Saint Petersburg - La forza del destino - Verdi - 2nd February 2026

On Monday, February 2nd, 2026, an extraordinary performance of La forza del destino by Giuseppe Verdi will take place — an event of rare significance for opera lovers. The date itself carries a striking historical resonance: it was also a Monday, on October 29th, 1862, when this monumental opera received its world premiere in this very city, Saint Petersburg, with Verdi himself present in the theatre. That evening was nothing short of historic — a true cultural milestone — and the opera was met with overwhelming acclaim. Verdi offered a version of exceptional musical richness, one that left a deep and lasting impression on audiences and musicians alike.

Over the years, La forza del destino underwent a substantial revision, resulting in a second version that is now the one most frequently performed worldwide. This later version introduced significant changes: a completely different ending, alterations to several duets, and a newly composed prelude. Dramatically, this revised version is often considered less tragic and more theatrical. Yet, from a purely musical standpoint, many listeners — myself included — feel that the original Saint Petersburg version possesses a greater sonic power and a more direct, visceral impact. Above all, its finale stands out as truly magnificent: inspired, bold, and overwhelmingly beautiful — a conclusion of such stature that it can only be described as unmistakably master piece. Verdi himself always preferred his first version, as I have read in his own letters, but he was "invited" to change the ending.

What makes the upcoming performance so exceptional is that this original version, the Russian version, will be heard live at the Mariinsky Theatre on February 2nd. Opportunities to experience this version in the theatre are exceedingly rare, as most opera houses choose to present only the later revision. For lovers of Verdi, for devoted opera enthusiasts, and especially for those with a deep interest in historical performance practice, this is an occasion of immense value — a chance to hear La forza del destino as it was first conceived and unveiled to the world. Since Verdi had created the original version without any changes, which does not detract from the second version, but has Verdi's creative power at its maximum splendor, the Mariinsky orchestra is the world's leading specialist in this opera, so Verdi would be delighted to attend this performance as I am. 

This opera in Saint Petersburg, interpreted by Russian voices, for it was precisely these voices that Verdi had in mind when he composed the work. The choral writing, powerful and monumental, finds a natural home here; the Russian chorus tradition brings an unmatched depth, weight, and grandeur to the score. The result promises to be an experience of overwhelming intensity and beauty.

For me, this performance represents a deep personal satisfaction — one that I am certain will be shared by any true opera lover. I cannot help but imagine that Verdi himself would take immense joy in seeing his music brought to life by such extraordinary musicians and choristers, breathing vitality and passion into every phrase. There is a sense of artistic continuity here, a bridge between past and present, where history feels vividly alive.

It is also worth remembering that Russian composers who attended the original premiere listened with great attention. The impact of La forza del destino was immediate and profound, and its influence can be traced in many later Russian operatic works, where echoes of Verdi’s dramatic architecture and musical language unmistakably appear.

For anyone who happens to be in Saint Petersburg, this is truly an unmissable opportunity: to witness one of Verdi’s greatest operas, in its original form, in the very city where it was born, performed by artists whose tradition and sound are inseparable from the work’s origins. More than a performance, it is a celebration of operatic history — a rare, powerful, and unforgettable encounter with Verdi’s genius at its most elemental and majestic.

В понедельник, 2 февраля 2026 года, состоится необыкновенное исполнение оперы Джузеппе Верди «Сила судьбы» — поистине редкое и значимое событие для любителей оперы. Сама дата имеет замечательное историческое значение: именно в понедельник, 29 октября 1862 года, состоялась премьера этой оперы в том же городе, Санкт-Петербурге, в присутствии самого Верди в театре. Эта премьера была поистине знаменательной. Она была встречена с огромным энтузиазмом, и версия, представленная композитором в тот вечер, оказалась оглушительным успехом, излучая музыкальную мощь, которая оставила неизгладимое впечатление.

С годами Верди переработал «Силу судьбы» и создал вторую, переработанную версию, внеся существенные изменения: совершенно другой финал, изменения в нескольких дуэтах и ​​новую прелюдию. Эта более поздняя версия, которая сегодня исполняется чаще, несомненно, более драматична и театральна. Тем не менее, с чисто музыкальной точки зрения, оригинальная петербургская версия обладает силой и богатством, которые многие слушатели считают непревзойденными. Особенно великолепен её финал — смелый, вдохновенный и невероятно выразительный, заключение поразительной красоты и глубины, полностью достойное Верди в его самые смелые и изобретательные моменты.

Именно эта оригинальная версия, русская премьера «Силы судьбы», будет исполнена в Мариинском театре 2 февраля. Такая возможность крайне редка. Для любителей оперы, преданных поклонников Верди и особенно для тех, кто жаждет услышать первую версию вживую, это представление представляет собой нечто поистине исключительное. Во многих оперных театрах мира предлагается только более поздняя редакция; услышать оригинальную версию в городе, где она родилась, — это привилегия высочайшего уровня.

Также есть глубокая художественная и историческая значимость в том, чтобы услышать эту оперу в исполнении русских голосов, ведь именно эти голоса Верди имел в виду, когда сочинял это произведение. Хоровая партия, один из самых ярких элементов оперы, достигает в этой традиции необычайных высот — мощная, мрачная и эмоционально ошеломляющая. Воздействие такого хора огромно, и его звучание привносит в партитуру уникальную подлинность и значимость.

Для меня это исполнение обещает глубокое личное удовлетворение — то, которое, несомненно, разделит любой истинный любитель оперы. Я не могу не представить, как сам Верди испытал бы огромную радость, наблюдая, как его музыка оживает благодаря таким великолепным музыкантам и хористам, вдыхая страсть и интенсивность в каждую фразу. Это почти как разговор сквозь время, между композитором и исполнителями, объединенными непреходящей жизненной силой его музыкального видения.

Стоит помнить, что русские композиторы, присутствовавшие на премьере, слушали с большим вниманием и любопытством. Влияние «Силы судьбы» прослеживается во многих русских операх, написанных в последующие годы — свидетельство глубокого воздействия произведения и плодотворного художественного обмена, который оно вдохновило.

Если вы окажетесь в Санкт-Петербурге, не упустите эту возможность. Услышать «Силу судьбы» в оригинальной версии, в самом городе её премьеры, в исполнении артистов, глубоко приверженных традициям, для которых она была создана, — это опыт редкой красоты и исторической значимости. Это не только дань уважения гению Верди, но и живой силе самой оперы — силе судьбы, которая продолжает отзываться, трогать и удивлять спустя более века.

El dilluns 2 de febrer de 2026 tindrà lloc una representació extraordinària de La forza del destino de Giuseppe Verdi, un esdeveniment realment rar i significatiu per als amants de l'òpera. La data en si mateixa té una ressonància històrica notable: també va ser un dilluns 29 d'octubre de 1862 quan es va estrenar aquesta mateixa òpera a la mateixa ciutat, Sant Petersburg, amb el mateix Verdi present al teatre. Aquella estrena va ser simplement transcendental. Va ser rebuda amb gran entusiasme, i la versió que va oferir el compositor aquella nit va resultar ser un èxit rotund, irradiant una potència musical que va deixar una impressió duradora.

Al llarg dels anys, Verdi va revisitar La forza del destino i va produir una segona versió revisada, introduint canvis substancials: un final completament diferent, alteracions a diversos duets i un nou preludi. Aquesta versió posterior, representada amb més freqüència avui dia, és innegablement més obertament dramàtica i teatral. Tanmateix, des d'una perspectiva purament musical, la versió original de Sant Petersburg posseeix una força i una riquesa que molts oients troben incomparables. El seu final, en particular, és magnífic: audaç, inspirat i aclaparadorament expressiu, una conclusió d'una bellesa i profunditat sorprenents, plenament digna d'un Verdi en el seu estat més atrevit i imaginatiu.

És precisament aquesta versió original, la versió russa de l'estrena de La forza del destino, que es representarà al Teatre Mariinsky el 2 de febrer. Una oportunitat així és extremadament rara. Per als entusiastes de l'òpera, els admiradors devots de Verdi i, especialment, per a aquells que desitgen experimentar la primera versió en directe, aquesta representació representa quelcom realment excepcional. En molts teatres d'òpera d'arreu del món, només s'ofereix la revisió posterior; escoltar la versió original a la ciutat on va néixer és un privilegi del més alt ordre.

També hi ha una profunda idoneïtat artística i històrica en escoltar aquesta òpera interpretada per veus russes, ja que aquestes eren precisament les veus que Verdi tenia en ment en compondre l'obra. L'escriptura coral, un dels elements més sorprenents de l'òpera, arriba a altures extraordinàries en aquesta tradició: potent, de tons foscos i emocionalment aclaparadora. L'impacte d'aquestes forces corals és immens, i el seu so aporta una autenticitat i una gravetat úniques a la partitura.

