strumento, ampio, ferreo e nobile, deve tingersi di ombre per incarnare l'ambiziosa e terribile moglie del tiranno scozzese. Le aspettative sono altissime. L'emozione, incontenibile.

Una stirpe di dee

Accettando questo ruolo, Davidsen si unisce a una stirpe leggendaria:

Elena Souliotis, 

Birgit Nilsson,

Leonie Rysanek

Shirley Verrett,

Maria Guleghina,

Michele Crider,

e, soprattutto nell'immaginario collettivo, l'immortale Maria Callas.

Tutte loro hanno portato Lady Macbeth sull'Olimpo. Ora, una nuova stella è pronta a reclamare il suo posto.

Un cast stellare per una serata storica

La Met Orchestra sarà diretta dal suo direttore musicale, Yannick Nézet-Séguin, garanzia di tensione drammatica e raffinatezza sonora.

Il Macbeth della serata sarà il prestigioso baritono Quinn Kelsey, la cui voce potente e la cui presenza scenica promettono un'interpretazione intensa e tormentata dell'ambizioso re. Al suo fianco, l'imponente Banquo di Ryan Speedo Green porterà profondità e nobiltà, mentre Macduff sarà interpretato da Freddie De Tommaso e Rafael Davila.

La nuova produzione sarà diretta da Louisa Proske, con le scene di Jon Bausor, i costumi di Montana Levi Blanco e le luci di Adam Silverman. Le coreografie saranno di Jorrell Lawyer-Jefferson e la direzione dei combattimenti di Ran Arthur Braun, con il coro preparato da Tilman Michael.

La notte che farà la storia

Tutta New York sarà presente. E metà del pianeta volerà negli Stati Uniti per non perdersi lo spettacolo dell'anno. I posti migliori sono già ambiti. Perché questa non è solo un'inaugurazione di stagione: è il coronamento di uno dei soprani più acclamati di oggi in uno dei ruoli più estremi del repertorio. La mia registrazione preferita è quella di Maria Callas. Cattura l'ambizione spietata del personaggio con ferocia e profonda comprensione psicologica, soprattutto in arie come "La luce langue". Maria Callas non solo canta, ma interpreta con una ferocia e una sfumatura psicologica che rendono Lady Macbeth un personaggio indimenticabile.

Il 22 settembre 2026 sarà una di quelle date che, tra decenni, saranno ricordate con un sospiro: "Io c'ero".

E quando Davidsen pronuncerà la sua prima battuta – cupa, ipnotica, implacabile – sapremo che stiamo assistendo alla nascita di una nuova Lady Macbeth che resterà per sempre.

Madrid - Lisette Oropesa - I Masnadieri - 10 & 14 Feb 2026

Teatro Real de Madrid - 11 de marzo de 1854 - Estreno de I Masnadieri

Quel cadeau extraordinaire nous offre le Teatro Real avec I masnadieri, un opéra de jeunesse de Verdi débordant de passion, de fougue romantique et de mélodies qui annoncent déjà le génie immense qui allait conquérir le monde. L'écouter aujourd'hui, en version de concert et avec une distribution aussi éblouissante, c'est presque comme ouvrir une fenêtre sur le XIXe siècle et ressentir à nouveau cette sensation vertigineuse de découverte qu'ont dû éprouver les premiers auditeurs de Verdi.

Et au cœur de tout cela, comme hier et aujourd'hui, une soprano exceptionnelle.

Lisette Oropesa, étoile rayonnante de notre époque, arrive à Madrid après son triomphe historique au Metropolitan Opera de New York avec I puritani. Sa voix lumineuse et souple, avec ses aigus célestes et son phrasé exquis, semble faite pour le bel canto et pour ces héroïnes romantiques qui vivent au milieu de l'amour, du sacrifice et de la tragédie. Quand elle chante, le temps s'arrête : il y a pureté, émotion et une beauté qui touche profondément l'auditeur.

Ce n'est pas un hasard si l'on évoque inévitablement la légendaire Jenny Lind, l'immortelle « Rossignol suédois ».

Jenny Lind était bien plus qu'une grande chanteuse : elle était un phénomène artistique et social sans précédent. Née en 1820, dotée d'une voix prodigieuse dès son enfance, elle se forma auprès de Manuel García à Paris, qui lui transmit une technique de bel canto solide et saine, fondement de son miracle vocal. Elle conquit rapidement l'Europe : Berlin, Vienne, toute l'Allemagne, avec des rôles tels que Norma, Lucia, Amina, Alice dans Robert le diable, et tant d'héroïnes qui semblaient écrites pour elle.

Les grands compositeurs la vénéraient : Meyerbeer, Mendelssohn, Schumann, Berlioz. Non seulement pour sa voix – considérée comme la plus belle de son temps – mais aussi pour son extraordinaire talent dramatique. Jenny ne se contentait pas de chanter : elle vivait chaque personnage avec une intensité qui faisait pleurer le public.

Et Londres était sous son charme.

En 1847, il y fit ses débuts dans Robert le diable, et ce fut un véritable triomphe. La reine Victoria assista à toutes les représentations, seize soirs de suite, un événement sans précédent dans l'histoire de l'opéra. La société londonienne bruissait de paroles sur le Rossignol suédois.

C'est alors que l'impresario Benjamin Lumley commanda à Verdi un nouvel opéra pour son théâtre. Et Verdi, conscient d'avoir devant lui la soprano la plus admirée au monde, composa I masnadieri en pensant à sa voix. Il se rendit personnellement à Londres, écouta Jenny Lind, adapta le rôle d'Amalia à ses capacités vocales, dirigea la première le 22 juillet 1847… et le succès fut retentissant. La Reine, le Prince Albert, le Duc de Wellington et toute l'aristocratie britannique étaient présents pour célébrer une soirée historique.

Ainsi naquit I masnadieri : dans la gloire, l'attente et avec une soprano légendaire.

Et aujourd'hui, près de deux siècles plus tard, cette magie renaît.

Car lorsque Lisette Oropesa chante Amalia, il est impossible de ne pas ressentir ce lien invisible qui unit passé et présent. Son timbre pur, sa technique impeccable, sa musicalité d'une finesse exquise et sa puissance expressive font revivre l'idéal de la soprano accomplie incarné par Jenny Lind. Toutes deux possèdent cette rare combinaison de virtuosité, d'émotion et de lumière intérieure qui rend chaque phrase inoubliable.

Sous la direction de Francesco Lanzillotta, avec le Chœur du Teatro Real préparé par José Luis Basso et une distribution aussi prestigieuse – Vinogradov, Pretti, Olivieri et bien d'autres –, ces représentations promettent d'être bien plus que de simples concerts : de véritables événements verdiens.

Écouter I masnadieri aujourd'hui, c'est revivre un opéra né pour une diva légendaire… interprété par une diva de notre temps.

Comme si l'écho du Londres de 1847 résonnait à nouveau à Madrid.

Comme si le rossignol suédois chantait à nouveau, incarné cette fois par la voix lumineuse de Lisette Oropesa.

Une soirée chargée d'histoire, d'émotion et de pure beauté.

Qué regalo tan extraordinario el que nos ofrece el Teatro Real con I masnadieri, una ópera de juventud de Verdi cargada de pasión, fuego romántico y melodías que ya anuncian al gran genio que estaba por conquistar el mundo. Escucharla hoy, en versión concierto y con un reparto tan deslumbrante, es casi como abrir una ventana al siglo XIX y sentir de nuevo ese vértigo de descubrimiento que debieron vivir los primeros oyentes de Verdi.

Y en el centro de todo, como entonces y como ahora, una gran soprano.

Lisette Oropesa —radiante estrella de nuestro tiempo— llega a Madrid tras su triunfo histórico en el Metropolitan de Nueva York con I puritani. Su voz luminosa, flexible, de agudos celestiales y fraseo exquisito parece hecha para el bel canto y para estas heroínas románticas que viven entre el amor, el sacrificio y la tragedia. Cuando canta, el tiempo se detiene: hay pureza, emoción y una belleza que conmueve profundamente.

No es casual que evoque inevitablemente a la legendaria Jenny Lind, la inmortal “ruiseñor sueca”.

Jenny Lind fue mucho más que una gran cantante: fue un fenómeno artístico y social como el mundo no había conocido antes. Nacida en 1820, dotada de una voz prodigiosa desde niña, se formó con Manuel García en París, quien le dio una técnica de bel canto sólida y saludable que sería la base de su milagro vocal. Pronto conquistó Europa: Berlín, Viena, Alemania entera, con papeles como Norma, Lucia, Amina, Alice de Robert le diable, y tantas heroínas que parecían escritas para su sensibilidad.

Los grandes compositores la veneraban: Meyerbeer, Mendelssohn, Schumann, Berlioz. No solo por su voz —considerada la más bella de su tiempo— sino por su extraordinaria capacidad dramática. Jenny no solo cantaba: vivía cada personaje con una intensidad que hacía llorar a los teatros.

Y Londres cayó rendida a sus pies.

En 1847 debutó allí con Robert le diable y fue una auténtica locura colectiva. La reina Victoria asistió a función tras función, dieciséis noches seguidas, algo jamás repetido en la historia de la ópera. La sociedad londinense no hablaba de otra cosa que del ruiseñor sueco.

Fue entonces cuando el empresario Benjamin Lumley encargó a Verdi una nueva ópera para su teatro. Y Verdi, consciente de que tenía ante sí a la soprano más admirada del mundo, escribió I masnadieri pensando en su voz. Viajó personalmente a Londres, escuchó a Jenny Lind, adaptó el papel de Amalia a sus cualidades, dirigió el estreno el 22 de julio de 1847… y el éxito fue clamoroso. Allí estaban la reina, el príncipe Alberto, el duque de Wellington y toda la aristocracia británica celebrando una noche histórica.

I masnadieri nació así: entre gloria, expectación y una soprano legendaria.

Y hoy, casi dos siglos después, esa magia vuelve a renacer.