Per a mi, aquesta actuació promet una profunda satisfacció personal, que qualsevol veritable amant de l'òpera sens dubte compartirà. No puc evitar imaginar que el mateix Verdi hauria gaudit immensament en veure com la seva música cobrava vida a través de músics i coristes tan magnífics, insuflant passió i intensitat a cada frase. Se sent gairebé com una conversa a través del temps, entre compositor i intèrprets, units per la vitalitat perdurable de la seva visió musical.

Val la pena recordar que els compositors russos que van assistir a l'estrena original van escoltar amb gran atenció i curiositat. La influència de La forza del destino es pot rastrejar en moltes òperes russes escrites en els anys següents, un testimoni del profund impacte de l'obra i del fèrtil intercanvi artístic que va inspirar.

Si us trobeu a Sant Petersburg, aquesta és una oportunitat que no us podeu perdre. Escoltar La forza del destino en la seva versió original, a la mateixa ciutat de la seva estrena, interpretada per artistes impregnats de la tradició per a la qual va ser concebuda, és una experiència de rara bellesa i significació històrica. És una celebració no només del geni de Verdi, sinó també del poder viu de l'òpera mateixa: una força del destí que continua ressonant, commovent i sorprenent, més d'un segle després.

Le lundi 2 février 2026 aura lieu une représentation exceptionnelle de La forza del destino de Giuseppe Verdi – un événement rare et marquant pour les mélomanes. Cette date revêt une remarquable résonance historique : c’était également un lundi, le 29 octobre 1862, que cet opéra était créé dans la même ville, Saint-Pétersbourg, en présence de Verdi lui-même. Cette première fut un moment historique. Accueillie avec un immense enthousiasme, la version proposée par le compositeur ce soir-là connut un succès retentissant, rayonnant d’une puissance musicale qui laissa une empreinte indélébile.

Au fil des années, Verdi retravailla La forza del destino et en créa une seconde version, remaniée, y apportant des modifications substantielles : une fin totalement différente, des altérations à plusieurs duos et un nouveau prélude. Cette version plus récente, plus fréquemment jouée aujourd’hui, est indéniablement plus dramatique et théâtrale. Pourtant, d’un point de vue purement musical, la version originale de Saint-Pétersbourg possède une force et une richesse que de nombreux auditeurs jugent inégalées. Sa fin, en particulier, est magnifique : audacieuse, inspirée et d'une expressivité bouleversante, une conclusion d'une beauté et d'une profondeur étonnantes, digne de Verdi dans ses œuvres les plus novatrices et les plus audacieuses.

C'est précisément cette version originale, la première russe de La forza del destino, qui sera présentée au Théâtre Mariinsky le 2 février. Une telle occasion est extrêmement rare. Pour les mélomanes, les fervents admirateurs de Verdi, et surtout pour ceux qui souhaitent découvrir la première version en direct, cette représentation est un événement exceptionnel. Dans de nombreux opéras à travers le monde, seule la version révisée est proposée ; entendre la version originale dans la ville qui l'a vue naître est un privilège inestimable.

Il y a également une profonde pertinence artistique et historique à entendre cet opéra interprété par des voix russes, car ce sont précisément ces voix que Verdi avait à l'esprit lorsqu'il a composé l'œuvre. L'écriture chorale, l'un des éléments les plus marquants de l'opéra, atteint des sommets extraordinaires dans cette tradition : puissante, sombre et d'une intensité émotionnelle bouleversante. L'impact de tels chœurs est immense, et leur sonorité confère à la partition une authenticité et une gravité uniques.

Pour moi, cette interprétation promet une profonde satisfaction personnelle, que tout véritable amateur d'opéra partagera sans aucun doute. Je ne peux m'empêcher d'imaginer que Verdi lui-même aurait éprouvé une immense joie en voyant sa musique prendre vie grâce à des musiciens et des choristes aussi exceptionnels, insufflant passion et intensité à chaque phrase. On a presque l'impression d'un dialogue à travers le temps, entre le compositeur et les interprètes, unis par la vitalité intemporelle de sa vision musicale.

Il est bon de rappeler que les compositeurs russes présents à la première écoutent l'œuvre avec une grande attention et une grande curiosité. L'influence de La forza del destino se retrouve dans de nombreux opéras russes composés dans les années qui suivirent, témoignant de l'impact profond de l'œuvre et du fécond échange artistique qu'elle a suscité.

Si vous êtes de passage à Saint-Pétersbourg, c'est une occasion à ne pas manquer. Entendre La forza del destino dans sa version originale, dans la ville même de sa création, interprétée par des artistes profondément imprégnés de la tradition qui l’a vue naître, est une expérience d’une rare beauté et d’une grande portée historique. C’est célébrer non seulement le génie de Verdi, mais aussi la force vivante de l’opéra lui-même – une force du destin qui continue de résonner, d’émouvoir et d’étonner, plus d’un siècle plus tard.

Lunedì 2 febbraio 2026 avrà luogo una straordinaria rappresentazione de La forza del destino di Giuseppe Verdi, un evento davvero raro e significativo per gli amanti dell'opera. La data stessa ha una notevole risonanza storica: era anche un lunedì 29 ottobre 1862, quando quest'opera debuttò proprio nella stessa città, San Pietroburgo, con Verdi stesso presente in teatro. Quella prima fu a dir poco epocale. Fu accolta con grande entusiasmo e la versione offerta dal compositore quella sera si rivelò un successo clamoroso, irradiando una potenza musicale che lasciò un'impressione duratura.

Nel corso degli anni, Verdi rivisitò La forza del destino e ne produsse una seconda versione riveduta, introducendo modifiche sostanziali: un finale completamente diverso, modifiche a diversi duetti e un nuovo preludio. Questa versione successiva, oggi più frequentemente eseguita, è innegabilmente più apertamente drammatica e teatrale. Eppure, da una prospettiva puramente musicale, la versione originale di San Pietroburgo possiede una forza e una ricchezza che molti ascoltatori trovano ineguagliabili. Il finale, in particolare, è magnifico: audace, ispirato e straordinariamente espressivo, una conclusione di sorprendente bellezza e profondità, pienamente degna del Verdi più audace e fantasioso.

È proprio questa versione originale, la prima russa de La forza del destino, che verrà eseguita al Teatro Mariinskij il 2 febbraio. Un'opportunità del genere è estremamente rara. Per gli appassionati d'opera, i devoti ammiratori di Verdi e soprattutto per coloro che desiderano assistere alla prima versione dal vivo, questa esecuzione rappresenta qualcosa di veramente eccezionale. In molti teatri d'opera in tutto il mondo viene proposta solo la revisione successiva; ascoltare la versione originale nella città in cui è nata è un privilegio di altissimo livello.

Vi è anche una profonda appropriatezza artistica e storica nell'ascoltare quest'opera eseguita da voci russe, poiché erano proprio queste le voci che Verdi aveva in mente quando la compose. La scrittura corale, uno degli elementi più sorprendenti dell'opera, raggiunge vette straordinarie in questa tradizione: potente, dai toni cupi ed emotivamente travolgente. L'impatto di queste forze corali è immenso e il loro suono conferisce alla partitura un'autenticità e una solennità uniche.

Per me, questa esecuzione promette una profonda soddisfazione personale, che ogni vero amante dell'opera condividerà senza dubbio. Non posso fare a meno di immaginare che Verdi stesso avrebbe provato un'immensa gioia nel vedere la sua musica prendere vita attraverso musicisti e coristi così superbi, infondendo passione e intensità in ogni frase. Sembra quasi una conversazione attraverso il tempo, tra compositore e interpreti, uniti dalla vitalità duratura della sua visione musicale.

Vale la pena ricordare che i compositori russi che assistettero alla prima esecuzione originale ascoltarono con grande attenzione e curiosità. L'influenza de La forza del destino è rintracciabile in molte opere russe scritte negli anni successivi, a testimonianza del profondo impatto dell'opera e del fertile scambio artistico che ispirò.

Se vi trovate a San Pietroburgo, questa è un'opportunità da non perdere. Ascoltare La forza del destino nella sua versione originale, nella stessa città della sua prima esecuzione, eseguita da artisti profondamente radicati nella tradizione per cui fu concepita, è un'esperienza di rara bellezza e significato storico. È una celebrazione non solo del genio verdiano, ma della potenza viva dell'opera stessa: una forza del destino che continua a risuonare, commuovere e stupire, a più di un secolo di distanza.

El lunes 2 de febrero de 2026 tendrá lugar una extraordinaria representación de La fuerza del destino de Giuseppe Verdi, un evento verdaderamente excepcional y significativo para los amantes de la ópera. La fecha en sí misma tiene una notable resonancia histórica: fue el lunes 29 de octubre de 1862 cuando esta misma ópera se estrenó en la misma ciudad, San Petersburgo, con la presencia del propio Verdi en el teatro. Ese estreno fue realmente trascendental. Fue recibido con gran entusiasmo, y la versión que ofreció el compositor esa noche resultó ser un éxito rotundo, irradiando una fuerza musical que dejó una huella imborrable.

Con el paso de los años, Verdi revisó La fuerza del destino y produjo una segunda versión revisada, introduciendo cambios sustanciales: un final completamente diferente, modificaciones en varios dúos y un nuevo preludio. Esta versión posterior, interpretada con mayor frecuencia en la actualidad, es innegablemente más dramática y teatral. Sin embargo, desde una perspectiva puramente musical, la versión original de San Petersburgo posee una fuerza y ​​una riqueza que muchos oyentes encuentran incomparables. Su final, en particular, es magnífico: audaz, inspirado y abrumadoramente expresivo, una conclusión de asombrosa belleza y profundidad, digna de un Verdi audaz e imaginativo.

Precisamente esta versión original, el estreno ruso de La fuerza del destino, se presentará en el Teatro Mariinsky el 2 de febrero. Una oportunidad así es excepcional. Para los amantes de la ópera, los admiradores devotos de Verdi y, especialmente, para quienes deseen disfrutar de la primera versión en vivo, esta representación representa algo verdaderamente excepcional. En muchos teatros de ópera del mundo, solo se ofrece la versión posterior; escuchar la versión original en la ciudad que la vio nacer es un privilegio de primer orden.

También existe una profunda pertinencia artística e histórica al escuchar esta ópera interpretada por voces rusas, ya que estas fueron precisamente las voces que Verdi tenía en mente al componer la obra. La escritura coral, uno de los elementos más impactantes de la ópera, alcanza cotas extraordinarias en esta tradición: poderosa, de matices oscuros y emocionalmente abrumadora. El impacto de estas fuerzas corales es inmenso, y su sonido aporta una autenticidad y una seriedad únicas a la partitura.

Para mí, esta interpretación promete una profunda satisfacción personal, una que cualquier verdadero amante de la ópera sin duda compartirá. No puedo evitar imaginar que el propio Verdi habría disfrutado inmensamente al presenciar cómo su música cobraba vida a través de tan magníficos músicos y coristas, infundiendo pasión e intensidad en cada frase. Se siente casi como una conversación a través del tiempo, entre compositor e intérpretes, unidos por la perdurable vitalidad de su visión musical.

Cabe recordar que los compositores rusos que asistieron al estreno original lo escucharon con gran atención y curiosidad. La influencia de La fuerza del destino se puede rastrear en muchas óperas rusas escritas en los años posteriores, un testimonio del profundo impacto de la obra y del fértil intercambio artístico que inspiró.

Si se encuentra en San Petersburgo, esta es una oportunidad que no debe perderse. Escuchar La fuerza del destino en su versión original, en la misma ciudad de su estreno, interpretada por artistas arraigados en la tradición para la que fue concebida, es una experiencia de singular belleza y trascendencia histórica. Es una celebración no solo del genio de Verdi, sino también del poder viviente de la ópera: una fuerza del destino que sigue resonando, conmoviendo y asombrando, más de un siglo después.

Saint Petersburg - Paquita - 30 January / 2 February 2026

Ballet lovers, and especially admirers of Marius Petipa and the glorious musical legacy of Minkus, Drigo, and Deldevez, have every reason to rejoice. In the coming days, Saint Petersburg becomes the beating heart of classical ballet, as the Mariinsky Theatre presents Paquita in its full version, danced by an extraordinary constellation of stars.

While the famous Grand Pas is universally adored, Paquita is so much more than its dazzling finale. The complete ballet is a treasure of classical choreography: a continuous lesson in academic ballet from curtain rise to final bow, rich in variations, styles, and steps that encompass the full vocabulary of classical dance. Set to the deliciously elegant music of Deldevez, Minkus, and Drigo, and performed by the sensational Mariinsky Orchestra, these performances promise an unforgettable feast for the eyes, the ears, and the soul.

This exceptional series consists of four unmissable performances, each led by a different prima ballerina of the Mariinsky, all of them artists one could happily watch again and again. Even the smallest roles are entrusted to remarkable dancers, making every evening a true festival of classical ballet.

Opening Night – January 30, 19:00

The series opens with the incomparable Viktoria Tereshkina, the company international superstar whose artistry and technical brilliance have illuminated every major role in her repertoire. Having enchanted audiences as Giselle just days earlier, ( She is dancing Giselle the 23rd january with Roman Belyakov )  she returns to the stage to inaugurate this Paquita run with authority, elegance, and dramatic depth. This role allows Tereshkina to reveal her refined acting skills alongside her legendary technique, commanding attention every moment she is on stage.

Her partner will be the magnificent Timur Askerov, whose noble style and musical sensitivity make him a superb match for Tereshkina. Together, they form a partnership of rare harmony and strength. January 30 is truly a date to mark in gold.

That evening also features Daria Ionova, a dancer of exquisite style and lyrical refinement. Her presence is a particular delight, as she embodies the promise of a future star—one can easily imagine her one day as an unforgettable Odette/Odile.

January 31, 19:00

The following night brings another dream cast: the radiant Renata Shakirova, a true Mariinsky superstar, dancing Paquita with vitality, brilliance, and irresistible charm. Her energy and musical intelligence light up the stage, making this performance a guaranteed triumph.

She is partnered by the powerful and elegant Yevgeny Konovalov, soon to be seen as Albrecht, whose classical line and dramatic presence complement Shakirova beautifully.

This evening is especially notable for the participation of Maria Shirinkina, who captivated audiences in December as Clara in The Nutcracker, opening the long 2025 series of performances. Seeing her now in Paquita alongside Shakirova is a rare and exciting opportunity to admire her versatility and growing artistry.

February 1

On February 1, audiences will be treated to the enchanting Oxana Skorik, the sensational dancer of Mariinsky ballet. Ethereal, aristocratic, and endlessly musical, Skorik brings her unique elegance to Paquita. While her Odette and Giselle remain unmatched, this role reveals her charm and refinement in a different, equally captivating light. the sensational dancer and rising star from Moscow , Nikita Korneyev  will dance with her this performance, it's a great opportunity to see him dancing this coreography ¡¡ 

Also appearing that evening is Anastasia Lukina, another outstanding Mariinsky ballerina, admired for her clarity, musicality, and expressive presence.

February 2, 19:00

The series concludes in the most refined and elegant manner imaginable, with the exquisite Maria Iliushkina as Paquita, partnered by the noble and polished Even Capitaine. Together, they provide a sophisticated and harmonious finale, a perfect closing chapter to four days of pure classical delight.

With the Mariinsky Orchestra in sublime form, a magnificent auditorium, and a cast of true superstars across all four evenings, these performances promise an unforgettable experience. Each night offers a different jewel, and together they form a radiant celebration of classical ballet at its very highest level.

For ballet lovers, these are not merely performances—they are moments to be lived, treasured, and remembered.

Les amateurs de ballet, et plus particulièrement les admirateurs de Marius Petipa et du glorieux héritage musical de Minkus, Drigo et Deldevez, ont de quoi se réjouir. Dans les prochains jours, Saint-Pétersbourg vibrera au rythme du ballet classique, le Théâtre Mariinsky présentant Paquita dans son intégralité, interprétée par une constellation d'étoiles exceptionnelles.

Si le célèbre Grand Pas est universellement adulé, Paquita est bien plus que son final éblouissant. Le ballet complet est un trésor de la chorégraphie classique : une leçon magistrale de ballet académique, du lever de rideau au salut final, riche en variations, styles et pas qui embrassent tout le vocabulaire de la danse classique. Sur la musique délicieusement élégante de Deldevez, Minkus et Drigo, et interprétée par le sensationnel Orchestre du Mariinsky, ces représentations promettent un festin inoubliable pour les yeux, les oreilles et l'âme.

Cette série exceptionnelle propose quatre représentations incontournables, chacune menée par une prima ballerina différente du Mariinsky, des artistes que l'on pourrait revoir avec plaisir. Même les plus petits rôles sont confiés à des danseurs exceptionnels, faisant de chaque soirée un véritable festival de ballet classique.

Soirée d'ouverture – 30 janvier, 19h00

La série s'ouvre avec l'incomparable Viktoria Tereshkina, une superstar internationale dont l'art et la virtuosité technique ont illuminé chacun des grands rôles de son répertoire. Après avoir enchanté le public dans le rôle de Giselle quelques jours auparavant, elle revient sur scène pour inaugurer cette série de représentations de Paquita avec autorité, élégance et une profondeur dramatique saisissante. Ce rôle permet à Tereshkina de révéler son jeu d'actrice raffiné, en plus de sa technique légendaire, captivant l'attention à chaque instant.

Son partenaire sera le magnifique Timur Askerov, dont le style noble et la sensibilité musicale font de lui un partenaire idéal pour Tereshkina. Ensemble, ils forment un duo d'une rare harmonie et d'une grande force. Le 30 janvier est une date à retenir.