Porque cuando Lisette Oropesa canta Amalia, es imposible no sentir ese hilo invisible que une pasado y presente. Su timbre puro, su técnica impecable, su musicalidad refinadísima y su capacidad expresiva nos devuelven ese ideal de soprano total que encarnó Jenny Lind. Ambas poseen esa rara combinación de virtuosismo, emoción y luz interior que convierte cada frase en algo inolvidable.

Con la dirección de Francesco Lanzillotta, el Coro del Teatro Real preparado por José Luis Basso, y un elenco tan sólido —Vinogradov, Pretti, Olivieri y compañía— estas funciones prometen ser mucho más que conciertos: serán auténticos acontecimientos verdianos.

Escuchar I masnadieri hoy es revivir una ópera nacida para una diva legendaria… en la voz de una diva de nuestro tiempo.

Como si el eco del Londres de 1847 regresara a Madrid.

Como si el ruiseñor sueco volviera a cantar, transformado ahora en la luminosa voz de Lisette Oropesa.

Una noche de historia, emoción y belleza pura. 

Her Majesty’s Theatre, July 22, 1847

London had not slept.

From Mayfair to Covent Garden, from drawing rooms glowing with candlelight to newspapers still warm from the press, a single name was on every tongue:

Jenny Lind.

The Swedish Nightingale.

And now — joined with another rising legend — Giuseppe Verdi himself.

Never before had the city felt such anticipation for an operatic premiere.

Her Majesty’s Theatre shimmered beneath the summer sky, its façade blazing with gaslight, carriages arriving in an endless golden procession. Silk gowns whispered over marble steps. Gentlemen in black tailcoats adjusted white gloves with trembling excitement. Jewels sparkled like constellations in the warm London air.

This was not merely an opera.

It was an event of history.

Benjamin Lumley, the impresario who had already triumphed with Ernani, had persuaded Verdi to compose a brand-new work especially for London — and especially for Jenny Lind. The composer had crossed Europe for it, traveling from Italy through Paris and over the Channel, eager to hear the legendary soprano with his own ears and reshape the role of Amalia to the miraculous qualities of her voice.

Verdi arrived in London in early June. He listened to Lind rehearse.

And like Meyerbeer before him, he was astonished.

Her tone possessed a purity that seemed almost supernatural — silver-bright, effortless in the high register, yet warm with human emotion. He adjusted phrases, refined melodic lines, and molded the role so that her voice could soar like the nightingale she was named for.

Now — after weeks of rehearsals — the moment had come.

Inside the theatre, every seat was filled.

Not merely with audiences — but with the heart of the British Empire.

In the royal box sat Queen Victoria herself beside Prince Albert, both radiant with expectation. Nearby were dukes, ministers, generals, ambassadors, the glittering elite of Victorian society. Even the Duke of Wellington was present. London’s aristocracy had gathered as if for a coronation.

When the house lights softened, a hush swept through the hall.

And then — a stir.

The orchestra rose.

At the podium stood Giuseppe Verdi.

Not a guest conductor.

Not a symbolic presence.

The composer himself would conduct the world premiere of his new opera:

I Masnadieri.

Applause erupted like thunder.

Verdi bowed briefly — serious, intense, his dark eyes already burning with concentration — then lifted his baton.

Silence.

The first chords burst forth.

Music filled the theatre with dramatic urgency — stormy, youthful, passionate — the sound of a composer on the brink of greatness.

And then she appeared.

Jenny Lind.

The moment her voice floated into the hall, something extraordinary happened.

Conversation ceased.

Fans froze mid-breath.

Even royalty leaned forward.

Her sound was not merely beautiful — it seemed to glow.

Clear as crystal, soft as moonlight, powerful as a rising tide.

When she sang Amalia’s great phrases of longing and sorrow, the audience was visibly moved. Ladies dabbed tears behind lace handkerchiefs. Gentlemen stared in awe. Some whispered prayers of disbelief.

Verdi himself, conducting, could hardly conceal his emotion.

This was why he had written the role this way.

This was the voice he had imagined.

Act after act unfolded in mounting passion — brother against brother, love against fate, freedom against doom — Verdi’s youthful fire blazing through every ensemble and chorus.

But always, at the emotional heart of the drama, stood Jenny Lind.

Her pianissimi floated like breath itself.

Her high notes rang like bells in a cathedral.

Her acting — tender, tragic, deeply human — transformed opera into living drama.

By the final curtain, the theatre exploded.

Applause crashed like waves against cliffs.

Shouts of “Brava! Bravissima!” echoed from every tier. Hats were flung into the air. Canes struck the floor in thunderous rhythm.

The Queen herself applauded enthusiastically — a rare and powerful gesture.

Prince Albert turned to those beside him in admiration.

Verdi was called to the stage again and again.

Jenny Lind was summoned endlessly — each time greeted with even greater frenzy.

London had witnessed something unforgettable.

The newspapers would write the next morning that society spoke of nothing else. That the opera was a triumph. That Verdi was a genius. That Jenny Lind was not merely a singer, but a miracle.

And Queen Victoria would return — not once, not twice — but sixteen times, attending performance after performance, drawn back by the spell of the Swedish Nightingale.