Cette soirée mettra également en vedette Daria Ionova, une danseuse au style exquis et au raffinement lyrique. Sa présence est un véritable enchantement, car elle incarne la promesse d'une future étoile – on l'imagine aisément un jour dans le rôle inoubliable d'Odette/Odile.

31 janvier, 19h00

Le lendemain soir, une autre distribution de rêve nous attend : la rayonnante Renata Shakirova, véritable star du Mariinsky, danse Paquita avec vitalité, brio et un charme irrésistible. Son énergie et son intelligence musicale illuminent la scène, faisant de ce spectacle un triomphe assuré.

Elle est accompagnée par le puissant et élégant Yevgeny Konovalov, que l'on verra bientôt dans le rôle d'Albrecht, dont la ligne classique et la présence dramatique complètent à merveille la performance de Shakirova.

Cette soirée est particulièrement remarquable pour la participation de Maria Shirinkina, qui a captivé le public en décembre dans le rôle de Clara dans Casse-Noisette, inaugurant ainsi la longue saison 2025. La voir aujourd'hui dans Paquita aux côtés de Shakirova est une occasion rare et précieuse d'admirer sa polyvalence et son art en pleine évolution.

1er février

Le 1er février, le public aura le plaisir d'admirer la sublime Oxana Skorik, la sensationnelle danseuse du ballet Mariinsky. D'une grâce éthérée, aristocratique et d'une musicalité infinie, Skorik apporte une élégance unique au rôle de Paquita. Si ses interprétations d'Odette et de Giselle restent inégalées, ce rôle révèle son charme et son raffinement sous un jour différent, tout aussi captivant. Le sensationnel danseur et étoile montante moscovite, Nikita Korneyev, dansera à ses côtés lors de cette représentation ; une occasion unique de le voir interpréter cette chorégraphie !

Également présente ce soir-là, Anastasia Lukina, autre ballerine exceptionnelle du Mariinsky, admirée pour sa clarté, sa musicalité et sa présence expressive.

2 février, 19h00

La série s'achève de la manière la plus raffinée et élégante qui soit, avec la sublime Maria Iliushkina dans le rôle de Paquita, aux côtés du noble et distingué Even Capitaine. Ensemble, ils offrent un final raffiné et harmonieux, un point d'orgue parfait à quatre jours de pur bonheur classique.

Avec l'Orchestre Mariinsky au sommet de sa forme, une salle magnifique et une distribution de véritables stars tout au long des quatre soirées, ces représentations promettent une expérience inoubliable. Chaque soir est un joyau différent, et ensemble, elles forment une célébration rayonnante du ballet classique à son plus haut niveau.

Pour les passionnés de ballet, il ne s'agit pas simplement de spectacles : ce sont des moments à vivre, à chérir et à se remémorer.

Madrid - La forza del destino - 21 February 1863

Giuseppe Verdi was not, by nature, a man of journeys. He preferred the stillness of his home, the quiet discipline of work, the familiar rhythm of creation. Yet there were places powerful enough to draw him away from Italy, places where destiny itself seemed to call. Russia was one. Spain was another.

For Russia, he wrote La forza del destino, an opera born almost against his own will. Verdi had sworn he would compose no more. It was Giuseppina Strepponi—his wife, his muse, the great soprano who had once given voice to Nabucco when his name was barely known—who persuaded him otherwise. To her, we owe not only this opera, but the continuation of Verdi’s creative life. And so, guided by her faith, Verdi traveled to Saint Petersburg, where the opera finally premiered in 1862 to overwhelming success.

Spain soon followed.

The Teatro Real of Madrid, a symbol of ambition and elegance, wished not only to present La forza del destino, but to welcome Verdi himself. The theatre had waited decades to fulfill its destiny: conceived in 1818, delayed by history and hesitation, finally completed by royal command in 1850. Modeled in spirit after San Carlo in Naples and La Scala in Milan, it had become the gathering place of Madrid’s aristocracy, where music, power, and society met in equal measure.

Verdi arrived in Madrid on January 10, 1863, accompanied by Giuseppina. He lodged just across the street from the theatre, close enough to feel its pulse day and night. He devoted himself entirely to rehearsals, declining social invitations, avoiding salons and aristocratic soirées. This reserve earned him a certain coolness among Madrid’s elite, but Verdi did not mind. What mattered was the music—and the music was thriving. He admired the orchestra, the chorus, the staging. Everything was ready.

And then came the night.

Saturday, February 21, 1863.

Madrid shimmered under winter lights as carriages rolled toward the Teatro Real. The city knew it was about to witness history. Inside, the theatre glowed—velvet, gold, whispered anticipation. The royal box awaited its most distinguished guest.

At last, Queen Isabella II arrived, her presence commanding silence and reverence. Moments later, another figure took her seat among the audience: Rosalía de Castro. Poet, voice of Galicia, pioneer of modern Spanish literature, author of Cantares Gallegos, she carried within her the same longing and melancholy that lived in Verdi’s music. Though they came from different worlds, that night they shared the same destiny.

Verdi himself conducted the premiere.

From the first notes, the theatre was transformed. Passion, fate, love, violence, and redemption unfolded on stage with irresistible force. The audience was spellbound. When the final chord faded, the applause erupted—long, thunderous, unrestrained. Madrid had embraced La forza del destino as its own.

The opera was performed many more nights, but Verdi departed only days later, deeply satisfied. Giuseppina, more social by nature, delighted in Madrid’s life and warmth, even as her husband returned gladly to his quiet.

From Madrid, La forza del destino traveled the world: New York, Vienna, Buenos Aires, Rome, London, Mexico City. Later, Verdi returned to the score, reshaping it for Milan, adding the majestic overture now celebrated in concert halls everywhere. Yet the original “Russian version” lives on in Saint Petersburg, performed year after year—a reminder of the opera’s first destiny.

And still, on that winter night in Madrid, with a queen in her box and a poet listening in silence, destiny revealed itself not as a force of tragedy alone, but as a meeting of art, history, and human will—irrevocable, luminous, eternal.

Spain was a shining exception for Giuseppe Verdi.

He wasn't a man inclined to travel or social life, but Madrid—and later Andalusia—managed to open a crack of curiosity, wonder, and ultimately, enjoyment within him.

Verdi arrived in Madrid on January 10, 1863, accompanied by Giuseppina Strepponi. The Teatro Real, still young but already the epicenter of the capital's musical and social life, wanted more than just the premiere of La forza del destino: it desired the composer's presence. And Verdi accepted.

He stayed opposite the theater, literally steps from the stage. From there, focused and meticulous, he directed the rehearsals with his characteristic severity. He wasn't fond of receptions or aristocratic soirées, and he declined many invitations from Madrid's high society. He preferred work, silence, and the intimacy of his wife. That reserve earned him some antipathy, but Verdi wasn't in Madrid to please: he was there so his work would sound as it should.

Rehearsals progressed smoothly. Verdi was very pleased with the orchestra, the chorus, and the staging. Everything seemed to be falling into place.

And then night fell.

Saturday, February 21, 1863.

The Teatro Real was resplendent. Madrid society filled the hall: aristocrats, politicians, journalists, opera lovers. In the royal box, Queen Isabella II presided over the evening. Among the audience was also Rosalía de Castro, an essential voice in modern Spanish literature, author of Cantares gallegos, a foundational work of contemporary Galician literature. That night, music and poetry shared the same historical space.

Verdi personally conducted the opera.

From the very first bar, La forza del destino captivated the audience with its intensity, its drama, and its profound moral message. When the curtain fell, the success was resounding. Long, insistent, and heartfelt applause. Madrid had experienced a historic night.

The opera was repeated several times, but Verdi left a few days later, deeply satisfied. Giuseppina, more sociable, had enjoyed the Madrid atmosphere, even those aspects her husband usually avoided. For both of them, their stay in Madrid remained a happy experience.

After the triumph, Verdi allowed himself something unusual: a vacation.

He traveled south, and it was in Granada that something changed. There, he embraced a social life. Now far removed from the pressure of the premiere, he was entertained by his friend, the great baritone Giorgio Ronconi, who acted as his host. Verdi genuinely enjoyed those days. He visited the Alhambra, which left him utterly fascinated. Years later, he would recall that it was what impressed him most during his entire trip through Spain, even more than El Escorial, which he admired but which, in comparison, left him cold. The Alhambra, on the other hand, captivated him.

From Granada, he traveled to Córdoba, where the Mosque-Cathedral amazed him with its beauty and harmony, and then to Seville, a city that made a lasting impression on him. The cathedral overwhelmed him with its grandeur, and the Museum of Fine Arts awakened in him a particular enthusiasm. Verdi deeply loved painting, and in Seville, he took a special interest in the work of Bartolomé Esteban Murillo, whom he admired with attention and respect.

In those rooms, among Baroque canvases and Andalusian light, the composer found a different kind of beauty: silent, visual, contemplative. Spain offered him not only an operatic triumph but a complete aesthetic experience.

Thus, La forza del destino not only marked one of the most memorable nights at the Teatro Real in Madrid, but also one of the most unexpectedly happy journeys of Giuseppe Verdi's life. A journey in which fate, for once, was generous.

Giuseppe Verdi n’aimait ni les voyages, ni l’exil, ni les routes interminables qui l’éloignaient de l’Italie. Il était un homme de la terre, du travail silencieux, de la création enracinée. Quitter son pays lui coûtait, et pourtant, le destin — ce même destin qu’il allait mettre en musique — l’obligea à regarder vers le Nord, bien au-delà de tout ce qu’il connaissait.

Saint-Pétersbourg l’appelait.

À contrecœur, Verdi accepta l’invitation impériale pour écrire une nouvelle œuvre destinée au grand Théâtre impérial. Il avait même pensé ne plus composer. Mais Giuseppina Strepponi, son épouse, sa confidente, son inspiratrice, le persuada une fois encore. Grâce à elle, La forza del destino commença à prendre forme, pensée pour la Russie, pour ses voix, pour son public — et pour son hiver.

Le premier voyage eut lieu en 1861.

Verdi dut affronter un froid qu’il n’avait jamais connu. Les rues de Saint-Pétersbourg semblaient figées sous la neige, la lumière pâle, les distances infinies. Il supportait mal ce climat, lui qui détestait déjà le déplacement. Et pourtant, il travaillait avec une rigueur implacable, concentré, exigeant. Tout était prêt pour la création… mais le destin frappa une première fois : la soprano tomba gravement malade. La première fut annulée.

Verdi dut repartir.

Un an plus tard, en 1862, il revint à Saint-Pétersbourg. Une seconde traversée, un second hiver, plus rude encore. Deux voyages vers une ville qu’il n’aimait pas, à une saison qu’il redoutait, par devoir envers la musique et par fidélité à son œuvre. Peu de compositeurs auraient accepté une telle épreuve.

Cette fois, rien n’arrêta la première.

Lorsque La forza del destino fut enfin donnée, le succès fut éclatant. Le public russe accueillit l’opéra avec enthousiasme, bouleversé par cette musique où le hasard, la fatalité et la passion semblaient se refléter dans la vie même de son créateur. Verdi, réservé par nature, laissa transparaître une satisfaction profonde. L’effort avait trouvé son sens.

Ironie du sort : cette œuvre, née dans la neige et le froid, marquée par l’attente et l’épreuve, devint l’un des opéras les plus joués au monde. Et aujourd’hui encore, à Saint-Pétersbourg, la « version russe » originale est représentée chaque saison, fidèle à l’esprit de sa première destinée.

Verdi ne se rendit jamais en Russie par plaisir. Il y alla par nécessité, par loyauté, presque par sacrifice. Deux fois. En plein hiver. Et c’est précisément là, au bout du monde et du froid, qu’il donna naissance à une œuvre où le destin, implacable et sublime, règne en maître.

Milano attendeva La forza del destino come si attende un ritorno solenne.

Non era una semplice prima: era una rinascita.

Dopo il successo della versione russa, Verdi sentì che l’opera non era ancora giunta alla sua forma definitiva per il pubblico italiano. La partitura lo soddisfaceva profondamente, ma il dramma — così cupo, così implacabile — appariva a molti eccessivo nella sua violenza. «Dobbiamo trovare il modo di evitare tutti questi morti», scrisse al suo librettista Francesco Maria Piave. Non era un ripudio dell’opera, ma un atto di lucidità teatrale.

Il destino, ancora una volta, intervenne: Piave si ammalò, e l’incarico passò ad Antonio Ghislanzoni. Il libretto venne profondamente rielaborato. Il finale fu trasformato: nella prima versione Don Álvaro si suicidava gettandosi da un dirupo; ora, al suo posto, Verdi cercò una redenzione possibile, una luce oltre la tragedia. Cambiarono il terzo atto, alcune scene cruciali, e soprattutto l’equilibrio morale dell’opera.

Verdi, intanto, tornò sulla musica.

Sostituì il breve preludio con una nuova, ampia ouverture: una vera architettura sonora, costruita sui motivi principali dell’opera, oggi tra le più celebri e riconoscibili della storia del teatro musicale. Aggiunse anche una nuova scena finale nel terzo atto, dopo il duello tra Carlo e Álvaro, rafforzando la tensione drammatica.

Così nacque la seconda versione di La forza del destino — quella che il mondo avrebbe conosciuto, amato e registrato per sempre.

La prima ebbe luogo il 27 febbraio 1869, al Teatro alla Scala di Milano.

Quella sera, la Scala visse una delle sue notti più felici e memorabili. Il teatro era colmo, vibrante di attesa. Verdi, notoriamente severo, diffidente verso i teatri — e in particolare verso la Scala, con la quale aveva avuto rapporti spesso difficili — osservava tutto con attenzione estrema. Era esigente fino all’eccesso, inflessibile sulle prove, sulla precisione, sulla verità teatrale.

Eppure, quella sera, tutto funzionò.

L’orchestra rispose con forza e chiarezza. Il coro fu compatto, drammatico, parte viva dell’azione. La scena servì la musica senza tradirla. L’opera avanzava con una potenza nuova, più equilibrata, più consapevole, senza perdere la sua anima tragica.

Al termine, l’accoglienza fu travolgente.

Il successo fu fabuloso.

Per Verdi, non fu solo un trionfo pubblico, ma una vittoria intima. Era soddisfatto — davvero soddisfatto — e questo, per chi lo conosceva, era il segno più alto di approvazione. Se Verdi era felice, significava che la Scala aveva lavorato bene. Molto bene.

Quella notte, Milano non assistette soltanto a una prima d’opera. Assistette alla nascita della versione definitiva di La forza del destino, e a uno dei momenti più luminosi della storia del suo teatro. Un’opera segnata dal fato trovava finalmente il suo equilibrio, e il suo autore, uomo difficile e grandissimo, poteva riconoscere — con raro sorriso — che il destino, almeno quella sera, era stato dalla sua parte.

España fue para Giuseppe Verdi una excepción luminosa.

No era un hombre inclinado al viaje ni a la vida social, pero Madrid —y luego Andalucía— lograron abrir en él una grieta de curiosidad, de asombro y, finalmente, de disfrute.

Verdi llegó a Madrid el 10 de enero de 1863, acompañado por Giuseppina Strepponi. El Teatro Real, joven aún pero ya convertido en epicentro de la vida musical y social de la capital, había querido algo más que el estreno de La forza del destino: deseaba la presencia del propio compositor. Y Verdi aceptó.

Se alojó frente al teatro, literalmente a unos pasos del escenario. Desde allí, concentrado y meticuloso, dirigió los ensayos con la severidad que le era habitual. No era amigo de recepciones ni de veladas aristocráticas, y rechazó muchas invitaciones que la alta sociedad madrileña le hizo llegar. Prefirió el trabajo, el silencio, la intimidad con su esposa. Aquella reserva le valió cierta antipatía, pero Verdi no estaba en Madrid para agradar: estaba allí para que su obra sonara como debía.

Los ensayos avanzaban con solidez. Verdi quedó muy satisfecho con la orquesta, con los coros y con la puesta en escena. Todo parecía alinearse.

Y entonces llegó la noche.

Sábado, 21 de febrero de 1863.

El Teatro Real resplandecía. La sociedad madrileña llenaba la sala: aristócratas, políticos, periodistas, aficionados a la lírica. En el palco real, la reina Isabel II presidía la velada. Entre el público se encontraba también Rosalía de Castro, voz esencial de la literatura española moderna, autora de Cantares gallegos, obra fundacional de la literatura gallega contemporánea. Aquella noche, música y poesía compartían un mismo espacio histórico.

Verdi dirigió personalmente la ópera.

Desde el primer compás, La forza del destino atrapó al público con su intensidad, su dramatismo y su hondura moral. Al caer el telón, el éxito fue rotundo. Aplausos largos, insistentes, emocionados. Madrid había vivido una noche histórica.

La ópera se repitió en varias funciones, pero Verdi partió pocos días después, profundamente satisfecho. Giuseppina, más sociable, había disfrutado del ambiente madrileño, incluso de aquello que su marido solía evitar. Para ambos, la estancia en Madrid quedó marcada como una experiencia feliz.

Tras el triunfo, Verdi se permitió algo poco habitual en él: vacaciones.

Viajó hacia el sur, y fue en Granada donde algo cambió. Allí sí hizo vida social. Ya lejos de la presión del estreno, fue agasajado por su amigo, el gran barítono Giorgio Ronconi, quien ejerció de anfitrión. Verdi disfrutó sinceramente de aquellos días. Visitó la Alhambra, que lo dejó profundamente fascinado. Años después recordaría que fue lo que más le impresionó de todo su viaje por España, incluso más que el Escorial, que admiró pero que, en comparación, le dejó frío. La Alhambra, en cambio, lo cautivó.