No soprano before or since would ever inspire such devotion from a monarch.

Queen Victoria - 1847

From Jenny Lind to Lisette Oropesa

Nearly two centuries later, the spirit of that night lives again.

When Lisette Oropesa sings Amalia today, we hear that same lineage of vocal purity, emotional truth, and luminous bel canto artistry. Like Jenny Lind, she unites flawless technique with heartfelt expression. Like Jenny Lind, she makes audiences fall silent in wonder — then erupt in joy.

And as the Teatro Real presents I Masnadieri once more, history circles back upon itself.

The opera born for the world’s greatest soprano of the 19th century now finds its voice in one of the greatest sopranos of our own time.

A bridge across centuries.

A flame passed from legend to legend.

From the gaslit brilliance of Her Majesty’s Theatre in 1847…

to the glowing stage of Madrid today.

And once again, Verdi’s music soars — carried by a voice that makes us dream.

Quel cadeau extraordinaire nous offre le Teatro Real avec I masnadieri, un opéra de jeunesse de Verdi débordant de passion, de fougue romantique et de mélodies qui annoncent déjà le génie immense qui allait conquérir le monde. L'écouter aujourd'hui, en version de concert et avec une distribution aussi éblouissante, c'est presque comme ouvrir une fenêtre sur le XIXe siècle et ressentir à nouveau cette sensation vertigineuse de découverte qu'ont dû éprouver les premiers auditeurs de Verdi.

Et au cœur de tout cela, comme hier et aujourd'hui, une soprano exceptionnelle.

Lisette Oropesa, étoile rayonnante de notre époque, arrive à Madrid après son triomphe historique au Metropolitan Opera de New York avec I puritani. Sa voix lumineuse et souple, avec ses aigus célestes et son phrasé exquis, semble faite pour le bel canto et pour ces héroïnes romantiques qui vivent au milieu de l'amour, du sacrifice et de la tragédie. Quand elle chante, le temps s'arrête : il y a pureté, émotion et une beauté qui touche profondément l'auditeur.

Ce n'est pas un hasard si l'on évoque inévitablement la légendaire Jenny Lind, l'immortelle « Rossignol suédois ».

Jenny Lind était bien plus qu'une grande chanteuse : elle était un phénomène artistique et social sans précédent. Née en 1820, dotée d'une voix prodigieuse dès son enfance, elle se forma auprès de Manuel García à Paris, qui lui transmit une technique de bel canto solide et saine, fondement de son miracle vocal. Elle conquit rapidement l'Europe : Berlin, Vienne, toute l'Allemagne, avec des rôles tels que Norma, Lucia, Amina, Alice dans Robert le diable, et tant d'héroïnes qui semblaient écrites pour elle.

Les grands compositeurs la vénéraient : Meyerbeer, Mendelssohn, Schumann, Berlioz. Non seulement pour sa voix – considérée comme la plus belle de son temps – mais aussi pour son extraordinaire talent dramatique. Jenny ne se contentait pas de chanter : elle vivait chaque personnage avec une intensité qui faisait pleurer le public.

Et Londres était sous son charme.

En 1847, il y fit ses débuts dans Robert le diable, et ce fut un véritable triomphe. La reine Victoria assista à toutes les représentations, seize soirs de suite, un événement sans précédent dans l'histoire de l'opéra. La société londonienne bruissait de paroles sur le Rossignol suédois.

C'est alors que l'impresario Benjamin Lumley commanda à Verdi un nouvel opéra pour son théâtre. Et Verdi, conscient d'avoir devant lui la soprano la plus admirée au monde, composa I masnadieri en pensant à sa voix. Il se rendit personnellement à Londres, écouta Jenny Lind, adapta le rôle d'Amalia à ses capacités vocales, dirigea la première le 22 juillet 1847… et le succès fut retentissant. La Reine, le Prince Albert, le Duc de Wellington et toute l'aristocratie britannique étaient présents pour célébrer une soirée historique.

Ainsi naquit I masnadieri : dans la gloire, l'attente et avec une soprano légendaire.

Et aujourd'hui, près de deux siècles plus tard, cette magie renaît.

Car lorsque Lisette Oropesa chante Amalia, il est impossible de ne pas ressentir ce lien invisible qui unit passé et présent. Son timbre pur, sa technique impeccable, sa musicalité d'une finesse exquise et sa puissance expressive font revivre l'idéal de la soprano accomplie incarné par Jenny Lind. Toutes deux possèdent cette rare combinaison de virtuosité, d'émotion et de lumière intérieure qui rend chaque phrase inoubliable.

Sous la direction de Francesco Lanzillotta, avec le Chœur du Teatro Real préparé par José Luis Basso et une distribution aussi prestigieuse – Vinogradov, Pretti, Olivieri et bien d'autres –, ces représentations promettent d'être bien plus que de simples concerts : de véritables événements verdiens.

Écouter I masnadieri aujourd'hui, c'est revivre un opéra né pour une diva légendaire… interprété par une diva de notre temps.

Comme si l'écho du Londres de 1847 résonnait à nouveau à Madrid.

Comme si le rossignol suédois chantait à nouveau, incarné cette fois par la voix lumineuse de Lisette Oropesa.

Une soirée chargée d'histoire, d'émotion et de pure beauté.

What an extraordinary gift the Teatro Real offers us with I masnadieri, an early Verdi opera brimming with passion, romantic fire, and melodies that already foreshadow the great genius who was about to conquer the world. Listening to it today, in concert version and with such a dazzling cast, is almost like opening a window to the 19th century and feeling once again that dizzying sense of discovery that Verdi's first listeners must have experienced.

And at the heart of it all, as then and as now, a great soprano.

Lisette Oropesa—a radiant star of our time—arrives in Madrid after her historic triumph at the Metropolitan Opera in New York with I puritani. Her luminous, flexible voice, with its celestial high notes and exquisite phrasing, seems made for bel canto and for these romantic heroines who live amidst love, sacrifice, and tragedy. When she sings, time stands still: there is purity, emotion, and a beauty that deeply moves the listener.

It is no coincidence that it inevitably evokes the legendary Jenny Lind, the immortal “Swedish Nightingale.”

Jenny Lind was much more than a great singer: she was an artistic and social phenomenon the world had never known before. Born in 1820, gifted with a prodigious voice from childhood, she trained with Manuel García in Paris, who gave her a solid and healthy bel canto technique that would become the foundation of her vocal miracle. She soon conquered Europe: Berlin, Vienna, all of Germany, with roles like Norma, Lucia, Amina, Alice in Robert le diable, and so many heroines that seemed written for her sensibility.

The great composers revered her: Meyerbeer, Mendelssohn, Schumann, Berlioz. Not only for her voice—considered the most beautiful of her time—but for her extraordinary dramatic ability. Jenny didn't just sing: she lived each character with an intensity that brought tears to theaters.

And London fell at her feet.

In 1847, he debuted there with Robert le diable, and it was a veritable collective sensation. Queen Victoria attended performance after performance, sixteen nights in a row, something never before repeated in the history of opera. London society was abuzz with talk of the Swedish Nightingale.

It was then that the impresario Benjamin Lumley commissioned Verdi to write a new opera for his theater. And Verdi, aware that he had before him the most admired soprano in the world, wrote I masnadieri with her voice in mind. He traveled to London personally, listened to Jenny Lind, adapted the role of Amalia to her vocal abilities, conducted the premiere on July 22, 1847… and the success was resounding. The Queen, Prince Albert, the Duke of Wellington, and the entire British aristocracy were there, celebrating a historic night.

I masnadieri was thus born: amidst glory, anticipation, and a legendary soprano.

And today, almost two centuries later, that magic is reborn.

Because when Lisette Oropesa sings Amalia, it's impossible not to feel that invisible thread that connects past and present. Her pure timbre, her impeccable technique, her exquisitely refined musicality, and her expressive power bring back that ideal of the complete soprano embodied by Jenny Lind. Both possess that rare combination of virtuosity, emotion, and inner light that makes every phrase unforgettable.

With Francesco Lanzillotta conducting, the Teatro Real Chorus prepared by José Luis Basso, and such a solid cast—Vinogradov, Pretti, Olivieri, and company—these performances promise to be much more than concerts: they will be true Verdi events.

Listening to I masnadieri today is to relive an opera born for a legendary diva… in the voice of a diva of our time.

As if the echo of London in 1847 were returning to Madrid.

As if the Swedish nightingale were singing again, now transformed into the luminous voice of Lisette Oropesa.

A night of history, emotion, and pure beauty.

Prague - Nadine Sierra - 14th Feb 2026 - Smetana Hall

On February 14th, Valentine’s Day, Prague will become the setting for an extraordinary musical celebration of love. In one of Europe’s most beautiful and historic concert halls, the Smetana Hall, audiences will be treated to a very special concert starring the internationally acclaimed soprano Nadine Sierra, accompanied by the Prague Philharmonia.

Nadine Sierra, one of the brightest stars of today’s operatic world, returns to Prague after her previous appearances were met with great success and enthusiastic acclaim. The anticipation surrounding her new visit is immense, and the Prague audience is eagerly awaiting the return of this American soprano with her unmistakable golden voice.

Sierra is currently triumphing on the world’s greatest stages: she has recently enchanted New York as Amina, captivated Barcelona as Violetta in La Traviata, and has just achieved a resounding success in Vienna with Luisa Miller. Everywhere she goes, her performances are celebrated for their vocal brilliance, emotional depth, and irresistible stage presence. Looking ahead, expectations are already sky-high for her upcoming Traviata at La Scala in a few months , where she will sing in the very temple of world opera.

Before that historic moment, however, music lovers have the rare opportunity to experience her artistry in an equally unforgettable setting: Prague’s Municipal House, and its magnificent Smetana Hall. Built in 1912 as a tribute to the Czech nation and named after the great composer Bedřich Smetana, this hall is not only the largest and most famous concert space in the building, but also a place of deep historical significance. It was here that the independent Czechoslovak Republic was proclaimed in 1918.