Desde Granada viajó a Córdoba, donde la Mezquita lo maravilló por su belleza y su armonía, y luego a Sevilla, ciudad que le causó una impresión duradera. La catedral lo sobrecogió por su grandeza, y el Museo de Bellas Artes despertó en él un entusiasmo particular. Verdi amaba profundamente la pintura, y en Sevilla se interesó de manera especial por la obra de Bartolomé Esteban Murillo, a quien admiró con atención y respeto.

En aquellas salas, entre lienzos barrocos y luz andaluza, el compositor encontró una forma distinta de belleza: silenciosa, visual, contemplativa. España le ofreció no solo un triunfo operístico, sino una experiencia estética completa.

Así, La forza del destino no solo marcó una de las noches más memorables del Teatro Real de Madrid, sino también uno de los viajes más inesperadamente felices de la vida de Giuseppe Verdi. Un viaje en el que el destino, por una vez, fue generoso.

London - Anna Bolena - 8 July 1831

His Majesty's Theater - London  - Interior of His Majesty's Theater London, 1808.

A ballet perfomance ( drawing by Auguste Pugin and Thomas Rowlandson ) 

One of the most important operas in the history of opera is undoubtedly Gaetano Donizetti's masterpiece, Anna Bolena. Anna Bolena was premiered at the Teatro Carcano in Milan on 26 December 1830, and from its very first night it was a triumphant success. The title role was sung by Giuditta Pasta, the most famous soprano of her time, while Elisa Orlandi sang Jane Seymour. This opera was the 29th in the catalogue of Gaetano Donizetti, the composer born in Bergamo. Remarkably, although Donizetti had already written no fewer than twenty-eight operas, it was Anna Bolena that finally propelled his fame across Italy and throughout Europe.

Among those who attended the premiere was Donizetti’s teacher, Johann Simon Mayr, who travelled to Milan especially for the occasion. Deeply moved, Mayr famously told his former pupil: “You are a master!” — words of great significance, coming from a composer who himself had been a student of Mozart.

Today, the role of Jane Seymour is usually sung by a mezzo-soprano, but originally it was conceived for a soprano voice. Shortly after completing Imelda de’ Lambertazzi (his 28th opera), Donizetti travelled to Milan to finalize the details of his new work. The commission came not from La Scala, as is often mistakenly believed, but from the Teatro Carcano, which at the time was La Scala’s great rival. Determined to surpass its prestigious competitor, the Carcano demanded a grand opera — and it achieved exactly that.

Crucially, Giuditta Pasta, the reigning diva of the era, agreed to sing the title role. She even invited Donizetti to stay at her villa on Lake Como, where much of the opera was composed. Anna Bolena can truly be described as an opera written to measure, like a bespoke haute-couture gown. Pasta sang the arias as Donizetti wrote them, suggested changes according to her vocal instincts and dramatic taste, and Donizetti refined the music accordingly. The invention was unquestionably his, but Pasta undeniably helped shape and polish the final result.

The score was completed on 10 December 1830, and rehearsals began immediately. The premiere became the musical sensation of the year. All of Milan gathered at the Teatro Carcano — not at La Scala — to hear Giuditta Pasta in this new opera. The success was historic. Overnight, Donizetti became the most famous composer in Italy and one of the most celebrated in the world.

Even so, Donizetti was not entirely satisfied and continued to revise the opera after the premiere. Once these refinements were complete, Anna Bolena conquered Italy and soon travelled to London, Paris, and gradually all of Europe.

After its Italian success, Anna Bolena received its London premiere on 8 July 1831 at the King’s Theatre, only a few months after the Milan debut. This theatre — which no longer exists in its original form — was one of the most impressive opera houses in the world. It was both the opera theatre and the theatre of the monarch, and at the time the reigning king was William IV, King of the United Kingdom and Hanover.

William IV had ascended the throne in 1830, the same year Anna Bolena premiered in Milan. His coronation took place in September 1831, just two months after the London premiere of Donizetti’s opera. In this sense, Anna Bolena entered history as the opera that celebrated the beginning of William IV’s reign, shortly before the long era of Queen Victoria.

When King George IV died a few months before the Milan premiere, his successor William IV was already 64 years old. These were years of splendour at court, with gala performances at the King’s Theatre, the most prestigious operatic venue in London. In Donizetti’s time, the theatre was a magnificent Italian-style opera house, as shown in historical images, and attending performances there was a true social event. Life in the boxes and the intervals was almost as important as the opera itself.

The King’s Theatre had already hosted an extraordinary succession of historic premieres. Works by Handel and Haydn were performed there, and Don Giovanni was first heard in London in this very theatre. Later, it also presented Carmen by Bizet and Wagner’s Ring Cycle. Over time, the theatre changed its name according to the reigning monarch — His Majesty’s Theatre or Her Majesty’s Theatre. During the reign of Queen Elizabeth II it was known as Her Majesty’s Theatre, and today, under King Charles III, it once again bears the name His Majesty’s Theatre.

After a devastating fire in 1789, a second theatre was built on the site — the one depicted in historical illustrations. It became the largest theatre in England and one of the most magnificent in the world. It hosted the English premieres of Mozart’s La clemenza di Tito, Così fan tutte, and The Magic Flute, shortly after the composer’s death, as well as Don Giovanni in 1816. London thus became, for a time, a truly Mozartian city.

The theatre also introduced London audiences to the works of Mozart’s great rival, Gioachino Rossini. Here, London saw Il barbiere di Siviglia, Elisabetta, regina d’Inghilterra, and Tancredi, all with great success, followed later by Semiramide.

Giuditta Pasta, the heroine of this story, first appeared in London in 1817, singing Cimarosa’s Penelope at the King’s Theatre — without much success. Still young and relatively unknown, she was not well received. Determined to improve, she studied relentlessly, and by 1822 she achieved true stardom in Paris as Desdemona in Rossini’s Otello. When she returned to London in 1824, she was transformed: her performance of Semiramide was a sensational triumph. She was now a superstar across Europe.

Pasta was also scheduled to sing Rosina in Il barbiere di Siviglia, but illness forced her to withdraw, and she was replaced by the celebrated Maria Malibran. Later, Pasta sang Anna Bolena, Norma, and Semiramide in St Petersburg, among other cities. Curiously, although Anna Bolena was the opera that secured her immortal fame, she did not sing the title role at the King’s Theatre in London; on that occasion, the role was performed by Marietta Brambilla.

On 30 December 1947, Anna Bolena was performed at the Gran Teatre del Liceu in Barcelona to mark the theatre’s centenary — a fitting tribute, since the Liceu itself had opened in 1847 with Anna Bolena.

Today, this masterpiece remains one of Donizetti’s most frequently performed operas worldwide, alongside L’elisir d’amore and Don Pasquale, a lasting testament to the moment when a Bergamasque composer, a rival theatre, and a legendary soprano changed the course of operatic history.

December 26, 1830: The Night Anna Bolena Was Born

On the evening of December 26, 1830, Milan is enveloped in a biting winter cold, but the atmosphere outside the Teatro Carcano is incandescent. Carriages crowd together, boxes fill, the entire elegant and musical city of Milan converges on that theater that, for one night, overshadows even La Scala. This is no ordinary premiere: it is the world premiere of Anna Bolena, a new opera by a still-young composer, Gaetano Donizetti, a thirty-three-year-old from Bergamo.

Donizetti arrives at this evening after years of feverish work, of works written in rapid succession, of successes alternating with disappointments. He has already composed twenty-eight operas, but he knows this is different. He senses it from the very first rehearsals. Anna Bolena is not just a new title: it is a challenge, a definitive test. For the first time, he feels he has in his hands a drama capable of speaking with a new, intense, modern voice.

In the audience sits a man who means more to Donizetti than many critics: Johann Simon Mayr, his teacher, who came especially from Bergamo. It was he who recognized the talent of the young Gaetano, who trained him, and who guided his first steps. Now he is there, in the stalls, ready to witness the moment when the student might surpass the master. It is not a gesture of simple curiosity, but of profound participation: Mayr knows that that evening the artistic destiny of his former student will be decided.

The Teatro Carcano, a direct rival of La Scala, has strongly desired this opera. It wants to establish itself as the theater of boldness and modernity, and to do so, it is banking everything on an exceptional event. The vast and splendid auditorium is packed. In the boxes, people don't just gaze at the stage: they observe, comment, and judge. It is a social evening, but also a historic one.

And then there is her: Giuditta Pasta. When she enters the stage, the theater holds its breath. She's already a living legend, Europe's most celebrated singer, at the peak of a career that, paradoxically, is now nearing its end: just five years after this evening, she will retire from the stage. But in that December of 1830, she is still at the height of her artistic and dramatic powers.

Anna Bolena is written for her, modeled on her voice, her temperament, her musical intelligence. Every phrase seems to spring from her breathing, every accent from her stage experience. Pasta doesn't play Anna Bolena: he embodies her. The abandoned, betrayed, condemned queen comes to life before the audience's eyes with shocking emotional truth.

As the opera progresses, something rare happens: attention doesn't wane, it doesn't fade. The audience is captivated, drawn into the drama. At the end, the explosion is inevitable. Endless applause, calls to the stage, unreserved enthusiasm. The success is immediate, resounding, unmistakable.

At that moment, Mayr stands up. He approaches his former student and utters words destined to go down in history: "You are a master." It is not a polite compliment, but a solemn recognition. Donizetti is no longer just a promising composer: he has entered, on that Milanese night, into the ranks of the greats.

December 26, 1830, therefore, is not just the date of a theatrical premiere. It is the night when Donizetti becomes Donizetti, when the Teatro Carcano wins its challenge against La Scala, and when Giuditta Pasta, already an absolute legend, gives history one of the most powerful female portraits in Romantic opera.

From that evening, Anna Bolena no longer belongs only to Milan. She begins her journey toward Europe, but her soul remains forever tied to that winter night, to that theater, and to that unrepeatable encounter between a young composer, her master, and a diva on the verge of entering eternity.

Anna Bolena : naissance d’un mythe belcantiste et triomphe d’un nouveau théâtre européen

Avec Anna Bolena, Gaetano Donizetti ne se contente pas d’obtenir un succès éclatant : il redéfinit en profondeur sa place dans l’histoire de l’opéra italien et inaugure une nouvelle manière de concevoir le drame belcantiste, fondé sur l’introspection psychologique, la noblesse du chant et l’expressivité vocale poussée à l’extrême.

Lorsque l’opéra voit le jour au Teatro Carcano de Milan le 26 décembre 1830, Donizetti est déjà un compositeur prolifique, mais encore perçu comme un artisan talentueux plutôt qu’un maître. Anna Bolena marque une rupture décisive : pour la première fois, le drame ne repose pas seulement sur l’enchaînement des numéros vocaux, mais sur une construction dramatique continue, où les conflits intérieurs des personnages — en particulier celui d’Anne Boleyn — deviennent le moteur de la musique.

Le choix du Teatro Carcano n’est pas anodin. Loin d’être une salle secondaire, il est alors le grand rival de La Scala, et son ambition est claire : s’imposer comme le théâtre de la modernité. En commandant Anna Bolena, le Carcano mise sur une œuvre capable de rivaliser avec les grandes tragédies lyriques européennes. Le pari est gagné : Milan reconnaît immédiatement la portée exceptionnelle de cette création.

L’élément central de ce succès réside dans la collaboration étroite entre Donizetti et Giuditta Pasta, incarnation parfaite de l’idéal vocal romantique. Sa voix, réputée pour son étendue inhabituelle, sa couleur sombre et sa capacité à unir puissance dramatique et souplesse belcantiste, permet à Donizetti d’explorer une écriture vocale d’une audace nouvelle. Anna Bolena est pensée non comme un simple rôle de virtuosité, mais comme un portrait vocal, où chaque aria, chaque cabalette et chaque ensemble expriment l’évolution psychologique de l’héroïne.

Cette conception « sur mesure » explique aussi certaines particularités de la distribution originale. Le rôle de Jane Seymour, aujourd’hui confié presque systématiquement à une mezzo-soprano, est à l’origine écrit pour soprano, afin de permettre un véritable duel vocal entre les deux femmes, fondé moins sur le contraste de tessiture que sur la tension dramatique et expressive.

Dès sa création, l’opéra dépasse le cadre italien. Sa diffusion rapide en Europe témoigne d’un changement profond du goût du public, désormais avide de grands drames historiques portés par des voix d’exception. À Londres, Anna Bolena est donnée le 8 juillet 1831 au King’s Theatre, haut lieu de la vie musicale et mondaine britannique. Cette salle prestigieuse n’est pas seulement un théâtre d’opéra : elle est aussi un espace politique et symbolique, étroitement lié à la monarchie.

La représentation londonienne coïncide avec une période charnière de l’histoire britannique. William IV, récemment monté sur le trône, n’est pas encore couronné, et la saison d’opéra de 1831 prend des allures de célébration officieuse de son règne. Le King’s Theatre, qui changera de nom au fil des souverains (His ou Her Majesty’s Theatre), incarne alors l’excellence culturelle de la cour et l’ouverture de Londres aux grandes nouveautés continentales.

Il est significatif que Anna Bolena s’inscrive dans une tradition déjà prestigieuse : ce théâtre avait introduit en Angleterre les opéras de Mozart peu après sa mort, ainsi que les grandes œuvres de Rossini, contribuant à façonner un public londonien particulièrement réceptif aux innovations italiennes. Donizetti s’insère ainsi dans une lignée prestigieuse, tout en affirmant une voix résolument personnelle.

Fait révélateur de la circulation des stars lyriques à cette époque, Giuditta Pasta, pourtant indissociable du rôle d’Anne Boleyn, ne chante pas la création londonienne. Le rôle est confié à Marietta Brambilla, preuve que l’opéra a désormais acquis une autonomie suffisante pour survivre au-delà de sa créatrice originelle.

Après son immense succès initial, Anna Bolena connaît une fortune scénique fluctuante au cours du XIXᵉ siècle, avant d’être redécouverte au XXᵉ siècle, notamment dans le contexte de la renaissance du bel canto. Sa reprise emblématique au Gran Teatre del Liceu de Barcelone le 30 décembre 1947, pour le centenaire du théâtre — inauguré en 1847 précisément avec Anna Bolena — symbolise cette redécouverte et la reconnaissance durable de l’œuvre.

Aujourd’hui, Anna Bolena est reconnue comme l’un des piliers du répertoire donizettien. Elle marque le point de départ d’une série de grandes tragédies lyriques consacrées aux figures historiques féminines et demeure une œuvre de référence pour les grandes sopranos dramatiques. Plus qu’un succès de son temps, elle représente un tournant esthétique, où l’opéra italien s’engage résolument sur la voie du drame romantique moderne.

26 décembre 1830 : La nuit de la naissance d'Anna Bolena

Le soir du 26 décembre 1830, Milan est engloutie par un froid hivernal mordant, mais l'atmosphère aux abords du Teatro Carcano est électrique. Les calèches s'entassent, les loges se remplissent, toute l'élégante et musicale ville de Milan converge vers ce théâtre qui, le temps d'une soirée, éclipse même La Scala. Il ne s'agit pas d'une première ordinaire : c'est la création mondiale d'Anna Bolena, un nouvel opéra d'un compositeur encore jeune, Gaetano Donizetti, un Bergamasque de trente-trois ans.

Donizetti arrive à cette soirée après des années de travail acharné, d'œuvres écrites à un rythme effréné, de succès alternant avec des déceptions. Il a déjà composé vingt-huit opéras, mais il sait que celui-ci est différent. Il le pressent dès les premières répétitions. Anna Bolena n'est pas qu'un nouveau titre : c'est un défi, une épreuve décisive. Pour la première fois, il sent entre ses mains un drame capable de s'exprimer d'une voix nouvelle, intense et moderne.

Dans la salle, un homme compte plus pour Donizetti que bien des critiques : Johann Simon Mayr, son professeur, venu spécialement de Bergame. C'est lui qui a reconnu le talent du jeune Gaetano, qui l'a formé et qui a guidé ses premiers pas. À présent, il est là, dans l'orchestre, prêt à assister au moment où l'élève pourrait surpasser le maître. Ce n'est pas un geste de simple curiosité, mais d'une profonde implication : Mayr sait que ce soir-là se jouera le destin artistique de son ancien élève.

Le Teatro Carcano, rival direct de La Scala, a ardemment désiré cet opéra. Il veut s'imposer comme le théâtre de l'audace et de la modernité, et pour cela, il mise tout sur un événement exceptionnel. La vaste et splendide salle est comble. Dans les loges, on ne se contente pas de contempler la scène : on observe, on commente, on juge. C'est une soirée conviviale, mais aussi historique.

Et puis il y a elle : Giuditta Pasta. Lorsqu'elle entre en scène, le théâtre retient son souffle. Elle est déjà une légende vivante, la chanteuse la plus célèbre d'Europe, au sommet d'une carrière qui, paradoxalement, touche à sa fin : cinq ans seulement après ce soir, elle se retirera de la scène. Mais en ce décembre 1830, elle est encore au faîte de son art et de son talent dramatique.

Anna Bolena est écrite pour elle, modelée sur sa voix, son tempérament, son intelligence musicale. Chaque phrase semble jaillir de sa respiration, chaque accent de son expérience scénique. Pasta n'interprète pas Anna Bolena : il l'incarne. La reine abandonnée, trahie, condamnée, prend vie sous les yeux du public avec une vérité émotionnelle bouleversante.

Au fil de l'opéra, un phénomène rare se produit : l'attention ne faiblit pas, elle ne s'estompe pas. Le public est captivé, happé par le drame. À la fin, l'explosion est inévitable. Applaudissements nourris, appels vers la scène, enthousiasme débordant. Le succès est immédiat, retentissant, incontestable.