The hall’s splendid Art Nouveau interior takes the breath away: paintings inspired by Slavic motifs, an ornate stained-glass ceiling, gilded lamps, and a majestic organ create a uniquely harmonious and poetic atmosphere. Every detail radiates beauty, history, and grandeur, making it a perfect home for the greatest treasures of Czech and world classical music.

There could be no more romantic scenario than listening to Nadine Sierra’s radiant voice on Valentine’s Day, surrounded by the golden glow and artistic splendor of this extraordinary hall.

Two irresistible reasons to be in Prague on February 14th:

to celebrate love in one of Europe’s most enchanting cities, and to hear one of today’s greatest opera stars in one of the world’s most beautiful concert halls.

A night to remember — where music, history, and romance come together in perfect harmony.

Le 14 février, jour de la Saint-Valentin, Prague se transformera en un véritable écrin de romantisme et de musique pour accueillir un concert extraordinaire dans l’un de ses lieux les plus emblématiques. Dans la somptueuse Salle Smetana de la Maison municipale, la grande soprano américaine Nadine Sierra se produira aux côtés de la Prague Philharmonia, pour une soirée placée sous le signe de l’amour et de l’excellence artistique.

Prague n’est pas seulement l’une des plus belles villes d’Europe, c’est aussi une capitale musicale mythique. Ville de compositeurs, d’opéra et de ballet, elle a inspiré et accueilli les plus grands noms de l’histoire de la musique. Mozart lui-même y triompha, choisissant Prague pour la création mondiale de Don Giovanni en 1787 — un événement qui scella à jamais le lien profond entre la ville et l’art lyrique. Depuis des siècles, Prague attire mélomanes et artistes du monde entier, séduits par son atmosphère unique, où la musique semble résonner à chaque coin de rue.

Au cœur de cette ville chargée d’histoire se dresse la Maison municipale, joyau architectural inauguré en 1912 pour célébrer la nation tchèque. Sa Salle Smetana, dédiée au grand compositeur Bedřich Smetana, est l’un des plus beaux auditoriums d’Europe. Elle fut également le théâtre de la proclamation de l’indépendance de la Tchécoslovaquie en 1918. Aujourd’hui, elle brille par son décor Art nouveau éblouissant : fresques aux motifs slaves, verrière majestueuse, lampes dorées et grand orgue monumental composent un ensemble d’une harmonie et d’une élégance rares.

C’est dans ce cadre exceptionnel que Nadine Sierra fera son retour à Prague, très attendue après le grand succès de ses précédentes apparitions. Véritable star internationale, la soprano connaît un triomphe constant sur les plus grandes scènes du monde : récemment acclamée à New York dans Amina, ovationnée à Barcelone dans La Traviata, et couronnée de succès à Vienne avec Luisa Miller. Sa voix lumineuse, son expressivité et son charisme captivent le public partout où elle se produit. L’attente est déjà immense pour ses prochaines représentations de La Traviata à La Scala de Milan en 2026, véritable temple de l’art lyrique.

En attendant cet événement, quel privilège de pouvoir entendre sa voix radieuse à Prague, dans cette ville où l’opéra, la musique symphonique et le ballet font partie de l’âme même de la cité.

Deux raisons inoubliables d’être à Prague le 14 février :

célébrer la Saint-Valentin dans l’une des villes les plus romantiques et culturelles du monde,

et vivre un moment musical d’exception avec Nadine Sierra dans un lieu chargé d’histoire et de beauté.

Une soirée où Prague, la musique et l’amour ne feront plus qu’un. 

Costa Mesa - Sylvia - ABT - April 2026

In April 2026, the radiant dancers of American Ballet Theatre will bring to life the enchanting world of Sylvia at the illustrious Segerstrom Hall, accompanied by the refined artistry of the Pacific Symphony. This long-awaited engagement promises not merely a performance, but an immersion into a realm where mythology breathes, love defies destiny, and beauty unfolds in its purest form.

At the heart of this sumptuous production lies the celestial music of Léo Delibes, whose score shimmers with elegance, tenderness, and luminous charm. So profound was its impact that the great Pyotr Ilyich Tchaikovsky himself confessed admiration bordering on reverence, recognizing in Sylvia a musical jewel of extraordinary refinement. Each phrase seems to float like golden light, gently carrying the dancers through moments of heroic grandeur and intimate poetry.

This staging, rooted in the visionary genius of Frederick Ashton, embodies the essence of classical ballet at its most expressive and sophisticated. Ashton’s choreography breathes with musical intelligence and emotional nuance, weaving intricate footwork, sculptural poses, and tender pas de deux into a living tapestry of grace.

The role of Sylvia herself will be entrusted to an exceptional constellation of ballerinas, each bringing her own distinctive brilliance to the huntress heroine. Among them, Chloe Misseldine enchants with her crystalline purity and youthful radiance; Devon Teuscher captivates with her noble presence and silken lyricism; Catherine Hurlin dazzles with vibrant musicality and spirited attack; Skylar Brandt sparkles with delicate refinement and ethereal lightness; and Hee Seo moves with poetic serenity and exquisite emotional depth.