À cet instant, Mayr se lève. Il s'approche de son ancien élève et prononce des mots qui entreront dans la légende : « Vous êtes un maître. » Ce n'est pas un compliment poli, mais une reconnaissance solennelle. Donizetti n'est plus seulement un compositeur prometteur : il est entré, en cette nuit milanaise, au rang des plus grands.

Le 26 décembre 1830 n'est donc pas seulement la date d'une première théâtrale. C'est la nuit où Donizetti devient Donizetti, où le Teatro Carcano triomphe de La Scala, et où Giuditta Pasta, déjà une légende absolue, livre à l'histoire l'un des portraits féminins les plus saisissants de l'opéra romantique.

Dès ce soir, Anna Bolena n'appartient plus seulement à Milan. Elle entame son voyage vers l'Europe, mais son âme reste à jamais liée à cette nuit d'hiver, à ce théâtre, et à cette rencontre unique entre un jeune compositeur, son maître et une diva au seuil de l'immortalité.

26 dicembre 1830: la notte in cui nacque Anna Bolena

La sera del 26 dicembre 1830, Milano è avvolta da un freddo invernale pungente, ma davanti al Teatro Carcano l’atmosfera è incandescente. Le carrozze si accalcano, i palchi si riempiono, l’intera città elegante e musicale di Milano converge verso quel teatro che, per una notte, oscura persino la Scala. Non è una prima qualunque: è la prima assoluta di Anna Bolena, una nuova opera di un compositore ancora giovane, Gaetano Donizetti, bergamasco di trentatré anni.

Donizetti arriva a questa sera dopo anni di lavoro febbrile, di opere scritte in rapida successione, di successi alternati a delusioni. Ha già composto ventotto opere, ma sa che questa è diversa. Lo avverte fin dalle prime prove. Anna Bolena non è soltanto un nuovo titolo: è una sfida, un banco di prova definitivo. Per la prima volta sente di avere tra le mani un dramma capace di parlare con voce nuova, intensa, moderna.

Tra il pubblico siede un uomo che per Donizetti conta più di molti critici: Johann Simon Mayr, suo maestro, arrivato appositamente da Bergamo. È stato lui a riconoscere il talento del giovane Gaetano, a formarlo, a guidarne i primi passi. Ora è lì, in platea, pronto ad assistere al momento in cui l’allievo potrebbe superare il maestro. Non è un gesto di semplice curiosità, ma di profonda partecipazione: Mayr sa che quella sera si decide il destino artistico del suo ex studente.

Il Teatro Carcano, rivale diretto della Scala, ha voluto questa opera con decisione. Vuole affermarsi come il teatro dell’audacia e della modernità, e per farlo punta tutto su un evento eccezionale. La sala, vasta e splendida, è gremita. Nei palchi non si guarda soltanto il palcoscenico: si osserva, si commenta, si giudica. È una serata mondana, ma anche una serata storica.

E poi c’è lei: Giuditta Pasta. Quando entra in scena, il teatro trattiene il respiro. È già una leggenda vivente, la cantante più celebrata d’Europa, all’apice di una carriera che, paradossalmente, è ormai vicina alla fine: solo cinque anni dopo questa sera, si ritirerà dalle scene. Ma in quel dicembre del 1830 è ancora nel pieno delle sue forze artistiche e drammatiche.

Anna Bolena è scritta per lei, modellata sulla sua voce, sul suo temperamento, sulla sua intelligenza musicale. Ogni frase sembra nascere dal suo respiro, ogni accento dalla sua esperienza scenica. Pasta non interpreta Anna Bolena: la incarna. La regina abbandonata, tradita, condannata, prende vita davanti agli occhi del pubblico con una verità emotiva sconvolgente.

Man mano che l’opera procede, qualcosa di raro accade: l’attenzione non si disperde, non si affievolisce. Il pubblico è catturato, trascinato dentro il dramma. Alla fine, l’esplosione è inevitabile. Applausi interminabili, chiamate in scena, entusiasmo senza riserve. Il successo è immediato, clamoroso, inequivocabile.

In quel momento, Mayr si alza. Si avvicina al suo ex allievo e pronuncia parole destinate a restare nella storia: «Sei un maestro». Non è un complimento di circostanza, ma un riconoscimento solenne. Donizetti non è più soltanto un compositore promettente: è entrato, in quella notte milanese, nel novero dei grandi.

Il 26 dicembre 1830 non è dunque solo la data di una prima teatrale. È la notte in cui Donizetti diventa Donizetti, in cui il Teatro Carcano vince la sua sfida contro la Scala, e in cui Giuditta Pasta, già mito assoluto, consegna alla storia uno dei ritratti femminili più potenti dell’opera romantica.

Da quella sera, Anna Bolena non appartiene più soltanto a Milano. Inizia il suo viaggio verso l’Europa, ma la sua anima resta per sempre legata a quella notte d’inverno, a quel teatro, e a quell’incontro irripetibile tra un giovane compositore, il suo maestro, e una diva sul punto di entrare nell’eternità.

26 de diciembre de 1830: La noche del nacimiento de Ana Bolena

En la noche del 26 de diciembre de 1830, Milán se ve envuelta en un frío invernal gélido, pero la atmósfera fuera del Teatro Carcano es incandescente. Los carruajes se agolpan, los palcos se llenan, toda la elegante y musical ciudad de Milán converge en ese teatro que, por una noche, eclipsa incluso a La Scala. Este no es un estreno cualquiera: es el estreno mundial de Ana Bolena, una nueva ópera de un compositor aún joven, Gaetano Donizetti, un bergamasco de treinta y tres años.

Donizetti llega a esta noche tras años de trabajo febril, de obras escritas en rápida sucesión, de éxitos alternados con decepciones. Ya ha compuesto veintiocho óperas, pero sabe que esto es diferente. Lo intuye desde los primeros ensayos. Ana Bolena no es solo un título nuevo: es un desafío, una prueba definitiva. Por primera vez, siente que tiene en sus manos un drama capaz de hablar con una voz nueva, intensa y moderna.

Entre el público se sienta un hombre que significa más para Donizetti que muchos críticos: Johann Simon Mayr, su maestro, quien vino especialmente de Bérgamo. Fue él quien reconoció el talento del joven Gaetano, quien lo formó y quien guió sus primeros pasos. Ahora está allí, en la platea, listo para presenciar el momento en que el alumno podría superar al maestro. No es un gesto de simple curiosidad, sino de profunda participación: Mayr sabe que esa noche se decidirá el destino artístico de su antiguo alumno.

El Teatro Carcano, rival directo de La Scala, ha deseado intensamente esta ópera. Desea consolidarse como el teatro de la audacia y la modernidad, y para lograrlo, apuesta todo a un evento excepcional. El vasto y espléndido auditorio está abarrotado. En los palcos, la gente no solo contempla el escenario: observa, comenta y juzga. Es una velada social, pero también histórica.

Y ahí está ella: Giuditta Pasta. Cuando entra en escena, el teatro contiene la respiración. Ya es una leyenda viviente, la cantante más célebre de Europa, en la cima de una carrera que, paradójicamente, se acerca a su fin: tan solo cinco años después de esta noche, se retirará de los escenarios. Pero en ese diciembre de 1830, aún se encuentra en la cima de su potencial artístico y dramático.

Ana Bolena está escrita para ella, inspirada en su voz, su temperamento, su inteligencia musical. Cada frase parece brotar de su respiración, cada acento de su experiencia escénica. Pasta no interpreta a Ana Bolena: la encarna. La reina abandonada, traicionada y condenada cobra vida ante los ojos del público con una impactante verdad emocional.

A medida que avanza la ópera, ocurre algo inusual: la atención no decae, no se desvanece. El público queda cautivado, atraído por el drama. Al final, la explosión es inevitable. Aplausos interminables, llamadas al escenario, entusiasmo sin reservas. El éxito es inmediato, rotundo, inconfundible.

En ese momento, Mayr se levanta. Se acerca a su antiguo alumno y pronuncia unas palabras destinadas a la historia: «Eres un maestro». No es un cumplido cortés, sino un reconocimiento solemne. Donizetti ya no es solo un compositor prometedor: ha entrado, en esa noche milanesa, en las filas de los grandes.

El 26 de diciembre de 1830, por lo tanto, no es solo la fecha de un estreno teatral. Es la noche en que Donizetti se convierte en Donizetti, en que el Teatro Carcano vence a La Scala y en que Giuditta Pasta, ya una leyenda absoluta, regala a la historia uno de los retratos femeninos más impactantes de la ópera romántica.

A partir de esa noche, Anna Bolena ya no pertenece solo a Milán. Emprende su viaje hacia Europa, pero su alma permanece para siempre ligada a esa noche de invierno, a ese teatro y a ese encuentro irrepetible entre una joven compositora, su maestro y una diva a punto de entrar en la eternidad.