Each of these magnificent artists embodies Sylvia not merely as a character, but as a living, breathing embodiment of strength and vulnerability. They are at once regal and tender, fierce yet profoundly human—true muses of movement whose expressive arms and eloquent footwork seem to speak directly to the soul. Their presence transforms the stage into a sanctuary of beauty, where every gesture feels inevitable and every moment glows with meaning.

The entire company, united in purpose and passion, will illuminate the stage with sweeping ensembles, exhilarating leaps, and sculptural formations that reveal the full splendor of Ashton’s vision. The orchestra, conductor, and dancers become one living organism, breathing together in perfect harmony.

This California engagement is part of a global celebration of Ashton’s legacy, echoing across continents and resonating as far as the legendary Metropolitan Opera House, where audiences continue to treasure the timeless masterpieces of classical ballet.

To witness Sylvia is to surrender oneself to enchantment—to be carried away by music of rare beauty, by choreography of sculptural elegance, and above all by the luminous, unforgettable ballerinas who embody its heart. In their artistry, one finds not only technical perfection, but something far more precious: poetry made visible.

The golden doors of Segerstrom Hall will open to welcome one of the world’s most illustrious ballet companies, the incomparable American Ballet Theatre. Their arrival in California is not merely a tour—it is a celestial gathering of stars, a constellation of extraordinary artists who will breathe life into the mythical heroine Sylvia. For five unforgettable performances, audiences in Costa Mesa will witness a succession of exceptional ballerinas, each bringing her own poetry, strength, and luminous individuality to this timeless role.

Opening Night – Thursday, April 9 at 7:30 pm

Sylvia: Chloe Misseldine

Aminta: Joo Won Ahn

Orion: Cory Stearns

Eros: Carlos Gonzalez

The honor of opening night will belong to the radiant and fast-rising star, Princpal dancer Chloe Misseldine, one of the most exciting young principal dancers of her generation. Trained at the prestigious Orlando Ballet School, she possesses a rare combination of crystalline technique, sculptural purity, and emotional maturity far beyond her years. Promoted to Principal Dancer in 2024, she has already established herself as a magnetic presence in iconic roles such as Odette/Odile in Swan Lake, Giselle, and Tatiana in Onegin.

Misseldine’s artistry is distinguished by her refined musicality, imperial line, and an ethereal serenity that seems to suspend time itself. Her interpretation of the Black Swan at Barcelona’s Gran Teatre del Liceu in November of last year was met with overwhelming acclaim, earning prolonged ovations and confirming her status as one of ballet’s most captivating emerging luminaries. Her Sylvia promises to be both regal and deeply human—at once a fierce huntress and a tender woman transformed by love.

She will be partnered by the noble and elegant Joo Won Ahn, whose princely bearing and impeccable classicism make him an ideal Aminta, while Cory Stearns brings dramatic intensity to Orion, and Carlos Gonzalez lends sparkling brilliance to Eros.

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Friday, April 10 at 7:30 pm

Sylvia: Devon Teuscher (Role Debut)

Aminta: Thomas Forster (Role Debut)

Orion: James Whiteside

Eros: Takumi Miyake

The following evening will mark a highly anticipated debut by Devon Teuscher, a Principal Dancer since 2017 and one of the company’s most deeply respected artists. Born in Pennsylvania, Teuscher is admired for her poetic restraint, expressive refinement, and profound dramatic intelligence. Critics have praised her for embodying “classicism, repose, lyricism, and ardor,” noting her ability to illuminate the stage with quiet emotional radiance.

Her career has been filled with distinguished interpretations, from Juliet in Romeo and Juliet to Myrta in Giselle, and the title role in Jane Eyre, where her subtle emotional depth created an unforgettable portrait. Her debut as Sylvia is eagerly awaited and promises to reveal new dimensions of her artistry—strength softened by vulnerability, and precision infused with luminous grace.

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Saturday Matinee – April 11 at 2:00 pm

Sylvia: Catherine Hurlin

Aminta: Isaac Hernández

Orion: Jose Sebastian

Eros: Carlos Gonzalez

Born in New York City and trained at the Jacqueline Kennedy Onassis School, Catherine Hurlin is a ballerina of magnetic power and vibrant theatrical presence. Promoted to Principal Dancer in 2022, she quickly established herself as one of the company’s most commanding artists.

Her repertoire includes triumphant performances as Kitri in Don Quixote, Odette/Odile in Swan Lake, and Callirhoe in Of Love and Rage. Hurlin dances with fearless energy, sculptural clarity, and emotional intensity. Her Sylvia will undoubtedly be bold, passionate, and unforgettable—an embodiment of mythic strength and feminine complexity.

She will be partnered by Isaac Hernández, whose noble elegance and heroic line bring an ideal romantic presence to Aminta.

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Saturday Evening – April 11 at 7:30 pm

Sylvia: Skylar Brandt

Aminta: Jake Roxander

Orion: Patrick Frenette

Eros: Elwince Magbitang

Skylar Brandt, born and raised in Purchase, New York, brings to Sylvia a rare brilliance and crystalline precision. The youngest of three sisters, she trained from childhood with extraordinary dedication and rose through the ranks with dazzling speed.

Her dancing combines diamond-sharp footwork with radiant musical sensitivity and effortless elevation. Brandt possesses an effervescent stage presence that captivates audiences instantly, blending technical virtuosity with warmth and charm. Her Sylvia will shimmer with youthful vitality, grace, and luminous beauty.

Sunday Matinee – April 12 at 1:00 pm

Sylvia: Hee Seo

Aminta: Aran Bell

Orion: Cory Stearns

Eros: Takumi Miyake

Closing the engagement is the exquisite Hee Seo, born in South Korea and one of the most beloved Principal Dancers in the company’s history. She made history as the first Korean ballerina promoted to principal at American Ballet Theatre and remains admired for her unmistakable artistic voice.

Her dancing has been described as possessing an “unhurried purity,” defined by lyrical openness, humility, and profound emotional sincerity. Seo brings a transcendent quality to every role she inhabits, and her Sylvia will surely be a portrait of poetic elegance—gentle, noble, and deeply moving.

She will be partnered by the remarkable Aran Bell, whose refined sensitivity and effortless elevation create an ideal romantic counterpart.

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This extraordinary engagement represents a true procession of stars. Each performance offers a different vision of Sylvia—imperial, tender, fiery, or ethereal—revealed through the unique artistry of five magnificent ballerinas at the height of their powers.

California awaits with open arms. The stage of Costa Mesa will become a sanctuary of beauty, where mythology awakens, music breathes, and the greatest dancers of their generation gather to share their art. For audiences fortunate enough to be present, these evenings will not simply be performances, but memories to treasure for a lifetime.

En avril 2026, les danseurs rayonnants de l'American Ballet Theater donneront vie au monde enchanteur de Sylvia dans la prestigieuse salle Segerstrom, accompagnés par le talent raffiné du Pacific Symphony. Cet événement tant attendu promet bien plus qu'un simple spectacle : une véritable immersion dans un univers où la mythologie prend vie, où l'amour défie le destin et où la beauté se déploie dans toute sa pureté.

Au cœur de cette somptueuse production se trouve la musique céleste de Léo Delibes, dont la partition scintille d'élégance, de tendresse et d'un charme lumineux. Son impact fut si profond que le grand Piotr Ilitch Tchaïkovski lui-même confessa une admiration frôlant la vénération, reconnaissant en Sylvia un joyau musical d'un raffinement extraordinaire. Chaque phrase semble flotter comme une lumière dorée, portant délicatement les danseurs à travers des moments d'une grandeur héroïque et d'une poésie intime.

Cette mise en scène, née du génie visionnaire de Frederick Ashton, incarne l'essence même du ballet classique dans ce qu'il a de plus expressif et de plus sophistiqué. La chorégraphie d'Ashton, empreinte d'intelligence musicale et de nuances émotionnelles, tisse une trame de grâce vivante, tissée de jeux de jambes complexes, de poses sculpturales et de tendres pas de deux.

Le rôle de Sylvia sera confié à une constellation exceptionnelle de ballerines, chacune apportant sa propre brillance à l'héroïne chasseresse. Parmi elles, Chloé Misseldine enchante par sa pureté cristalline et son éclat juvénile ; Devon Teuscher captive par sa présence noble et son lyrisme soyeux ; Catherine Hurlin éblouit par sa musicalité vibrante et son énergie débordante ; Skylar Brandt scintille de raffinement délicat et de légèreté éthérée ; et Hee Seo se meut avec une sérénité poétique et une profondeur émotionnelle exquise.

Chacune de ces magnifiques artistes incarne Sylvia non seulement comme un personnage, mais comme une incarnation vivante de la force et de la vulnérabilité. Elles sont à la fois royales et tendres, farouches et profondément humaines – de véritables muses du mouvement dont les bras expressifs et les pieds éloquents semblent parler directement à l'âme. Leur présence métamorphose la scène en un sanctuaire de beauté, où chaque geste semble inéluctable et chaque instant vibrant de sens.

L'ensemble de la compagnie, unie par une même passion et un même but, illuminera la scène de mouvements d'ensemble majestueux, de sauts exaltants et de formations sculpturales qui révéleront toute la splendeur de la vision d'Ashton. L'orchestre, le chef d'orchestre et les danseurs ne font plus qu'un, respirant à l'unisson en parfaite harmonie.

Ce spectacle en Californie s'inscrit dans le cadre d'une célébration mondiale de l'héritage d'Ashton, dont l'écho résonne à travers les continents et jusqu'au légendaire Metropolitan Opera House, où le public continue de chérir les chefs-d'œuvre intemporels du ballet classique.

Assister à un ballet comme Sylvia, c'est se laisser envoûter, se laisser emporter par une musique d'une rare beauté, par une chorégraphie d'une élégance sculpturale, et surtout par les ballerines lumineuses et inoubliables qui incarnent son âme. Dans leur art, on découvre non seulement la perfection technique, mais quelque chose de bien plus précieux : une poésie rendue visible.